Imagen: Neon

Desde la orilla, un fiordo parece agua quieta. Pero debajo hay una profundidad que no se ve. El hielo abrió la roca y, cuando se retiró, el mar entró a ocupar la herida.

En eso pensaba mientras veía Fjord, la nueva película de Cristian Mungiu, porque me pasó lo mismo con sus personajes. Detrás de tanta belleza, de tanta compostura, había tensiones que fueron saliendo poco a poco, algunas que todavía no sé bien cómo nombrar.

Mungiu, que ya había ganado la Palma de Oro en 2007 con 4 meses, 3 semanas y 2 días, volvió a ganarla este año. Inspirada en casos reales que investigó durante años, la historia sigue a una familia muy religiosa, de padre rumano y madre noruega, con cinco hijos, que vive en un pueblito junto al fiordo. Un episodio relacionado con la crianza de los niños hace que intervengan los servicios de protección infantil. A partir de ahí, el conflicto se vuelve mucho más grande que esa casa. ¿Hasta dónde llega el derecho de unos padres a educar a sus hijos según sus creencias? ¿Cuándo debe intervenir el Estado? ¿Hasta dónde podemos aceptar otras formas de entender la vida sin renunciar a ciertos principios que consideramos universales?

Imagen: IMDb

Leyendo sobre Mungiu descubrí que necesita tener claros el primer plano y el último antes de sentarse a escribir el guion. Se nota. Desde el arranque nos pone frente a dos familias que viven prácticamente puerta con puerta, cuyos hijos van en el mismo autobús escolar, pero entre las que hay una distancia enorme.

Nadie nos la explica; la vamos descubriendo en los detalles. Uno de ellos está en los carros: un Tesla para la familia progresista y un Volkswagen viejo para la tradicional. Mungiu ha contado que esa elección fue deliberada, como casi todo lo que aparece en cuadro. Desde la producción conozco bien ese trabajo: detrás de cada objeto hubo una búsqueda, muchas veces una discusión.

Hablando de locaciones, no pude evitar ponerme el sombrero de productora. Fjord se rodó en 36 días en el oeste de Noruega. Bellísimo lugar, pero nada sencillo desde el punto de vista logístico. Mientras veía la película, me imaginaba el plan de rodaje, los desplazamientos del equipo, los cambios de clima y a todo el mundo esperando que abriera la luz.

Imagen: IMDb

Venía de ver películas tan grandilocuentes como Digger o The Odyssey, así que Fjord me agarró desprevenida. Es tan contenida que uno casi termina observando una conversación ajena, como un vecino chismoso. Mungiu y su director de fotografía, Tudor Vladimir Panduru, aprovechan esa luz noruega tan particular para construir imágenes que parecen respirar al ritmo del paisaje. La cámara mira sin imponerse, con planos largos y muchos silencios. Todo se siente muy natural.

En medio de esa precisión están Renate Reinsve y Sebastian Stan, magníficos. Construyen personajes muy humanos, llenos de contradicciones, con una contención que por momentos me descolocó. No necesitan grandes gestos para transmitir lo que sienten. A veces, lo que callan pesa más que cualquier discusión.

Imagen: IMDb

Confieso que una de las cosas que más me sorprendió fue la reacción de la madre cuando aparece la posibilidad de que le quiten a sus hijos. Con mi sensibilidad latinoamericana, yo esperaba una gata con las uñas afuera, dispuesta a dar la vida por sus cachorros, pero no fue así. La madre que interpreta Reinsve es amorosa, profundamente creyente, aunque funciona con otro termómetro emocional. Me quedé pensando si sentimos distinto o si simplemente aprendimos a expresarlo de otra forma.

Después escuché a Mungiu hablar de la película y lo que dijo me movió el piso. Él no ve pasiva a esa familia. Ve personas que descubren lo pequeñas que pueden sentirse frente a instituciones mucho más poderosas que ellas. Esa lectura me hizo mirar distinto a esa madre. Quizás estaba viendo a una mujer que no sabía cómo pelear contra algo que la sobrepasaba.

Imagen: IMDb

Eso es lo que más le agradezco a Fjord: que me obligó a revisar mi primera impresión. Mungiu cree que el cine no debería limitarse a confirmar lo que ya pensamos, sino que debería invitarnos a escuchar a quienes no comparten nuestros valores. Es el cine que más me gusta, el que confía en que uno, como espectador, puede con la complejidad. Más allá del choque entre lo tradicional y lo progresista, Fjord habla de lo difícil que nos resulta entender al otro.

Vuelvo al paisaje, a esas montañas enormes, a esa agua que parece inmóvil. Creo que las personas somos un poco así. Mostramos mucho menos de lo que sentimos, así que lo que creemos entender de los demás muchas veces es apenas la superficie.

Hay historias que se cuentan; otras se quedan.

Gracias por acompañarme en esta. (*_-)

Const

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Trailer oficial. Fuente: Neon

Fjord

Género: Drama / thriller

Dirección: Cristian Mungiu

Guion: Cristian Mungiu

Producción: Cristian Mungiu, Dyveke Bjørkly Graver, Andrea Berentsen Ottmar

Dirección de fotografía; Tudor Vladimir Panduru

Montaje: Mircea Olteanu

Diseño de producción: Marius Winje Brustad y Simona Pădurețu

Vestuario: Kirsi Gum

Música original: Kaspar Kaae

Sonido: Constantin Fleancu, Pietu Korhonen y Kristian Eidnes Andersen

Casting: Hannah Chocron Foldøy

Reparto principal: Sebastian Stan, Renate Reinsve, Lisa Carlehed, Ellen Dorrit Petersen y Lisa Loven Kongsli

Países: Rumanía, Francia, Noruega, Suecia, Dinamarca y Finlandia

Duración: 146 minutos

Distribución en Estados Unidos: Neon

Imagen: Warner Bros. Pictures

Hace unos días, al salir de ver Digger, escribí casi sin pensarlo:

“Digger es enorme. Por momentos excesiva, pero grandiosa. Una imagen extraordinaria y un Tom Cruise que no sabía que existía. Iñárritu nos lo presenta.”

Han pasado varios días y sigo pensando lo mismo. Así que aquí estoy, intentando entender por qué.

No les voy a contar mucho de la historia. En parte porque Digger es difícil de resumir, y también porque el placer está en no saber hacia dónde va. Prefiero hablar de lo que me provocó, de su tamaño, su rareza, su humor, lo incómoda que llega a ser, y esa sensación de estar frente a una película a la que no le da ningún miedo pasarse de la raya.

Iñárritu empezó a imaginarla después de The Revenant. No tenía historia ni guion, tenía un personaje. Sabía cómo hablaba ese hombre, cómo sobrevivía, cómo se las arreglaba para que la realidad terminara dándole la razón. Tardó casi una década en encontrar la película capaz de contenerlo.

Como productora, esto me toca de cerca. Sé lo que es acompañar una idea durante años, verla cambiar de forma con cada reescritura del guionista o del director, verla quedarse en una gaveta y volver a salir. Ahora mismo estoy en eso con un proyecto que lleva mucho tiempo en gestión, entre resolver derechos, encontrar cómo se articula, sumar a la gente correcta, y ni hablar de los recursos, que sospecho no fue el mayor problema de Iñárritu. Es la parte del cine que casi nadie ve y la que más paciencia exige. En el caso de Digger hubo varias reescrituras, viajes al Ártico y a la Antártida, meses de preproducción y una búsqueda visual casi obsesiva por diez años.

Imagen: Warner Bros. Pictures

Ese personaje terminó siendo Digger Rockwell, uno de los hombres más poderosos del planeta, convencido de que puede controlarlo todo, explicar lo inexplicable y, si hace falta, presentarse como el salvador de un desastre que él mismo ayudó a provocar. Hasta ahí conviene contar.

Iñárritu ha dicho que Digger no está inspirado en nadie en particular, y me parece mejor así, porque mientras lo veía no pensé en uno, pensé en muchos. En esos gestos que reconocemos enseguida, como la manera de entrar a un lugar como si fuera suyo, la seguridad al hablar, la necesidad de llevar la conversación, de imponer su versión de las cosas, de convertir hasta un error en una demostración de fuerza.

En medio de todo eso está Tom Cruise y fue mi mayor sorpresa. Yo creía conocerlo. Lo he visto correr, pilotar aviones, colgarse de edificios, lanzarse en moto por un precipicio. Durante décadas hizo de su propio cuerpo parte del espectáculo. Iñárritu decidió mirar hacia otro lado, hacia el actor.

La relación entre ellos viene de lejos. Cruise vio Amores perros hace unos veinticinco años y quedó tan impresionado que empezó a llamar a amigos y a gente de los estudios para preguntarles quién era ese director mexicano. Pasaron muchos años antes de que pudieran trabajar juntos. Cuando a Iñárritu le preguntaron por qué lo había elegido, respondió que era como preguntarle a alguien por qué toma agua cuando tiene sed. Después de ver la película, lo entiendo perfectamente.

Imagen: Warner Bros. Pictures

Hay un detalle de ese encuentro que me encanta. Cruise prefiere escuchar los guiones antes que leerlos, así que Iñárritu se sentó con él durante varios días a leerle la película en voz alta. Cualquiera que haya estado en una lectura de guion sabe que ahí el texto deja de ser papel y empieza a tener ritmo, respiración, silencios. Me gusta imaginar que algo tan grande empezó así, con un director leyéndole una historia a un actor.

Lo que vino después fue una transformación, pero no de las que Cruise nos tiene acostumbrados. Digger está en la postura, en la forma de caminar y de sentarse, en cómo mira, en las pausas, en movimientos mínimos de la cara. Iñárritu contó que en el rodaje descubrió en Cruise la misma precisión de sus escenas de acción, solo que aplicada a una mirada o a una inflexión de la voz.

