50 ! Cinquante (longues) newsletters, déjà un peu plus de quatre ans et toujours présent, mois après mois, pour vous dévoiler de nouvelles petites curiosités en films, séries, jeux vidéos et BDs en tout genre, tout en ajoutant quelques divagations personnelles dans cet édito justement.

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Un édito qui brasse souvent les nouvelles culturelles qui font bouillonner l’actualité mais qui ne sont généralement pas synonymes de bonnes nouvelles. J’aurais aimé vous annoncer des emplois sauvés, une bulle de l’IA qui éclate (allez, peut-être ?) ou la victoire de la scène indépendante face aux gros mastodontes mais le climat actuel n’est pas propice pour tout ceci. A contrario, on a l’impression que les repères que l’on avait du jeu vidéo ou du cinéma, ces studios historiques qui ont petit à petit construit notre culture, s’effondrent les uns après les autres, tous absorbés par quelques personnes désireuses de se saisir de la moindre image que vous aimez pour vous la facturer au maximum pour s’en mettre plein les poches. Electronic Arts racheté par le fond d’investissement saoudien et le gendre de Trump ? On s’attendait à des saignées, c’est désormais chose faite: les licenciements pleuvent, et le mythique studio Bioware, qui était déjà un peu l’ombre de lui-même, s’apprête à mettre la clé sous la porte, avec un titre Mass Effect purement et simplement annulé.

Warner racheté par Skydance ? Oui, malgré un procès pour mettre en doute les conditions de ce rachat réglé, notez bien les parenthèses, “““à l’amiable”””, le rachat de Warner sera bien effectif, et Warner se retrouve donc complètement absorbé par Skydance, devenant un simple label, comme peut l’être la 20th Century Fox par Disney qui n’affiche plus qu’un 20th Century Studios ou Searchlight Pictures pour enlever tout mention de la Fox. Le patron de Skydance, David Ellison, est lui aussi un riche magnat qui entretient des relations étroites avec - oh vous ne le devinerez jamais - Donald Trump. Toujours et encore les mêmes qui récupèrent tout, tout le temps.

Ce n’est pas anodin que la France traverse une période aussi compliquée que celle-ci, que les manifestations fassent autant de bruit et attirent autant de monde en ce moment. La scission entre les classes sociales est de plus en plus présente. Il est difficile de rester de marbre devant ce conglomérat d’éditorialistes sur les chaînes d’informations commentant autour de leur petit plateau des événements aussi graves avec une telle déconnexion de ce qu’est la réalité aujourd’hui, avec un travail journalistique qui a complètement disparu. Alors que les commerçants subissent des pillages provoqués par des années de répressions et de raz-le-bol, on pleure devant des poubelles brûlées, on diffuse des images de manifs en Albanie sans voir l’erreur pour montrer la “violence” de celle de Paris (oupsi, on s’était trompé) ou on soutient le gouvernement quand il dit qu’un parti politique est responsable des violences même si c’est de la manipulation.

La jeunesse a lancé le mouvement devant des conditions déplorables, jusqu’en Outre-mer, et ce raz-le-bol devant un gouvernement qui a tout fait pour enrichir les plus riches avant de dire à toutes les structures sociales, l’éducation, les hôpitaux, festivals culturels que “déso, on n’a plus d’argent et la dette, vous comprenez”. Une destruction totale et insidieuse de tout ce que le pays a mis en place pour protéger les plus précaires et permettre à tout le monde d’accéder à l’éducation, à la santé et plus encore. La conséquence ultime de dix ans de macronisme, où le gouvernement n’a pas arrêté d’ignorer la population, les gilets jaunes, les fameux cahiers de doléances, les élections législatives et j’en passe. La surprise n’est plus que pour ceux qui sont les instigateurs de ce chaos. Et je ne parle même pas de la police qui n’a jamais autant utilisé leur matraque et les grenades qu’en ce moment (que ce soit contre les street medics, des manifestants pacifiques mineurs, parfois blessés voire même des enfants), sauf pour les fachos de l’extrême droite dont l’accointance avec les forces de l’ordre est déjà documentée.

Mais qu’est-ce que la politique vient faire dans cette newsletter dédiée à la culture ? Pas mal de choses en fait. Au-delà de l’importance de se faire entendre, la culture a toujours eu une force politique évidence. Chaque oeuvre, chaque choix fait dans vos films, séries, jeux vidéos est un choix politique, conscient ou non, pour amener certaines thématiques et valeurs et qui font que l’on consomme ces fictions. Les gens derrière ces oeuvres sont des gens avec des convictions, et les choix scénaristiques sont le plus souvent faits avec les mêmes convictions que leurs créateurs.rices. Ce n’est pas pour rien que l’on voit le drapeau de One Piece flotter régulièrement au milieu des manifestations: au-delà de la popularité de l’oeuvre, c’est aussi une histoire qui parle très clairement d’une bande de pirates qui se rebellent contre un gouvernement totalitaire abusant du révisionnisme, de désinformation et de muselage de tout ceux qui remettent en doute leur autorité.

Et même les cosplays de Dragon Ball ou les pancartes qui mentionnent certains jeux vidéos sont aussi là pour montrer une jeunesse consommant de la culture mais impliquée. Car la majorité de la culture porte sur des oeuvres prônant des valeurs sensiblement proches de celles défendues dans les manifestations. On est tous à plus ou moins grande échelles affectées par ces oeuvres culturelles, et même si l’Histoire a maintes et maintes fois prouvés qu’il n’y a pas besoin de One Piece pour descendre dans la rue et montrer son mécontentement, les oeuvres culturelles restent nourries par ces valeurs. D’où l’importance de la culture et de profiter du large panel auquel on a accès, aussi bien dans les films, les séries, les jeux vidéos, la musique ou la lecture. Ces 50 newsletters mensuelles sont là pour nourrir tout ça, et il est évidemment pas question de s’arrêter en si bon chemin.

[#série] - Cent ans de Solitude

Sacré morceau que cette adaptation du roman de Gabriel García Márquez par Netflix. Peut-être que le nom ne vous dit rien, mais Cent Ans de Solitude peut se targuer de figurer dans les 100 meilleurs livres de tous les temps, avec à la clé un prix Nobel de littérature pour l’auteur en 1982. Paru en 1967, ce roman narre l’histoire d’une famille colombienne sur une période d’un siècle. Le pitch pourra paraître convenu, mais Gabriel García Márquez a marqué les esprits par son approche d’un courant que l’on appelle le réalisme magique, qui transforme la réalité à l’aide d’allégories tangibles pour représenter un imaginaire aux portes du réalisme. Nous ne sommes pas dans le fantastique pur mais dans une sorte de vue de l’esprit de la part des personnages qui sont témoins d’événements extraordinaires dans un contexte ordinaire, sans remettre la réalité en question.

Cent Ans de Solitude raconte l’histoire de la famille Buendía à la fin du XIXème siècle sur plusieurs générations, couvrant donc un siècle entier, dans le village fictif de Macondo. Tout commence par un couple de personnages, José Arcadio Buendía et Ursula Iguaran, qui se marient non sans crainte de part la proximité de leur famille respectives puisqu’ils sont cousins. On leur prédit même que leur descendance pourra avoir une queue de cochon. Faisant fi de cette prédiction, ils fuient leur village avec un petit groupe, traversent la jungle colombienne avant de trouver un endroit où installer leur petite communauté. Petit à petit, les maisons deviennent un village, et Macondo naît, en même temps que leurs trois enfants, sans queue de cochon apparente. Commence alors l’histoire de leur famille et de cette communauté, et quelque part, leur malédiction, à travers plusieurs décennies, où ce village isolé va peu à peu s’ouvrir au reste du monde, que ce soit à travers les découvertes technologiques, aux révolutions politiques, qui vont améliorer toute la vie du village mais aussi mener à sa perte.