Por debajo de las prótesis hay algo todavía más interesante, y es que Cruise construye a un hombre que está todo el tiempo interpretándose a sí mismo. Eso fue lo que más me recordó a ciertos personajes del poder actual, gente para la que hablar ya es actuar, para quienes sentarse frente a alguien o quedarse callados unos segundos forma parte del personaje público.

Hay momentos en que Cruise se vuelve irreconocible. No porque olvidemos que es él, sino porque dejamos de buscarlo.

Imagen: Warner Bros. Pictures

Sería injusto quedarme solo con Cruise. Lo rodea un elenco impresionante, con Riz Ahmed, Sandra Hüller, Jesse Plemons, John Goodman, Michael Stuhlbarg, Emma D’Arcy y Sophie Wilde, entre otros. Actores capaces de hacer muchísimo sin subrayar nada. Con un personaje tan grande en el centro, lo fácil habría sido que todos se desdibujaran, y no pasa. Iñárritu dijo que trabajar con ellos era como ver a un grupo de magos haciendo magia. No me parece exagerado.

Detrás de cámara pasa lo mismo. Iñárritu vuelve a trabajar con Emmanuel “Chivo” Lubezki, su director de fotografía en Birdman y The Revenant, y juntos decidieron rodar en VistaVision, un formato de los años cincuenta que corre el negativo de 35 mm en horizontal para conseguir una imagen más grande. Es un formato que casi nadie usa, con pocas cámaras disponibles y todo lo que implica rodar en fílmico. Vista desde producción, esa elección no es un capricho, es una declaración de intenciones.

Lo interesante es para qué lo usan. Iñárritu quería no decirnos dónde mirar. El cine suele llevarnos de la mano. Un primer plano nos pide mirar una cara, un corte nos manda a otra cosa, un fondo desenfocado borra lo que no importa. En Digger, muchas veces podemos elegir. La cara cuenta, pero el espacio alrededor también. Hay planos que dan ganas de recorrer con los ojos, como un cuadro.

Imagen: Warner Bros. Pictures

Esta lista sigue. El diseño de producción es de Dennis Gassner (Oscar por Bugsy, y detrás de 1917 y Blade Runner 2049), el maquillaje protésico de Kazu Hiro, con dos Oscar encima, el montaje de Stephen Mirrione, que ganó por Traffic y es colaborador de siempre de Iñárritu, y el vestuario de Jacqueline West, varias veces nominada. Leer esos créditos es ver un equipo armado para jugar en primera, y se nota.

Cuando escribí al salir que la película era enorme, pensaba en su escala. Ahora creo que también hablaba de la cantidad/calidad de cine que hay en cada decisión. Nada parece puesto al azar. Ni siquiera el exceso.

Porque sí, Digger es excesiva. Hubo momentos en que sentí que Iñárritu llevaba una idea demasiado lejos, y otros en que la película ya había llegado a algún lugar y aun así quería ir más allá.

Pero con los días me pregunto si ahí no está parte de su personalidad. Vivimos un momento obsesionado con la duración, la velocidad, la atención, el algoritmo, con todo lo que evite que alguien suelte la pantalla, y de pronto aparece una película que parece decir lo contrario. Voy a ocupar espacio, voy a incomodarte, voy a ser absurda, voy a cambiar de tono cuando quiera y te voy a exigir que mires.

Imagen: Warner Bros. Pictures

Puede gustar más o menos, pero hay algo que agradezco profundamente, y es que alguien tomó decisiones arriesgadas.

Hay películas que terminan y uno sabe exactamente qué piensa de ellas, hay otras que siguen moviéndose después de que se encienden las luces. Digger, para mí, es de esas.

Sigo pensando en algunas de sus imágenes, en su humor raro, en ese elenco. Pero sobre todo sigo pensando en Tom Cruise. Fui esperando encontrarme con una gran estrella y me encontré con un actor. Uno que observa cómo se mueve el poder, cómo habla, cómo seduce y cómo se convence de su propia importancia. Un Tom Cruise que, después de tantos años viéndolo en pantalla, yo no sabía que existía. Iñárritu nos lo presenta.

Varios días después sigo pensando lo mismo que escribí al salir. Digger es enorme. Por momentos excesiva. Pero grandiosa.

Hay historias que se cuentan; otras se quedan.

Gracias por acompañarme en esta. (*_-)

Const

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Trailer oficial. Fuente: Warner Bros. Pictures

Digger

Género: Comedia negra, sátira, drama
Dirección: Alejandro G. Iñárritu
Guion: Alejandro G. Iñárritu, Alexander Dinelaris, Nicolás Giacobone y Sabina Berman; historia de Sabina Berman, Alejandro G. Iñárritu y Jez Butterworth
Producción: Alejandro G. Iñárritu, Mary Parent, Tom Cruise y Michael Sharp
Producción ejecutiva: Joshua Grode, Alexander Dinelaris, Nicolás Giacobone, Sabina Berman, Jez Butterworth y Emmanuel Lubezki
Fotografía: Emmanuel Lubezki
Montaje: Stephen Mirrione y Conor O’Neill
Diseño de producción: Dennis Gassner y Richard L. Johnson
Vestuario: Jacqueline West
Música: Cosmo Sheldrake
Maquillaje y peluquería: Alessandro Bertolazzi
Maquillaje protésico: Kazu Hiro
Casting: Francine Maisler
Elenco principal: Tom Cruise, Riz Ahmed, John Goodman, Sandra Hüller, Jesse Plemons, Michael Stuhlbarg, Emma D’Arcy y Sophie Wilde
Productora: Legendary Pictures
Distribución: Warner Bros. Pictures
Formato de rodaje: VistaVision

Imagen: IMDb

Tuve que esperar casi dos meses para ver The Odyssey como Christopher Nolan había decidido que debía verse: proyectada en película, en IMAX 70mm. Aunque el FOMO pudo conmigo y la vi antes en IMAX digital. No quería seguir leyendo sobre la película, viendo funciones agotadas y escuchando a todo el mundo hablar de ella mientras yo esperaba mi entrada para Fort Lauderdale.

Sabía, de todas formas, que esa primera función no iba a ser la última. Quería verla en fílmico, frente a una pantalla casi tres veces más grande que aquella donde la había visto originalmente, y comprobar cuánto podía cambiar la experiencia. Para eso sí tuve que esperar.

En toda Florida hay una sola sala que proyecta en IMAX 70mm y en el mundo son cerca de cuarenta, repartidas entre Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Australia, Bélgica, República Checa y Francia. De pronto, ir al cine dejó de ser simplemente escoger una película y un horario. Había que buscar una sala específica, entender un formato, conseguir una entrada con semanas de anticipación y, para muchos, incluso viajar.

Antes de hablar de la película, eso ya me parece extraordinario.

De The Odyssey se ha escrito demasiado. Se ha hablado de Homero, de los dioses, del vestuario, de los cascos, del casting, de las decisiones visuales, de lo que Nolan cambió, de lo que dejó fuera y de cuánto se parece o no su Odiseo al que cada quien había imaginado. Está bien. Incluso puede ser entretenido. Pero no es lo que me interesa.

Imagen: IMDb

Un artista no tiene la obligación de reproducir una obra anterior como si estuviera completando una lista de requisitos. Tiene que proponer una mirada. Nolan hace exactamente eso: toma una historia que existe desde hace casi tres mil años, la atraviesa con sus propias obsesiones y la convierte en algo suyo.

Quizás por eso tampoco me interesa hacer una crítica de The Odyssey. Cuando escribo sobre cine me interesa otra cosa: qué queda después, qué pensamiento aparece cuando termina, qué imagen sigue dando vueltas, qué deja una película en el cuerpo. Esta me dejó varias cosas.

La primera fue la sensación de estar viendo a un cineasta arriesgar de esta manera en nuestro tiempo. Después de Oppenheimer, Nolan podría jugar sobre seguro. En cambio, decide complicarse: filma una producción gigantesca en película, mueve un equipo alrededor del mundo, apuesta por una tecnología costosa y difícil, y logra algo que parecía cada vez más improbable: que al público vuelva a importarle cómo ve una película.

Ha convertido una decisión técnica en deseo. Personas que probablemente nunca habían pensado en la diferencia entre digital, láser, 70mm o IMAX 15/70 empezaron a buscar qué sala tenía determinado proyector. Eso me encanta, especialmente después de tantos años escuchando hablar de la crisis de las salas de cine.

Imagen: IMDb

Hubo algo más que se quedó conmigo: el regreso de Odiseo.

Quizás quienes hemos vivido lejos del lugar donde nacimos entendemos esa parte de la historia de una manera particular. No porque haya nada de épico en nuestras vidas, no hay cíclopes, sirenas ni dioses decidiendo nuestro destino, sino porque conocemos la distancia, esa extraña sensación de construir una vida en otro lugar mientras una parte de nosotros sigue perteneciendo al que dejamos atrás.

Ahí Odiseo empezó a interesarme más que todos los monstruos. Su viaje no consiste solamente en atravesar mares para llegar a Ítaca. Después de tantos años tiene que encontrarse con una casa que siguió existiendo sin él, con una mujer que tuvo que aprender a esperar, con un hijo que creció durante su ausencia. Ítaca sigue allí, pero el tiempo pasó para todos.

Tal vez por eso me gusta tanto que Nolan haya escogido precisamente esta historia para hacer una película de esta escala. Hay algo casi contradictorio en mirar tan atrás para hacer algo que se siente tan presente: tomar uno de los relatos más antiguos de nuestra cultura, filmarlo con una tecnología que muchos consideraban del pasado y convertirlo en un acontecimiento cinematográfico absolutamente contemporáneo.

Cuando finalmente me senté en la sala de Fort Lauderdale y vi correr una película de 70mm por un proyector, no pensé en nostalgia. Pensé en futuro. En que, con todas las formas que tenemos hoy de ver una película, estar frente a una pantalla enorme todavía puede sentirse como algo extraordinario. Que el cine sigue siendo una experiencia física, colectiva, por la que vale la pena salir de casa.

Quizás nunca dejamos de querer ir al cine, solo necesitamos una buena razón para volver.

Hay historias que se cuentan; otras se quedan.

Gracias por acompañarme en esta. (*_-)

Const

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Trailer oficial. Fuente: Universal Pictures

The Odyssey

Género: Épica, aventura, fantasía, drama
Dirección: Christopher Nolan
Guion: Christopher Nolan, basado en La Odisea de Homero
Producción: Christopher Nolan, Emma Thomas
Producción ejecutiva: Thomas Hayslip
Fotografía: Hoyte van Hoytema
Montaje: Jennifer Lame
Diseño de producción: Ruth De Jong
Vestuario: Ellen Mirojnick
Música: Ludwig Göransson
Sonido: Willie D. Burton (mezcla de sonido de producción)
Casting: John Papsidera
Elenco principal: Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Zendaya, Charlize Theron
Productora: Syncopy
Distribución: Universal Pictures

Imagen: IMDb

Hay películas que cambian delante de nuestros ojos.

Uno entra creyendo que sabe qué está viendo, reconoce ciertos códigos y se acomoda en ellos. De pronto, algo se desplaza. No necesariamente porque la película cambie de género de manera abrupta, sino porque cambia nuestra posición frente a ella.

Eso me pasó con The Drama, escrita y dirigida por Kristoffer Borgli y protagonizada por Zendaya y Robert Pattinson.

Comencé viendo lo que parecía una comedia romántica: una pareja enamorada, una boda cercana, dos personajes atractivos atravesando los rituales y las pequeñas tensiones que acompañan ese momento. Hay humor, complicidad, una cierta ligereza. Todo parece llevarnos por un camino conocido. Hasta que deja de hacerlo.

Imagen: IMDb

No voy a contar qué sucede. Creo que The Drama se disfruta mucho más llegando a ella con la menor información posible. Pero sí puedo decir que una revelación altera por completo la relación entre Emma y Charlie y nuestra propia relación con la película. Lo que parecía una historia sobre una pareja a punto de casarse empieza a convertirse en algo bastante más incómodo, una película sobre el juicio y sobre lo que creemos saber de la persona que amamos.

Después de salir del cine una pregunta me acompañó : ¿puede aquello que alguna vez pensamos definirnos tanto, o incluso más, que aquello que realmente hicimos?

Tal vez la pregunta sorprenda menos cuando uno revisa quién está detrás.

Imagen: IMDb

Kristoffer Borgli es un cineasta noruego que parece sentirse especialmente cómodo llevando a sus personajes (y a nosotros con ellos) a zonas moralmente difíciles. Antes de The Drama dirigió Sick of Myself, presentada en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes en 2022, una sátira feroz sobre el narcisismo y nuestra capacidad para construir una identidad frente a los demás. Después llegó Dream Scenario, con Nicolas Cage, donde reaparecía esa misma tensión entre quién creemos ser y quiénes deciden los otros que somos.

En The Drama esa incomodidad se vuelve más íntima porque ya no observamos desde afuera a un personaje extraño. Estamos dentro de una pareja y cuando el juicio entra en una relación amorosa, todo se complica de una manera diferente.

Una de las cosas que más me interesó descubrir después de ver la película fue que esa transformación que sentí como espectadora estaba cuidadosamente diseñada desde el principio.

Imagen: IMDb

Zendaya y Pattinson cuentan que existía una escena que para ellos definía el cambio de tono. No dicen demasiado sobre ella, pero sí mencionan algo que dice mucho sobre el tipo de película que es esta. La secuencia tenía alrededor de veinte páginas de diálogo y tardaron cuatro días en filmarla. Cuatro personas alrededor de una mesa. Nada espectacular en el sentido convencional. Sin embargo, allí descansa buena parte de la película.

El propio Borgli habla de The Drama como una película íntima, con pocas personas dentro de una habitación intentando entender algo. Para él, dedicar tiempo a los actores y a las interpretaciones era mucho más importante que correr detrás de una lista de planos.

El editor Joshua Raymond Lee lo describe con una imagen que me quedó: llega un momento en que el rostro se convierte prácticamente en una locación. La cámara se acerca, el mundo alrededor desaparece y todo lo que necesitamos leer está contenido en una expresión.

La elección de Zendaya y Pattinson tiene un peso industrial evidente, pero Borgli la usa de manera inteligente. Necesitamos querer mirar a esta pareja. Necesitamos creer en ellos antes de comenzar a dudar.

Imagen: IMDb

Zendaya habla de Emma desde la fragilidad, de una especie de niña que permanece dentro de la mujer adulta y que todavía necesita profundamente ser querida. Eso está en su actuación sin que el personaje tenga que explicarlo.

Pattinson recorre otro camino. Es Charlie quien tiene que procesar lo que descubre, quien quiere entenderlo y al mismo tiempo no puede aceptarlo. Allí Borgli es muy preciso: nosotros empezamos a mirar a Emma a través de Charlie. Su desconcierto se convierte en el nuestro. Su juicio amenaza con volverse también el nuestro.

Hay algo que Pattinson dice en una entrevista que me parece clave para leer la película. Nuestra moral personal no necesariamente es igual a nuestra moral colectiva. Lo que pensamos individualmente puede modificarse cuando entra en escena el grupo, cuando importa qué saben los demás, qué consideran aceptable y qué condenan. Aunque nos cueste admitirlo, nuestra brújula moral es bastante menos independiente de lo que queremos creer.

Imagen: IMDb

The Drama tuvo un presupuesto estimado de 28 millones de dólares y terminó superando los 130 millones de recaudación mundial. No es un dato menor. Estamos hablando de una película original, para adultos, que no pertenece a ninguna franquicia y que resulta difícil de definir sin revelar aquello que la hace interesante.

En una industria cada vez más dependiente de franquicias, secuelas e historias ya conocidas, A24 entendió que Zendaya y Pattinson podían abrir la puerta, pero Borgli tenía otra cosa preparada detrás de ella.

Salí pensando que no sé si The Drama tiene respuestas para todas las preguntas que plantea. Tampoco estoy segura de querer que las tenga. Me interesa mucho más que haya conseguido algo que no todas las películas logran: que después de terminarla siguiera discutiendo con ella.

Porque quizás una persona no sea solamente aquello que hizo. Pero tampoco podemos fingir que aquello que pensó nunca existió.

Entre esas dos certezas hay un territorio enorme, contradictorio y profundamente humano. Es justamente allí donde Kristoffer Borgli decide colocar la cámara.

Hay historias que se cuentan; otras se quedan.

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Trailer oficial. Fuente: A24

The Drama
Género: Comedia negra, drama, romance
Dirección: Kristoffer Borgli
Guion: Kristoffer Borgli
Producción: Ari Aster, Tyler Campellone, Lars Knudsen
Producción ejecutiva: Kristoffer Borgli, Chris Stinson, Amy Greene
Fotografía: Arseni Khachaturan
Montaje: Kristoffer Borgli, Joshua Raymond Lee
Dirección de arte: John O'Regan
Música: Daniel Pemberton
Sonido: Kevin S. Parker
Elenco principal: Zendaya, Robert Pattinson, Alana Haim, Mamoudou Athie, Hailey Gates
Productoras: A24, Square Peg, Dilemma Films, Live Free or Die Films
Distribución: A24

Imagen: IMDb

Hay películas que llegan en el momento exacto, aunque hablen de algo que ocurrió hace años. Belén, dirigida y protagonizada por Dolores Fonzi, es una de esas. No viene a cerrar una herida. Viene a recordarte que nunca terminó de cicatrizar.

La vi ahora, al final de marzo (mes de la mujer), y no se siente casual. Es ese momento del año en el que inevitablemente toca mirarse, hacer balance, preguntarse qué cambió y qué sigue igual. La respuesta, al menos mientras veía la película, no es particularmente cómoda.

Se rodó en San Miguel de Tucumán y eso se siente desde el primer plano. No como postal, sino como peso. En Argentina, estar lejos del centro también es una forma de vulnerabilidad. Tucumán no es fondo, es parte del problema. Fonzi no intenta disimularlo.

Imagen: IMDb

La historia es conocida, pero no pierde fuerza. En 2014, una joven de 25 años llegó a un hospital con dolores abdominales. No sabía que estaba embarazada. No sabía que había tenido un aborto espontáneo. El sistema sí sabía algo: que era pobre. Con eso alcanzó. La convirtieron en sospechosa, la acusaron de homicidio agravado y la condenaron a ocho años de prisión sin pruebas, sin ADN, sin defensa. Solo prejuicio. Solo castigo.

El libro Somos Belén, de Ana Correa, retomó el caso en 2019. De ahí nace la película. Fonzi coescribió el guion junto a Laura Paredes, Agustina San Martín y Nicolás Britos. Hay algo importante ahí. No es solo adaptación. Es una toma de posición.

Imagen: Prime Video

Como productora, no puedo evitar ver que Belén no es una producción grande, tampoco lo necesita. Costó poco para lo que terminó generando. Más de 7 millones de dólares en taquilla global, un Goya a Mejor Película Iberoamericana en 2026, paso por San Sebastián y premio para Camila Plaate. Más allá de los números, lo que me interesa es otra cosa: qué tipo de historias logran circular, y por qué. Esta lo hace porque es incómoda, urgente y está bien contada. No es tan común que esas tres cosas coincidan.

La estructura es fragmentada, por momentos caótica. He leído críticas que la ven como un problema. A mí me parece una decisión. La vida de alguien que enfrenta al Estado no es ordenada. Es una acumulación de audiencias, amenazas, madrugadas y silencios. La película no intenta organizar ese caos. Lo respeta.