En seize épisodes, les créateur.rice.s Laura Mora Ortega et Álex García López ont tenté le pari qui semblait impossible d’adapter ce roman fleuve, avec l’ambition d’être à la hauteur de ce monument littéraire. Si certains choix sont faits pour rendre l’histoire plus accessible, notamment celui de rendre la narration linéaire alors que le roman faisait continuellement des va-et-vients dans les différentes époques, il faut reconnaître que Cent Ans de Solitude parvient à trouver le souffle épique d’une grande fresque familiale, sans tomber dans un soap plombant. Que ce soit la voix du narrateur qui porte le récit avec une réelle justesse, donnant à cette histoire des allures de légendes que l’on se raconte au coin du feu, ou tout le casting de la famille Buendía que l’on voit naître, grandir et mourir, la série arrive à donner vie à cette histoire hors-norme sans faiblir et porter à l’écran les thématiques chères de l’oeuvre originale. Un récit rempli de tragédie, qui convoque l’importance de la religion et de la foi dans la vie de cette famille, autant sur l’apport bénéfique que sur le chaos que cela peut engendrer. Mais c’est avant tout cette solitude qui ronge les membres Buendía: malgré les couples qui se forment illégitimement, malgré l’amour qui irradie quelques personnages, certains se retrouvent enfermés dans cette solitude alors que d’autres luttent contre ce naturel qui impacte la vie de cette famille.

L’autre personnage important, lui aussi impacté par cette solitude, c’est le village de Macondo. Au fil de ce siècle, le village grandit, se modernise, change radicalement au rythme d’une population qui suit les tendances politiques qui arrivent jusqu’à elle. Macondo devient tout autant une victime que ses habitants, d’abord coupé du monde puis en proie aux divergences politiques du pays et enfin au capitalisme grandissant qui viendra corrompre ceux qui seront restés. Les événements deviennent peu à peu de simples histoires difficiles à croire, comme si l’extraordinaire ne sert qu’à camoufler des tragédies. Le tout début de la série ne laisse aucune place à l’espoir, et la deuxième moitié de Cent Ans de Solitude ne lésine pas pour faire comprendre que l’ouverture au monde va venir broyer cet havre de paix. Lorsque les derniers épisodes arrivent, Macondo n’est plus qu’un théâtre qui veut retrouver inlassablement ce souffle révolutionnaire et cette envie de créer un endroit d’amour et de paix. La maison Buendía, véritable carrefour autour duquel gravite tout ce petit microcosme, évolue au fil des épisodes. Magnifique bâtisse avec ce grand arbre au milieu, il devient le reflet de ce récit de plus en plus sombre, qui happe le spectateur avec force.

On pourra trouver difficile les débuts de Cent Ans de Solitude, non pas par des longueurs ou de quelconques défauts, mais plutôt par la durée nécessaire pour s’immerger dans une narration exigeante: il faut prendre le temps d’embrasser ce récit et ses personnages avec des enjeux intimistes et une volonté de ne pas dévoiler toutes ses cartes comme le font la plupart des séries. Mais une fois que l’on s’attache aux Buendía, on apprécie chaque épisode comme un conte, avec ses symboliques fortes, ses événements extraordinaires qui parsèment la série et ses générations qui s’enquillent sous nos yeux, et toujours le maigre espoir comme la doyenne Ursula que ce nouveau-né sera celui ou celle qui rompra cette malédiction. Il faudra aussi saluer l’impeccable production value de Cent Ans de Solitude, qui aura reconstruit le village de Macondo pour donner vie à cette grande fresque et une mise en scène vraiment inspirée qui participe à cette magie discrète que l’on ressent au visionnage. Cent Ans de Solitude ne sera probablement jamais dans les tops Netflix, mais si vous cherchez une pépite cachée dans les tréfonds du catalogue, terminée qui plus est, n’hésitez plus.