Fonzi interpreta a Soledad Deza, la abogada que llevó el caso. Lo más interesante no es la épica, es el desgaste. La película se queda ahí, en lo que cuesta sostener una causa. En la culpa por no llegar al recital del hijo, en la pareja que se resiente, en el miedo que se mete en la casa sin pedir permiso. Hay algo muy reconocible en eso, esa tensión constante entre lo que se espera de una y lo que una sabe que tiene que hacer.

Imagen: Prime Video

Fonzi dijo que no quería hacer una película sobre un caso, sino sobre un sistema. Se siente. La violencia no aparece en forma de golpes. Aparece en gestos mínimos. Un médico que no mira. Un policía que esposa sin preguntar. Un juez que firma sin leer. Nada estalla, pero todo pesa. Cuando lo piensas un poco más, eso es justamente lo más inquietante.

El final, con imágenes reales de diciembre de 2020, cuando se legalizó el aborto en Argentina, no funciona como cierre. Funciona como recordatorio. Esta historia no es pasado, es proceso. Mientras ves esos pañuelos verdes, es difícil no emocionarse. Esa alegría colectiva también tiene algo de alivio tardío. Hace inevitable pensar en todas las que no llegaron a tiempo.

Belén no es una película perfecta. Tampoco lo intenta. Es una película necesaria. Cada vez me interesa más eso que la perfección.

Después de verla, lo que me quedó no fue la forma. Fue la incomodidad. Queda también una pregunta que no se va del todo: ¿cuántas Belén siguen existiendo en silencio?

Marzo termina, pero la conversación no.

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Trailer oficial. Fuente: Prime Video

Belén

Género: Drama

Dirección: Dolores Fonzi

Guion: Dolores Fonzi, Laura Paredes, Agustina San Martín, Nicolás Britos

Producción: Leticia Cristi, Matías Mosteirín, Hugo Sigman, Nicolas Pollastri

Producción ejecutiva: Rodrigo Cala, Diego Copello, Arturo del Río

Fotografía: Javier Juliá

Montaje: Andrés Pepe Estrada

Dirección de arte: Micaela Saiegh

Música: Marilina Bertoldi

Sonido: Leandro de Loredo

Elenco principal: Camila Pláate, Dolores Fonzi, Laura Paredes, Rita Cortese, Julieta Cardinali, Sergio Prina, Luis Machín, César Troncoso

Productora: K&S Films

Distribución: Amazon MGM Studios

Imagen: IMDb

Hay películas que nacen desde la comodidad de la industria y otras que nacen desde la urgencia. “Un simple accidente”, la última obra de Jafar Panahi y ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2025, pertenece a estas últimas: la del cine que se hace porque no queda otra, porque callar sería una forma de muerte. Su reconocimiento en uno de los festivales más influyentes del mundo no es solo un gesto artístico; es la confirmación de que, incluso en un panorama saturado de imágenes, todavía existen obras capaces de recordarnos por qué el cine importa.

Panahi filma con lo mínimo: una furgoneta, pocos de actores, una carretera interrumpida por un accidente. Sin embargo, desde esa austeridad construye una fábula feroz sobre la venganza, la culpa y la fragilidad moral en sociedades sometidas. Lo que asombra no es solo la eficacia narrativa, sino la claridad ética. La película avanza con la precisión de un mecanismo inevitable, como si cada decisión revelara una capa más profunda de un sistema que aplasta y condiciona.

Imagen: IMDb

Ese sistema no es exclusivo de Irán. La injusticia tiene un eco que viaja. Hay países donde la tortura es un método de gobierno, donde la libertad se negocia como si fuera un privilegio, en el cual la vida cotidiana se convierte en un campo minado. Aunque “Un simple accidente” no habla de Venezuela, es imposible no sentir la resonancia. El cine, cuando es verdadero, siempre dialoga con nuestras propias heridas, incluso cuando ya no vivimos en el lugar donde se originaron.

Panahi domina un tono que muy pocos cineastas logran: un realismo casi documental atravesado por momentos de humor absurdo, ese humor que aparece cuando la realidad es tan opresiva que solamente queda reír para no quebrarse. La película es un dramón de intriga, sí, pero también un retrato social donde cada gesto revela una estructura de poder. Panahi no denuncia, expone. No sermonea, observa. No grita, filma. En esa elección está su fuerza.

Imagen: IMDb

Su trayectoria lo confirma. Ha sido encarcelado, censurado, con prohibición para filmar, de viajar. Ha estado en huelga de hambre. Su coguionista también estuvo preso, se conocieron en la cárcel y allí comenzaron a pensar en este proyecto. Rodó esta película como se ruedan tantas en Irán: sin permisos, en la clandestinidad, bajo riesgo constante. La postproducción se hizo en Francia para evitar la intromisión del Estado. Precisamente por eso la película respira libertad, una libertad conquistada plano a plano.

Que “Un simple accidente” haya sido celebrada en Cannes y que Panahi se haya convertido con este premio en el único cineasta reconocido en los cuatro grandes festivales del mundo (Cannes, Berlín, Venecia y Locarno) no es un dato de carrera; es un gesto político. Es la confirmación de que el cine de resistencia no solo sobrevive, se impone, se abre paso, se vuelve indispensable.

Imagen: IMDb

El final de la película, abierto y desconcertante, es coherente con su mirada. Panahi no ofrece respuestas; ofrece preguntas, y nos obliga a completar la historia desde nuestra propia ética. ¿Qué haríamos nosotros? ¿Qué se debería haber hecho? ¿Qué significa elegir cuando todas las opciones son terribles? Esa es la pregunta que queda suspendida cuando la pantalla se oscurece.

Una frase sencilla, pero que contiene la esencia de su cine: la defensa radical de la libertad individual frente a cualquier forma de imposición. No es solo un mensaje para Irán. Es un mensaje para todos los lugares donde la libertad sigue siendo un territorio en disputa.

“Un simple accidente” no es solamente una película que esta en la ruta hacia el Oscar. Es un recordatorio de que el cine puede ser un acto de resistencia y a veces, un acto de supervivencia. Para quienes venimos de países donde la injusticia se ha vuelto paisaje, su impacto es doble, nos muestra lo que ocurre allá, pero también nos devuelve la imagen de lo que hemos vivido.

Imagen: IMDb

Hay historias que se cuentan; otras se quedan.

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Trailer oficial. Fuente: Mubi

Un simple accidente

Género: Thriller, Drama, Comedia negra

Dirección: Jafar Panahi

Producción: Philippe Martin, Jafar Panahi, David Thion

Coproducción: Sandrine Dumas, Christel Henon, Oliver Pére

Guion: Jafar Panahi, Nader Saeivar, Shadmehr Rastin, Mehdi Mahmoudian

Fotografía: Amin Jafari

Montaje: Amir Etminan

Reparto principal: Vahid Mobasseri, Mariam Afshari, Ebrahim Azizi, Hadis Pakbaten, Majid Panahi, Mohamad Ali Elyasmehr, Delmaz Najafi, Afssaneh Najmabadi, George Hashemzadeh

Países: Irán, Francia, Luxemburgo

Idioma: Persa

Productoras: Les Films Pelléas, Bidibul Productions, Pio & Co

Distribución: Memento Distribution, Neón, Mubi

Imagen: IMDb

Hay películas que no solo cuentan una historia, te hacen mirar de frente aquello que un país ha preferido mantener en sombra. El Agente Secreto es una de esas obras que te arrastran a un territorio donde la memoria, la violencia y la ficción se entrelazan con una precisión inquietante. La dictadura brasileña sigue siendo un territorio incómodo, lleno de zonas grises, heridas abiertas y una ley del olvido que, más que cerrar un capítulo, dejó a un país sin herramientas para procesar su propia memoria. No es solo cine, es un recordatorio.

Al verla lo primero que me atrapó fue la forma en que Kleber Mendonça Filho reconstruye ese Brasil de mediados de los setenta. No lo hace desde la nostalgia ni desde la reconstrucción museística, sino desde una vitalidad que amenaza: un país luminoso, colorido, casi festivo, que convive con una violencia estructural que nunca deja de latir. Esa contradicción, esa belleza que se mezcla con la brutalidad, es uno de los grandes aciertos de la película. La dictadura no aparece como un dato histórico, sino como un sistema vivo que respira en cada encuadre. No es una película de espías, sino de una serie de personajes que se mueven en la clandestinidad con identidades falsas, con dos caras, como el curioso gato de doña Sebastiana.

Imagen: IMDb

Mendonça elige contar la política sin panfleto. La división entre ricos y pobres, el poder económico devorando lo público, la corrupción, la manipulación de la información, la persecución… todo está ahí, pero nunca subrayado. Es cine político que confía en la inteligencia del espectador, algo que hoy se siente casi como un acto de resistencia.

Entre esa crudeza histórica aparece algo inesperado: un homenaje íntimo al cine de los años setenta. Tiburón, La Profecía, el thriller setentoso, el nuevo cine americano. No como referencias decorativas, sino como parte de la memoria emocional del director. La película respira esa época en su textura, en su montaje, en su forma de construir tensión sin estridencias. Es un diálogo entre el cine político latinoamericano y el imaginario popular global.

Imagen: IMDb

La Dirección de Fotografía de Evgenia Alexandrova tiene esa cualidad que me encanta: no intenta imitar los setenta, los revive. Filmada con una Alexa 35 y lentes Panavision Serie B (óptica original de la época), la combinación le da a la imagen una textura viva, casi táctil. La luz, los flares, las pequeñas imperfecciones… todo contribuye a que el Brasil de la película se sienta respirado, no reconstruido. Esa naturalidad visual dialoga muy bien con el casting, que es una de las grandes fortalezas de El Agente Secreto. No solo está Wagner Moura, sosteniendo la película con una interpretación hecha de respiraciones contenidas. Su Marcelo o Armando, es un hombre quebrado, pero no vencido. En su mirada conviven la esperanza, el miedo y una tristeza que nunca se vuelve melodrama. Es un personaje que exige paciencia, atención, entrega. La película también. El resto de los actores parecen elegidos con una precisión quirúrgica. Hay una verdad en los cuerpos, en los acentos, los personajes no parezcan interpretados, sino encontrados. Pura autenticidad.