Cent Ans de Solitude / Créée par Laura Mora Ortega et Álex García López / Avec Claudio Catano, Diego Vàsquez, Marleyda Soto, Vina Machado / Deux saisons (16 épisodes - terminée) / Disponible sur Netflix

[#bd] - Rivages Lointains

Lorsque l’on navigue dans les pages de la bande dessinée Rivages Lointains, on a l’impression d’avoir affaire à une classique histoire de rise and fall dans le milieu de la mafia italienne des années 30 - ce qui est en partie vrai. Pourtant, au travers de ses deux personnages principaux, Rivages Lointains et sa suite/spin-off Adam réservent quelques surprises de la part de son autrice, Anaïs Flogny. Passionnée de bande dessinée, l’autrice tentera d’abord un conservatoire de musique et un bac scientifique avant de s’orienter vers des études en illustration et travaillera pour plusieurs maisons d’édition comme Syros ou 3rd Total Publishing. Après quelques tentatives collaboratives comme Fables Urbains en 2019, elle se lance dans sa première bande dessinée avec Rivages Lointains qui sort en 2024 et récidive avec sa suite Adam en 2026.

Rivages Lointains conte l’histoire de Jules, à Chicago en 1938. Jules est un jeune livreur italien qui rêve de grandeur. Un jour, lors d’une livraison dans un magasin, il croise la route d’Adam Czar, un des patrons de la pègre du coin qui lui propose de venir travailler avec lui. Il intègre alors la mafia italienne, débutant également une relation amoureuse avec celui qui l’a embauché, Adam Czar lui-même. Les deux hommes en profitent pour parler d’ambition et commencent à profiter de leur relation privilégiér pour grimper petit à petit dans l’échelle criminelle. Tandis qu’Adam a des idées pour s’enrichir toujours plus, Jules se lie d’amitié avec un de ses camarades, Eufrasio, une grande gueule mais qui rêve de liberté et de vie simple, à l’opposé de ce que propose Adam de son côté.

Ceux qui sont habitués à ce genre de récit comme Les Affranchis ou Le Parrain ne seront pas dépaysés par l’intrigue générale. Mais ce qui fait le charme de Rivages Lointains, c’est sa manière d’appréhender ses personnages, et de confronter leur intimité avec leur ambition. Pour autant, si leur relation homosexuelle n’est pas bien vu dans le contexte de l’époque, ce n’est pas là où le récit s’attarde. Flogny dresse le portrait de deux personnages qui se retrouvent embarqués par l’euphorie du danger et de l’argent facile mais qui n’ont pas du tout les mêmes convictions, malgré ce qu’ils pensent au départ, et c’est là-dessus qu’on prend plaisir à la lecture. Prenant, Rivages Lointains l’est assurément, par une belle maîtrise du découpage et du rythme, et des dessins légers et soutenus, mais aussi un vrai boulot artistique sur les costumes et le contexte historique.

C’est encore plus vrai avec sa suite, Adam, sorti cette année, où Anaïs Flogny montre qu’en l’espace de deux ans, elle a encore gagné en maturité et en maîtrise. A tout point de vue, Rivages Lointains - Adam est encore meilleur graphiquement, parvenant à gérer de très belles ambiances de couleur tout en distillant un vrai boulot sur les apparats des protagonistes, garantissant une belle crédibilité. Mais c’est aussi dans l’intrigue que ce deuxième tome sort également du lot.

Cette fois-ci, l’accent est mis sur Adam Czar, l’autre personnage du premier volume, amoureux de Jules, qui n’avait pas pu être développé comme l’autrice le souhaitait. Dans ce tome 2, on le suit à travers deux époques: d’abord dans les années 20, afin de montrer son arrivée en Amérique et sa montée en puissance dans la pègre, puis après les événements du tome 1, où il se retrouve confronté à une affaire à Vegas. Si l’histoire peut se lire indépendamment du premier, il est quand même conseillé d’avoir lu le premier tome tant les deux bandes dessinées sont complémentaires et apportent chacun leur pierre à l’édifice. Rivages Lointains - Adam arrive à clôturer ce dyptique de la plus belle des manières, avec bien plus de nuances sur ses personnages. Difficile de dire si une suite est prévue puisqu’il est possible de venir gratter la surface d’un autre personnage croisé au détour d’une case, mais ces deux volumes de Rivages Lointains sont déjà de grande qualité et on espère une belle carrière à Anaïs Flogny.

Rivages Lointains & Rivages Lointains - Adam / Anaïs Flogny / Dargaud / 250 pages environ / 20 euros

[#film] - Naza

En 2024 sort No Other Land, un film palestino-norvégien issu d’un collectif de quatre miliants aussi bien israéliens que palestiniens: Basel Adra, Hamdan Ballal, Yuval Abraham et Rachel Szor. Le documentaire prend place dans le conflit israelo-palestinien en se concentrant sur l’occupation israélienne en Cisjordanie et des destructions de propriétés palestiniennes par Israël. L’attaque du Hamas de 2023 a intensifié les tensions entre Israël et Gaza et le film tombe à pic pour parler d’une situation déjà complexe entre les deux pays. Le film aura le droit à sa petite renommée en remportant l’Oscar du meilleur film documentaire. Alors que le film connait une distribution compliquée suite à un appel à la censure par le ministre de la culture israélien, certains membres de l’équipe sont menacés de morts, agressés, et un figurant a même été tué. Le film démontre à quel point la liberté d’expression reste fragile quant il s’agit de documenter un conflit sur lequel la scène internationale ferme les yeux depuis trop longtemps. Quelques années plus tard, deux membres israéliens de ce collectif, Yuval Abraham et Rachel Szor, reprennent la caméra pour Naza, un film documentaire co-produit par le quotidien britannique The Guardian, qui affirme avoir vérifié les sources et les personnes interviewés dans ce documentaire pour enlever toute trace de doute et légitimer les propos enregistrés.

Naza prend donc place sur les toits de Tel-Aviv, où Yuval Abraham et Rachel Szor ont interrogé 24 officiers et membres du renseignement militaire israélien, sous couvert d’anonymats grâce à des visages filmés dans l’obscurité et une modification de leur voix pour pas qu’on puisse les reconnaître. Via des questions posées par Yuval Abraham, les personne décrivent alors les méthodes employés par l’armée israélienne pour réaliser les frappes sur Gaza en réponse à l’attentat du 7 octobre et les procédures utilisées pour déterminer si oui ou non la frappe sera lancée. On y parle de l’utilisation d’intelligence artificielle pour savoir si une cible repérée fait partie du Hamas, du programme Homeland qui permet de surveiller les téléphones et des moyens pour vérifier la localisation des suspects via les messages de leurs proches. On y découvre alors l’horrible signification du terme NAZA: un acronyme comme unité de mesure servant à déterminer le nombre de victimes collatérales potentielles si la frappe est approuvée. On comprend alors qu’un quota maximum est acceptable si la cible est bien identifiée comme faisant partie du Hamas, avec une marge d’erreur significative de 15% sur les informations que peuvent donner ces procédures. Peu à peu, le documentaire révèle les détails les plus glaçants d’une opération militaire de grande envergure qui privilégie l’anéantissement des membres du Hamas au détriment des victimes civiles que cela peut provoquer.

Et le film continue ces interviews en allant plus loin dans l’historique du conflit tel que l’on connaît: les pseudo-évacuations de la population gazaouie, forçant bon nombre de civils à fuir leurs régions. L’armée israélienne ne se prive pas pour démolir des bâtiments même s’il reste des habitants à l’intérieur. On a également des témoignages des fameux ravitaillements en nourriture par l’armée israélienne aux conditions déplorables. On découvre des militaires qui n’ose rien dire, qui se détachent peu à peu de l’horrible réalité et de comment, peu à peu, les victimes ne deviennent que des informations ou des symboles sur leurs écrans. Le documentaire ne montre jamais ou presque d’images des ruines mais laisse les interviewés dessiner des petits schémas pour expliquer le processus. Un procédé qui transforme le massacre d’une population en des dessins faits sur un bout de papier.