Imagen: IMDb

La banda sonora acompaña esa mezcla con una sensibilidad preciosa. Entre música brasileña de época y temas internacionales como Donna Summer, la película construye un paisaje sonoro que no solo marca un tiempo, sino un estado emocional. Es una selección que abre capas, que ilumina contradicciones, que te recuerda que incluso en los momentos más oscuros siempre hay algo que late, que insiste, que no se deja borrar.

También aparece un guiño al imaginario popular de los setenta: la pierna cabeluda, esa leyenda urbana absurda y terrorífica que corría sola por Recife. Mendonça la incluye casi de reojo, como un pequeño fantasma cultural que se cuela entre la dictadura y la memoria. Es un detalle mínimo, pero dice mucho sobre cómo Brasil mezcla miedo, humor y supervivencia incluso en sus años más oscuros.

Agente Secreto tuvo su estreno mundial en la Competencia Oficial del Festival de Cannes, el escenario más prestigioso del cine mundial. Allí recibió una ovación prolongada y premios decisivos: Mejor Actor para Moura, Mejor Director para Mendonça y el FIPRESCI de la crítica internacional. Cannes no solo legítima: instala una conversación global y esta película la merece.

Imagen: IMDb

La obra mezcla géneros, tonos y capas para construir una experiencia intensa, a veces desconcertante, siempre estimulante. Hay política, folklore, humor, horror, memoria. Hay un país tratando de entenderse a sí mismo. Esa mezcla, lejos de dispersar, potencia el corazón de la película: recordarnos que el cine puede ser un espacio para pensar lo que duele, para mirar lo que incomoda, para recuperar lo que un país intenta borrar.

Esta fue la última aparición de Udo Kier, quien interpreta a Hans. Rodó su escena en un solo día, fiel a su regla personal: aceptar papeles pequeños solo si dejaban una marca. También encontré un detalle: algunos carteles dentro de la película están escritos en Arial, una tipografía creada años después de los hechos narrados (en los 80’s). Un error mínimo, casi un guiño involuntario, me recuerda que incluso en las producciones más cuidadas, la perfección absoluta es un mito.

El presupuesto cerca de los 4,7 millones de dólares y la película terminó recaudando más de 6,5 millones a nivel mundial. No es cine de cifras: es cine de impacto. Aun así, su recorrido internacional está siendo contundente: cuatro nominaciones al Oscar, más de cincuenta premios y más de cien nominaciones. No por complaciente, sino por valiente.

Imagen: IMDb

Salí de El Agente Secreto con la sensación de haber visto una película que no busca respuestas fáciles, sino preguntas necesarias. Una obra que entiende que filmar los tiempos oscuros es, también, un acto de memoria.

Imagen:IMDb

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Trailer oficial. Fuente: Mubi

El Agente Secreto

Género: Drama de época, thriller político

Dirección: Kleber Mendonça Filho
Guion: Kleber Mendonça Filho

Producción: Émilie Lesclaux, Kleber Mendonça Filho
Productores Ejecutivos: Dora Amorim, Brent Travers
Coproductores: Olivier Barbier, Sol Bondy, Erik Glijnis, Fionnuala Jamison, Eliseo Karmitz, Nathanaël Karmitz, Olivier Padre, Leontine Petit, Wagner Moura

Dirección de Fotografía: Evgenia Alexandrova

Diseñador de Producción: Tales Junqueira

Editores: Matheus Farias, Eduardo Serrano

Diseñadora de Vestuario: Rita Azevedo

Maquilladora Jefe: Marisa Amenta

Diseñador de Sonido: Tiempo Hazen
Mezcla de Regrabación: Cyril Holtz
Mezcladores de Sonido: Moabe Filho, Pedrinho Moreira, Julián Pascual

Música | Compositores: Mateus Alves, Tomás Alves Souza

Director de Casting: Gabriel Domingues

Casting: Wagner Moura, Alice Carvalho, Gabriel Leone, Maria Fernanda Candido, Isabel Zuaa, Udo Kier

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País: Brasil, Francia, Países bajos, Alemania

Productoras: CinemaScópio Produções, Producciones MK, UNO DOS Películas, Lemming Film, Arte France Cinéma (coproducción), MK2 Films (en colaboración), Ad Vitam (en colaboración), Primo Content (en colaboración), Rotor Film (en colaboración), Netflix

Fuente: IMDb

La semana pasada volví a ver Tangerine en la pantalla de Coral Gables Art Cinema, un espacio que aún conserva la mística del cine de autor. No fue solo volver a ver la película, fue volver a sentirla. Con sus colores saturados, su ritmo callejero, esa energía cruda y dulce que parece salir directamente del corazón de Los Ángeles.

Muchos la mencionan como pionera porque fue filmada con tres iPhones 5S. Sí, eso importa, especialmente en una época donde algunos dicen que “cualquiera puede filmar con un celular”, mientras seguimos esperando que aparezcan más películas realmente buenas filmadas así. Tangerine lo logró. Filmada en 2015, con un presupuesto de apenas 100 mil dólares y una recaudación cercana a 900 mil dólares a nivel mundial, probó que el cine independiente puede ser urgente, vital y visualmente potente sin tener que demostrar nada.

Fuente: IMDb

Lo técnico no es lo más radical. Para mí, lo verdaderamente transgresor es la forma en que Sean Baker nos invita a mirar sin prejuicios. Su cámara —sin pretensión estética— se acerca a escenarios usualmente estereotipados en el cine: prostitutas transgénero de color, la calle como espacio de supervivencia, tensiones de poder y deseo entre quienes apenas están sosteniéndose en pie. Y no cae en solemnidades o miserabilismos: Baker hace lo que pocos se atreven, nos muestra sus vidas con humor, ternura y humanidad.

Casi todas las escenas conmovedoras nacen de una historia de celos y lealtad entre dos amigas, Cindy y Alexandra. Una conversación casual —una revelación sobre una infidelidad— enciende la trama y nos arrastra detrás de Cindy, decidida a encontrar a su rival. En medio de ese caos callejero, sabemos que ambas son prostitutas, transgénero, mujeres de color, que el hombre en cuestión es su padrote, y que hay otra mujer blanca que entra en la ecuación. Pero Baker no nos deja clavarnos ahí. Nos obliga a pasar la página rápido, y lo que importa es la búsqueda frenética, la amistad, los celos, la vulnerabilidad compartida.

Fuente: IMDb

Esa vulnerabilidad no está construida desde la lástima. Alexandra quiere presentarse esa noche en un bar, reparte flyers, sueña con que alguien la vea. Cindy camina y grita con furia, con humor, con dolor. Las vemos y las seguimos, sin sentirnos mejores, sin sentirnos superiores. Tangerine evita el lugar cómodo del espectador que juzga desde la butaca. Nos hace parte.

Ni Cindy ni Alexandra eran actrices profesionales. Sean Baker las conoció en las calles de L.A. Fueron ellas quienes pidieron que la película tuviera comedia, que no fuera un retrato oscuro y triste. No querían lástima. Querían reírse —con nosotras, no de nosotras. Esa es la verdadera victoria de esta película: hacer que el cine callejero tenga alma, ritmo y compasión sin paternalismo.

Fuente: IMDb

Tangerine enseña algo tanto para el público como para los creadores: 📍 La herramienta no define la obra. La mirada sí. 🎯 La técnica puede ayudar, sin embargo, el alma está en el enfoque. 🔥 Los personajes que el cine suele dejar al margen pueden ser retratados con humor, ternura y humanidad —como lo hace Sean Baker, ganador del Óscar y la Palma de Oro en Cannes por Anora. Él sabe cómo hacernos empatizar con quienes otros etiquetan como “perdedores”. De eso se trata: de mirar sin altivez, con curiosidad y empatía.

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Tráiler oficial. Fuente Magnolia Pictures

Cómo se rodó Tangerine. Fuente Angus Davies

Tangerine

Género: Comedia dramática

Subgénero: Cine navideño, cine de temática transgénero y cine LGBT

Dirección: Sean Baker

Guion: Sean S. Baker, Chris Bergoch

Producción: Sean S. Baker, Karrie Cox, Marcus Cox, Darren Dean, Shih-Ching Tsou

Coproducción: Chris Bergoch, Radium Cheung, Kevin Chinoy, Francesca Silvestri

Producción Ejecutiva: Jay Duplass, Mark Duplass

Producción asociada: Karren Karagulian

Ayudante de dirección: Julie Cummings

Fotografía: Sean S. Baker, Radium Cheung

Montaje: Sean S. Baker

Vestuario: Shih-Ching Tsou

Protagonistas: Kitana Kiki Rodriguez, Mya Taylor, Karren Karagulian, Mickey O'Hagan, James Ransone

País: Estados Unidos

Productoras: Duplass Brothers Productions, Through Films

Distribución: Magnolia Pictures

Transmisión: Prime Video

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Fuente: IMDb

Acabo de ver Green Border, dirigida por Agnieszka Holland. No salí ilesa. Ni como espectadora, ni como productora, ni como ser humano.

Filmada en un blanco y negro crudo —que hiere—, esta película polaca no necesita gritar para estremecernos. Nos mete sin anestesia en los bosques fríos entre Polonia y Bielorrusia, donde migrar no es escapar, sino caer en una trampa. Donde una frontera no separa países, sino niveles de humanidad.

Fuente: Fotograma de Green Border, dirigida por Agnieszka Holland.