On comprend pourquoi Jonathan Glazer qui a réalisé La Zone d’intérêt a co-produit le film quand on voit le dispositif utilisé: au beau milieu de la nuit pour privilégier la discrétion, le film ne capte que des silhouettes discrètes de ces conversations, entrecoupées de scènes de la vie quotidienne des immeubles environnants. Des israéliens vivant leur vie, alors qu’à 60 kilomètres de là, des innocents sont tués sous les bombes tous les jours. Le film préfère ne pas sombrer dans le jugement facile, préférant anonymiser ces habitants, mais il prend le temps de filmer ces moments anodins pour mieux contraster avec les témoignages terrifiants de militaires qui ont presque l’air de conscientiser ce qu’ils ont fait au moment d’en parler. Naza devient un document précieux, une source importante pour parler de ce conflit qui détruit littéralement un pays depuis plusieurs années sans que les puissances du monde ne fassent quoi que ce soit. Naza agit comme un électro-choc, un coup de poing qui reste en tête après la fin du film. Un documentaire qui devrait être montré à un maximum de gens.

Naza / Realisé par Yuval Abraham & Rachel Szor / Sortie limitée: 12 et 13 octobre, disponible gratuitement fin novembre sur le site The Guardian

Les films gratos du mois

Ce mois-ci: mois d’octobre rime avec Halloween, et les chaînes l’ont bien compris en proposant une belle petite sélection, avec entre autres le récent et chouette Vermines et ses horribles araignées, mais aussi trois films d’horreur japonais parmi les plus cultes: Dark Water, Ring et Kaïro. Pour les enfants, Shaun le mouton et là, et le reste de la sélection sera tout aussi éclectique.

La prunelle de mes yeux (Axelle Ropert - 2016)
Compétition officielle (Mariano Cohn & Gaston Duprat - 2021)
Family Business (Sydney Lumet - 1989)
The Host (Bong Joon-Ho - 2006)
Dark Water (Hideo Nakata - 2002)
Ring (Hideo Nakata - 1998)
Kaïro (Kiyoshi Kurosawa - 2001)
Vermines (Sébastien Vanicek - 2023)
Le couperet (Costantin Costa-Gavras - 2005)
The Usual Suspects (Bryan Singer - 1995)
Bâtiment 5 (Ladj Ly - 2023)
Shaun le mouton (Mark Burton & Richard Starzak - 2015)
Shaun le mouton: La ferme contre-attaque (Richard Phelan & Will Becher - 2019)
Nebraska (Alexander Payne - 2013)
Gaza mon amour (Arab & Tarzan Nasser - 2020)
Miséricorde (Alain Guiraudie - 2024)
Docteur Strange in the Multivers of Madness (Sam Raimi - 2022)
Les Bad Guys (Pierre Perifel - 2021)

Playlist du mois

Ce mois-ci, des grosses licences font honneur côté jeux vidéos, déjà avec Star Wars Galactic Racer dont le compositeur arrive à rappeler des mélodies de la grande saga de science-fiction, et Gears of War E-Day tente d’amener de l’émotion dans cette licence de gros bras musclé parce que les sentiments, c’est important, même quand on tire avec un fusil tronçonneuse. The Blood of Dawnwalker rappellera également quelques souvenirs à ceux qui ont aimé la musique de The Witcher 3.

Côté ciné/séries, The Social Reckoning signe le retour d’Alexandre Desplat qui compose une BO efficace mais parfois à côté de son sujet, tandis que Michael Giacchino part sur Klara and the Sun, un film sorti dans l’anonymat le plus complet.

La playlist 2026 est disponible sur une seule playlist Youtube, pour plus de simplicité, et sera mise à jour au fur et à mesure. La version Spotify est toujours disponible.