Green Border fue filmada en 24 días exactos, en locaciones reales, justo donde sucedieron los hechos. La región de Podlasie, al noreste de Polonia, con sus espesos bosques, no necesitó escenografía: ya era escenario de una tragedia real.

Tres unidades de cámara trabajaron en paralelo para capturar el vértigo y el caos. En el elenco: actores profesionales y refugiados reales, integrados con una gran precisión emocional.

Agnieszka Holland —directora de culto, a sus 76 años tres veces nominada al Oscar, responsable de películas como Europa Europa, In Darkness y capítulos inolvidables de The Wire— afirmó que cada escena está basada en testimonios, grabaciones y hechos verificados.

Nada fue inventado. Todo ocurrió. Lo más devastador: todo sigue ocurriendo… esto es lo que hace que Green Border duela tanto.

Fuente: Fotograma de Green Border, dirigida por Agnieszka Holland.

La película ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia 2023 y ha sido aclamada en Berlín, Toronto, Telluride, Londres y Nueva York. Medios como The New York Times, Variety y TIME la eligieron como una de las mejores películas del año.

Más allá del aplauso internacional, lo que Green Border logra es otra cosa: convierte el cine en una forma de resistencia. Holland elige no embellecer. No suavizar. Su blanco y negro no es un recurso estético: es una denuncia visual, directa, sin adornos.

Fuente: Fotograma de Green Border, dirigida por Agnieszka Holland.

Como productora de cine, valoro la estructura coral de la narrativa. Una familia siria, un joven guardia fronterizo, un grupo de activistas, una terapeuta… Cada uno con su propio conflicto moral. Cada uno con una frontera interior por cruzar. Cada decisión tiene un precio. Nadie —absolutamente nadie— sale libre de daño.

Yo, al final, me pregunté:
¿Cuánto más podemos mirar sin actuar?

No pude evitar pensar en nosotros, los venezolanos. En el éxodo de más de 7 millones de personas. En las fronteras de Colombia, Brasil, Chile, México, EE. UU. En la selva del Darién. En el desierto. En los que caminan. En los que se pierden. En los que aún esperan. Coordenadas distintas, misma herida.

Green Border no habla solo de Europa. Habla del mundo entero. De nosotros. De ahora. Es una película sobre la crisis migratoria, sí. Pero también sobre resistencia, ética, memoria y compasión en medio del horror.

Fuente: Fotograma de Green Border, dirigida por Agnieszka Holland.

¿Vale la pena verla? Sí. ¿Es incómoda? Mucho. ¿Es urgente? Más que nunca.

Gracias, Agnieszka Holland, por recordarnos que el cine no siempre es evasión. A veces, también es confrontación.

Hay historias que se cuentan; otras se quedan.

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Trailer oficial. Fuente Kino Lorber

Making Of. Fuente ATM Virtual

Green Border

Género: Drama

Subgénero: Drama político

Dirección: Agnieszka Holland Guion: Maciej Pisuk, Gabriela Lazarkiewicz-Sieczko, Agnieszka Holland Directores colaboradores: Kamila Tarabura, Katarzyna Warzecha
Producción: Fred Bernstein, Agnieszka Holland, Marcin Wierzchoslawski

Productor ejecutivo: Mike Downey

Co-productores: Maria Blicharska-Lacroix, Damien McDonald, Šárka Cimbalová, Diana Elbaum, David Ragonig, Beata Ryczkowska, Malgorzata Seck, Dominika Kulczyk

Fotografía: Tomasz Naumiuk, PSC
Montaje: Pavel Hrdlicka
Música original: Frédéric Vercheval
Diseño de producción: Katarzyna Jedrzejczyk
Diseño de vestuario: Katarzyna Lewinska
Diseño de maquillaje y peluquería: Aneta Brzozowska
Sonido: Roman Dymny
Casting: Paulina Krajnik P.C.DG.

Reparto principal: Jalal Altawil, Maja Ostaszewska, Behi Djanati Ataï, Tomasz Włosok, Mohamad Al Rashi, Dalia Naous

Productora: Metro Films, en asociación con Astute Films

Coproducción: Blick Productions, Marlene Film Production, Beluga Tree, CANAL+ Poland, dFlights, Mazovia Warsaw Film Fund, Česká Televize

Streaming: Prime Video

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Vi esta película por primera vez en diciembre, en un cine en Tenerife. La sala no estaba llena y la copia proyectada era de baja calidad, de esas que hacen dudar si quedarse o no. Sin embargo, algo en la pantalla me retuvo. A pesar de todo, se sentía poderosa, honesta.

La volví a ver hace poco, volando rumbo a Madrid. Ya conocía la historia, pero ahí, entre las nubes y el insomnio de un vuelo largo, entendí algo más: no va del flamenco. Va de decir lo que no se ha dicho nunca. Va de sanar tocando.

El flamenco puede ser cultura, técnica, compás, escuela… pero también memoria, herida, historia personal. No es un documental musical, es un acto de memoria afectiva. Una familia hablando de lo que calló durante demasiado tiempo.

Fuente: IG Yerai Córtes

Detrás del proyecto está el talentoso músico Antón Álvarez, más conocido como C. Tangana, que debuta aquí como director. Todo comenzó casi por casualidad: una noche, en una fiesta, escuchó a Yerai Cortés tocar la guitarra. Le impresionó su virtuosismo y la intensidad emocional en cada nota. A partir de ahí empezaron a hablar. Antón entendió que Yerai llevaba tiempo cargando con algo que necesitaba contar. No era una historia musical, sino personal y urgente. Lo que surgía no era solo un proyecto: era una forma de liberar lo que dolía. Una historia de vida.

El resultado fue una película ganadora del Premio Goya a Mejor Documental. Un reconocimiento más que justo para una obra que no se conforma con documentar, sino que se adentra en lo emocional, lo biográfico, lo íntimo.

El rodaje tomó tres años. No fue lineal ni cómodo. Hubo pausas, dudas de continuar, cartas para no herir. Porque lo que estaba en juego no era una narrativa ajena, sino la intimidad de una familia: Yerai, su madre, su padre y Tania, su pareja, cuya voz conmovedora atraviesa toda la película e interpreta Los Almendros, canción original también galardonada con un Goya.

Fuente: Fotograma de La guitarra flamenca de Yerai Cortés, dirigida por Antón Álvarez (C. Tangana).

Filmada entre Madrid y Alicante, la atmósfera acompaña el proceso emocional de quienes protagonizan esta historia. Lo que vemos no busca deslumbrar, sino mostrar. No hay impostación, solo una cámara paciente que sabe cuándo quedarse en silencio. Antón quiso lograr una experiencia más inmersiva en el documental, colocando micrófonos directamente en la cámara para capturar el sonido de manera real y auténtica, como si el espectador estuviera allí mismo.

Lo que más me impactó no fue lo técnico, que es sólido, ni siquiera lo musical, que es brillante, sino la exposición emocional que decidieron asumir. Ver a un hijo pedir, frente a cámara, una nueva forma de vincularse con su padre; a una madre enfrentarse a su reflejo a través de los ojos de su hijo; o a alguien decirle a su pareja: “ya no eres mi prioridad”… no es fácil de decir. Mucho menos, de sostener.

Yerai podría haber sido escritor o cineasta, eligió la guitarra. Narra con cuerdas lo que durante años no pudo decir con palabras. Eso se siente, no porque se subraye, sino porque no se fuerza. Lo que duele, duele en silencio. Cuando se dice, alivia.

Fuente: Fotograma de La guitarra flamenca de Yerai Cortés, dirigida por Antón Álvarez (C. Tangana).

Además del documental, Yerai lanzó un disco que funciona como espejo narrativo: las canciones dialogan con la película, retoman escenas, añaden contexto emocional. Escuchar ese álbum después de verla es como quedarse a charlar con la historia un rato más.

Como productora, me conmueve cuando el cine decide no protegerse detrás de fórmulas. Cuando se lanza a lo incómodo, a lo real. Cuando se cuenta con respeto, con una mirada honesta. Esta película lo logra. Hay verdad, vértigo y, sobre todo, una búsqueda que no intenta lucirse sino sanar.

La guitarra flamenca de Yerai Cortés, me recordó por qué hago lo que hago. Creo que el cine puede transformar no solo a quien lo mira, sino también a quien lo hace. Me importa que existan películas dispuestas a entrar en los silencios, en los secretos, en las heridas. En el flamenco, esa mezcla de lamento y fuego, de historia y presente reside el poder de decir incluso lo que no se puede poner en palabras.

Fuente: Fotograma de La guitarra flamenca de Yerai Cortés, dirigida por Antón Álvarez (C. Tangana).

No sé si será una película para todos. Lo que sí sé es que lo que muestra, lo muestra sin esconderse. Lo que duele, lo dice para luego transformarlo.

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Trailer oficial. Fuente: A Contracorriente Films

Los Almendros. Fuente: La Tania

La guitarra flamenca de Yerai Cortés

Género: Documental

Director: Antón Álvarez (C. Tangana)

Productores: Cris Trenas, Antón Álvarez, Santos Bacana

Productoras Ejecutivas: Cris Trenas, Chabela Utrera

Director de Producción: Jorge Dévora

Directorres de Fotografía: Uri Barcelona, Nauzet Gaspar, Àlvar Riu Dolz, Diego Trenas, Arnau Valls Colomer

Montaje: Cristóbal Fernández, Marcos Flórez

Post Producción: Gusa Alonso-Pimentel

Diseño de Sonido: Antón Álvarez, Yerai Cortés, Harto Rodríguez, Gabriel Gutiérrez

Música: Yerai Cortés

Productora: Little Spain

Distribuidora: A Contracorriente Films

Agencia de ventas: Latido Films

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Diseño: Hartland Villa Design Graphique

No he visto "Un homme et une femme” La Palma de Oro en Cannes en 1966. Sin embargo, cuando vi este afiche de Cannes 2025, me quedé mirando como si ya conociera esa historia. Hay imágenes que no necesitan explicación: te agarran, te envuelven. Esta, por ejemplo, una mujer abrazada, el viento volándole el pelo, parece que te estuviera diciendo algo sin hablar.

Este año, el Festival de Cannes decidió no separar a quienes se aman. Así tal cual lo escribieron.

Por primera vez en su historia, presentaron dos afiches oficiales, uno para ella, otro para él.

Diseño: Hartland Villa Design Graphique

“Un homme, une femme, deux affiches” una frase sencilla, casi musical, que en el fondo dice muchísimo. Porque sí, esa escena entre Anouk Aimée y Jean-Louis Trintignant, bajo la cámara de Claude Lelouch, quedó tatuada en la historia del cine y este año, volvió a hacerse presente.

¿Qué tiene que ver todo esto con nosotros, ahora? Todo.

Porque un festival no empieza con la alfombra roja. Empieza antes: con la promesa.

El afiche de Cannes siempre ha sido eso. Una señal. Un gesto visual que nos dice: ya viene.

Este año, con esa imagen tan cargada de amor, nostalgia y cine francés vintage, el festival nos recuerda que la memoria también puede ser una forma de futuro.

Desde mi lugar como productora, también lo pienso así: cada decisión visual es parte del relato.

¿Quién eligió esta imagen? ¿Quién decidió no separarlos? ¿Quién pensó que esta vez, el amor iba en doble afiche?

Detrás de cada pieza de comunicación hay sensibilidad, mirada, equipo. Y eso me emociona más que muchos trailers.

Cannes no solo premia películas. También produce narrativa. Construye símbolos. Teje emociones. Si un abrazo puede seguir siendo relevante casi 60 años después, es porque todavía necesitamos creer en lo que nos conmueve.

Me gusta pensar que los afiches no son solo diseño, son declaraciones de amor al cine.

El de Cannes 2025 me hizo pensar que, incluso sin haber visto la película, ya estoy emocionada.

Disfruta el website de sus realizadores Hartland Villa el estudio de creación visual dirigido por Lionel Avignon y Stefan de Vivies, con base en París y Bruselas.

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Imagen: A24

🌊 Acabo de ver Parthenope, la última película de Paolo Sorrentino, no estaba lista para lo que iba a sentir. Sabía que venía de Cannes 2024 con una ovación de pie de nueve minutos, pero también con críticas muy contrastantes. Que costó más de 26 millones de euros y que, hasta ahora, ha recaudado poco más de 11 millones de dólares en el mundo. Que fue filmada entre Nápoles y Capri. Pero nada de eso me preparó para lo que realmente me removió: el poder de la libertad, sus excesos… y la lucha íntima por sostener una identidad propia cuando el mundo insiste en definirla por ti.

Como productora, suelo mirar el cine desde lo narrativo, sí, pero también desde lo humano que ocurre detrás de cámara. Y hay un dato que no puedo soltar: durante el rodaje, el cuerpo de Luca Canfora, diseñador de vestuario y colaborador habitual de Sorrentino (La gran belleza, El joven papa) fue encontrado sin vida en una gruta en Capri. Aún hoy no se sabe si fue un accidente, un suicidio, o algo más. La película está dedicada a él. Como bien sabemos los que trabajamos en producción, no hay golpe más fuerte para un equipo que perder a alguien en pleno proceso creativo. Mientras se contaba una historia sobre la vida… la muerte apareció sin previo aviso. Así de crudo es el cine. Así de real.

Parthenope no es un simple drama. Es un poema visual sobre una joven napolitana atrapada en la prisión de su propia belleza. Digo "prisión" porque lo que el mundo celebra como un don, la protagonista lo vive como un peso. Interpretada por Celeste Dalla Porta, en su primer papel protagónico, la joven se debate entre lo que los demás esperan de ella y lo que realmente desea ser. Una lucha silenciosa, densa y profundamente femenina.

Imagen: A24

Sorrentino necesitaba a una actriz que pudiera interpretar a una chica de 18 años y también a una mujer de 35. Celeste lo logró. Con naturalidad, con presencia, con contradicción. Desde el punto de vista de producción, esa elección de casting es una apuesta que salió bien: es ella quien le da autenticidad al relato.

Si hablamos de belleza, no puedo dejar de mencionar la fotografía de Daria D’Antonio (La mano de Dios). Lo que hace con Nápoles y Capri va más allá del plano bonito: es atmósfera emocional, narrativa visual. En algunos momentos parece una campaña de perfume de lujo, casi como si la estética tuviera el mismo peso que el guion. Tal vez, no sea casualidad que la casa Yves Saint Laurent este vincula a la producción: se siente.

Gary Oldman también aparece. En un rol melancólico, casi filosófico. Un escritor mayor que se va desarmando frente a la vitalidad cruda de Parthenope. Su presencia equilibra el relato, le da una pausa reflexiva, una sombra madura.

Imagen: A24

El nombre de la película no es casual. Parthenope fue una sirena mitológica que dio origen al nombre de Nápoles. Se arrojó al mar tras un amor no correspondido. Tragedia, belleza y mito. Tres palabras que también describen a la protagonista. Tres palabras que también describen a la ciudad.

En Cannes, Parthenope recibió aplausos... y controversia. Como todo buen cine. Algunos críticos la acusan de estética vacía. Yo vi otra cosa. Vi una obra que desafía sus propios clichés, que usa la ironía para acercarse al misterio de estar vivos, que mira la juventud desde la vejez, que habla de la belleza sin romantizarla, que cuestiona y que se incomoda a sí misma.

Me quedo con esta frase de Sorrentino, que dijo en una entrevista:

“La nostalgia ya no me pertenece. Con el paso del tiempo, comencé a mirar más al futuro que al pasado.”

Quizás Parthenope sea eso: la despedida de una forma de hacer cine y el inicio de otra para él. Una obra que no busca explicarlo todo, pero sí sentirlo todo. Un viaje que no es perfecto, pero sí honesto. Eso, para mí, vale mucho… Sorrentino siempre vale la pena.

Imagen: A24

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Trailer oficial: Fuente A24

Making of 1: Fuente PiperFilm

Making of 2: Fuente Piperfilm

Parthenope

Género: Drama, Fantasía

Subgénero: Coming of age drama

País: Italia y Francia

Dirección: Paolo Sorrentino

Guion: Umberto Contarello, Paolo Sorrentino

Casting: Celeste Dalla Porta, Stefania Sandrelli, Gary Oldman, Dario Aita, Silvio Orlando, Luisa Ranieri, Peppe Lanzetta

Producción: Lorenzo Mieli, Ardavan Safaee, Paolo Sorrentino, Anthony Vaccarello

Dirección de Fotografía: Daria D’Antonio

Diseño de Producción: Carmine Guarino

Montaje: Cristiano Travaglioli

Música original: Lele Marchitelli

Producción: The Apartment Pictures de Fremantle, Pathé, Saint Laurent Production, Numero 10 y Logical Content Ventures

Distribución: A24 (Norteamérica)

Streaming: Prime Video

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Imagen: Paramount Pictures

🎬 La Producción detrás del ídolo: Estilización y narrativa
Better Man se filmó gran parte en Australia y en UK, con Michael Gracey en la dirección (sí, el mismo de The Greatest Showman). La elección ya dice mucho: no se buscó un enfoque documental ni realista, sino uno más estilizado, coreografiado, que se mueve entre lo onírico y lo emocional.

Uno de los grandes retos fue cómo contar una historia conocida sin caer en lo predecible. Ahí la producción juega con varias capas narrativas: flashbacks, conciertos estilizados, escenas íntimas... todo con una estética muy cuidada, donde cada elemento está al servicio del personaje.

Como productora, no puedo dejar de destacar esto: la escena de baile con 500 extras en Regent Street (icónica calle de Londres) tomó un año y medio de permisología, porque es propiedad de la Corona británica. Cuando por fin llegó el día del rodaje (tras semanas de ensayos) falleció la Reina Isabel II. El rodaje se pospuso cinco meses. Todo el equipo, tiendas y extras tuvieron que ser pagados igual, el seguro no cubría la muerte de una monarca. Resultado: los productores tuvieron que recaudar fondos extra para poder retomar el plan de rodaje. ¿Lo ves en pantalla? Quizás no. ¿Pero está ahí? Sí. Cada paso, cada frame, cada decisión, tiene detrás una montaña de esfuerzo que a veces sólo desde la producción se notan. Eso me encanta.

Imagen: Paramount Pictures

⚡️El mono en la habitación: una decisión audaz

Una de las elecciones más sorprendentes de Better Man fue no limitarse a un solo actor para interpretar a Robbie - aunque Jonno Davies encabeza el elenco -. En lugar de contar su historia de forma convencional, la película mezcla performance y memoria, como si nos invitara a habitar la mente del propio Robbie. Es un ejercicio de confianza profunda entre el equipo creativo y el artista. No es fácil ceder el control sobre tu propia historia. Ahí es donde la película se vuelve realmente fascinante.

En una conversación con el director Michael Gracey, Robbie recibió una pregunta inusual:
¿Cuál es tu animal espiritual?
En busca diaria de autoestima, como él mismo confiesa, Robbie respondió:
Un león.

Gracey lo miró en silencio.
No. Eres un mono.

La idea era radical: todos los personajes serían humanos… excepto Robbie, que sería representado como un mono generado digitalmente. Lo que sonaba a locura terminó siendo una genialidad.

Este simio no es una broma visual: es la encarnación de cómo Robbie se ha sentido toda su vida. Diferente. Desencajado. Un bicho raro. En guerra constante consigo mismo. Es una metáfora visual poderosa que aleja el biopic del camino literal y nos lanza directo a lo emocional, sin filtros.

Esto fue responsabilidad de Weta FX, la compañía neozelandesa fundada por Peter Jackson, responsable de El planeta de los simios y Avatar, entre otros proyectos.

Imagen: Paramount Pictures

🧠 Más allá de la música: un mensaje profundo

Porque sí, Better Man tiene momentos de música, coreografías increíbles y nostalgia noventera. Pero en su esencia es una historia sobre salud mental, sobre luchar contra esa voz destructiva en la cabeza que te repite que no vales nada y Robbie la tiene. La película te lo muestra con una sinceridad que no se ve todos los días en el cine. Así deberíamos vivir todos: con el objetivo de no convertirnos en esa voz destructiva en nuestra propia cabeza.

Better Man habla también del perdón. No el perdón a los padres o a los demás. El perdón a uno mismo.

Lo confieso, lloré en la escena final. Porque entre tanta locura visual y decisiones arriesgadas, esta película logra algo que pocos biopics consiguen: se siente honesta. No busca culpables de sus actos (lo típico en los biopics: la culpa siempre es del padre, de un mánager, del amigo que lo perjudicó, luego el protagonista sale limpio). Aquí no. Aquí hay responsabilidad y eso se agradece.

Hay historias que se cuentan; otras se quedan.
Gracias por acompañarme en esta. (ˆ_-)

Const

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Trailer oficial. Fuente Paramount Pictures

Making Of. Fuente Paramount Pictures

Better Man

Género: Biográfico

Subgéneros: Drama psicológico, musical, docudrama (ficcionado), fantasía estilizada

Director: Michael Gracey

Casting: Robbie Williams, Jonno Davies, Steve Pemberton, Alison Steadman y Alison Telford

Guion: Simon Gleeson, Oliver Cole y Michael Gracey

Productores: Paul Currie, Coco Xiaolu Ma, Craig McMahon y Jules Daly

Coproductores: Patrick Correll, Jackie Fletcher y Mario Biancacci

Dirección de fotografía: Erik Wilson

Diseño de producción: Joel Chang

Montaje: Jeff Groth, Spencer Susser, Martin Connor, Lee Smith y Patrick Correll

Coreografía: Ashley Wallen

Música original: Batu Sener

Efectos visuales: Weta FX

Productoras: Sina Studios, Facing East Entertainment, Rocket Science, Lost Bandits, Footloose

Productoras asociadas: Azure Centrum, RPW Productions, Partizan Films, Viscreen

Streaming: Prime Video

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Imagen: Netflix

🎬 Una historia contada en plano secuencia

Como productora audiovisual disfruto enormemente cuando me encuentro con un proyecto donde la forma y el fondo se fusionen tan bien. Adolescencia fue filmada completamente en planos secuencia, es decir, sin cortes. Este enfoque no es un truco visual, sino una elección narrativa que intensifica cada escena, haciéndola más real, más cruda y emocionalmente cercana.

📍 Rodaje sin cortes: el gran reto técnico

Cada episodio fue grabado de principio a fin como si se tratara de una obra de teatro. Por ejemplo, el primer episodio se logró en la segunda toma, mientras que el segundo necesitó 13 intentos y más de 370 extras. El tercero, donde vemos una intensa conversación entre Jamie y la psicóloga, encontró su forma definitiva en la toma número once. El cuarto episodio, con el clímax emocional de la familia Miller, quedó finalmente en la toma número 16. El uso del plano secuencia exigió meses de ensayos, precisión coreográfica y un diseño de producción milimétrico.

🚁 Tecnología al servicio de la emoción

Uno de los momentos más comentados es el plano final del episodio 2, grabado con un dron. Para evitar que la toma pareciera un videojuego, se acopló una cámara que dio una textura más etérea y demostró cómo la tecnología puede integrarse de forma orgánica con la narrativa.

Imagen: Netflix

🎥 Estudios Pontefract: un set vivo y en tiempo real

La serie se filmó principalmente en los estudios de Pontefract (West Yorkshire), donde se construyeron los sets principales como la comisaría y la sala de interrogatorios. Esta cercanía entre escenarios reales y ficticios permitió mover la cámara en tiempo real y mantener la continuidad del plano secuencia.

🧠 Narrativa con propósito: identidad y adolescencia

Más allá de la técnica, Adolescencia aborda temas esenciales como la identidad, la salud mental, la presión social y el ecosistema digital que enfrentan los adolescentes hoy. Es una obra que conecta tanto con jóvenes como con adultos, y que está generando debates en escuelas, hogares y redes sociales.

💡 Una experiencia que inspira

Este proyecto nos recuerda que la producción audiovisual puede y debe ir más allá del entretenimiento. Adolescencia es una obra que desafía, conmueve y provoca. Como productora, me inspira profundamente las historias valientes que combinen forma y contenido de manera magistral.

¿Ya viste Adolescencia? Me encantaría leer tus impresiones.

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Const

Making Of, detalles por episodio. Fuente Netflix

Trailer oficial. Fuente Netflix

Adolescencia

Género: Drama

Subgénero: Drama psicológico

Creadores & Escritores: Stephen Graham & Jack Thorne

Director: Philip Barantini

Casting: Stephen Graham, Owen Cooper, Ashley Walters, Erin Doherty, Faye Marsay, Christine Tremarco, Mark Stanley, Jo Hartley, Amélie Pease.

País de origen: Reino Unido

Temporada 1: 4 Episodios

Productores ejecutivos: Mark Herbert, Emily Feller, Stephen Graham, Hannah Walters, Jack Thorne, Philip Barantini, Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Nina Wolarsky

Productor: Jo Johnson

Productoras: It's All Made Up Productions, Matriarch Productions, Plan B Entertainment, Warp Films.

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La reciente proyección de Mi Tía Gilma en el Cosford Cinema de la Universidad de Miami fue un reencuentro lleno de emociones, una celebración del poder del cine y un recordatorio de cómo, a través de él, conectamos culturas y tiempos. Como su coproductora, este evento tuvo un significado especial para mí, ya que me permitió reencontrarme con la película y con su talentosa directora, mi querida amiga Alexandra Henao. No fue solo una función más, sino un momento para celebrar todo lo que hemos construido junto a Mi Tía Gilma.

Un viaje lleno de aprendizajes y reconocimientos.

El recorrido de Mi Tía Gilma ha sido largo y enriquecedor. Desde que iniciamos este proyecto, sabíamos que tenía algo especial, pero verlo crecer y ser reconocido en festivales internacionales ha sido increíble.

Alexandra y yo nos vimos por última vez en persona en 2022, cuando llevamos la película al Marché du Film en Cannes. Presentarla junto al gran Beto Benites, nuestro productor, fue una de esas experiencias inolvidables que nos recuerdan por qué hacemos cine.

Desde sus primeras selecciones en festivales como Ventana Sur en Argentina (2019) y WIP Málaga (2020) , hasta premios en festivales de Alemania, Chile, India, Uruguay, Curazao, Países Bajos, México y Venezuela, Mi Tía Gilma ha logrado conectarse con públicos diversos. Cada reconocimiento reafirma la importancia de contar historias que reflejan nuestra realidad. Su éxito es también un testimonio de la dedicación y el talento de todos los involucrados.

El poder del cine para conectarse con el público.

Uno de los momentos más especiales de la última proyección fue la sesión de preguntas y respuestas con el público. Escuchar a personas de Venezuela, Colombia y Cuba compartir cómo la película los tocó fue un recordatorio del impacto que puede tener el cine.

Historias como Mi Tía Gilma nos permiten visibilizar realidades como la violencia de género, la soledad, la inmigración y la crisis humana, resaltando al mismo tiempo el poder perdurable de la conexión entre las personas. Son temas que no podemos ignorar y que, a través del cine, podemos abordar desde la empatía y la reflexión.

Gratitud y nuevos proyectos en el horizonte.

Gracias a Cinema Venezuela por hacer posible esta proyección y por su dedicación al cine venezolano. Poder compartir nuestro trabajo y abrir conversaciones es algo muy valioso. Esta semana Mi Tía Gilma llega a Charlotte y luego cruza el océano rumbo a dos ciudades en Europa. ¡El viaje continúa!

Este reencuentro con Alexandra también nos permitió reafirmar algo: queremos seguir creando juntas. Ya estamos trabajando en un nuevo proyecto que, al igual que Mi Tía Gilma , busca contar historias con significado y profundidad.

El cine es más que entretenimiento; es un puente entre culturas y una ventana a nuestras emociones más profundas. Si te apasiona el cine tanto como a mí, te invito a seguirme en este camino. Estoy comenzando a escribir para compartir mi experiencia como productora audiovisual, hablar sobre proyectos que me inspiran y, sobre todo, conectar con personas que creen en el poder del cine para transformar realidades.

Trailer Mi Tía Gilma

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Const

Mi Tía Gilma

País de origen: Venezuela, Perú, Brasil

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Duración: 82 min
Idioma original: Español
Escrita y dirigida por: Alexandra Henao
Producida por: Beto Benites
Coproducida por: Constanza Profeta, Silvia Godinho
Directora de fotografía: Alexandra Henao
Dirección de arte: Alejandro Bellame
Edición: Marité Ugás
Diseño de sonido: Gustavo Gonzáles
Compositor musical: Nascuy Linares
Elenco principal: Maryale Benites (ISABEL)
Diana Peñalver (GILMA)
Luis Domingo González (RAFAEL)
Carolina Torres (ROSA)

Empresas Productoras:
+58 PRODUCCIONES (Perú)
CROMAUNO AUDIOVISUALES (Venezuela)
SODA PRODUCCIONES (Venezuela)
OFICINA DE CRIAÇAO (Brasil)
MARACATU FILMS (Brasil)

Producción asociada:
WHISKY FILMS, SUDACA FILMS, DAVID & JOSEPH, INGENIO POST

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