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Playlist Youtube accessible en cliquant sur l’image

Misc

Encore une belle petite vidéo de Calmos qui revient sur C’est arrivé près de chez vous pour aller se demander s’il était possible de rire de tout, notamment en ce qui concerne l’humour noir

Si le titre de la vidéo vous interpelle, sachez qu’elle dure plus d’une heure et que le boulot de production est impressionnant pour une vidéo sur le caca - évidemment que ce n’est pas un sujet si simple

Retour sur le nouveau film Street Fighter par EcranLarge, qui peut au moins se féliciter d’être mieux que la première adaptation

Tahar Rahim partage sa passion cinéphile dans le video club de Konbini

Pour la sortie du nouveau Call of Duty, Toujours Thomas s’intéresse à la saga et plus spécifiquement au tronçon Modern Warfare anciens et nouveaux, et c’est toujours super intéressant

Documentaire Arte qui revient sur la carrière de Lino Ventura, et comme d’habitude, c’est passionnant

Saviez-vous qu’il existait une attraction Retour vers le futur ? Meeea revient sur la conception de l’attraction et le contexte où elle a été construit

Si GTA VI est dans les têtes d’une grande partie des joueurs, il y a un autre public qui n’a que faire des futures aventures de Jason et Lucia. Ceux-là attendaient impatiemment un Nintendo Direct du mois de septembre qui dévoilerait enfin les premières images du remake de The Legend of Zelda: Ocarina of Time, probablement l’épisode qui a marqué le plus de joueurs en 1998. Et on peut dire que ces premières images ne sont pas passés inaperçu.

A travers une vidéo de 15 minutes qui présentait le gameplay en détail, Nintendo a montré sous toutes les coutures le nouveau design de son héros version enfant. Visage de poupée, vêtements très détaillés, ce Link version remake est particulier, assez éloigné de l’aspect plus “graphique” des précédents épisodes. Si sa version adulte est plus passe-partout, sa version enfant suscite pas mal d’interrogations sur ce côté poupon. Nintendo n’a pas forcément communiqué sur ce choix artistique, mais certains parlent déjà d’une volonté d’assumer un côté marionnette sur le personnage, notamment en prenant comme inspiration le Ningyōgeki, l’art de la marionnette japonaise, avec un style dans les personnages qui y ressemblent. Plus globalement, d’autres parlent d’une esthétique Rococo pour justifier l’exubérance des détails, des habits des personnages notamment.

Ce qui m’a le plus perturbé, c’est plutôt la suite de la présentation, lorsque Link arrive sur la partie du monde ouvert, qui ressemble au tout venant des jeux open-worlds contemporains que l’on voit tourner sur Unreal Engine. Une vidéo récente du youtubeur Nostalgeek parlait de la ressemblance entre les jeux crées sur le moteur graphique commun Unreal Engine, et c’est exactement à ça que fait penser ce remake d’Ocarina of Time: un jeu qui, par sa volonté de s’approcher du réalisme, s’est adapté aux styles des autres jeux pour rentrer un peu trop dans le moule. Nul doute que la direction artistique de certains lieux iconiques pourra casser ce sentiment, et au vu du pedigree de Nintendo, on sera confiant sur la qualité de ce remake manette en main, mais je n’ai pas pu m’empêcher d’être un peu déçu de ce choix “facile” par rapport à d’autres épisodes plus récents. Mais j’ai aussi voulu réfléchir à ce choix de la part de Nintendo, et pour ça, il faut aussi replonger en arrière pour analyser les débuts des Zelda en 3D.

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Lorsque Ocarina of Time sort en 1998, le jeu vidéo en 3D n’en est qu’à ses balbutiements. Et Ocarina of Time doit transformer un jeu 2D vue de dessus en jeu plus ambitieux avec une caméra libre, en adaptation la direction artistique. Sa direction artistique, c’est ce que la Nintendo 64 lui permet de faire. Le character design fait des choix précis, mais pour tout ce qui concerne l’environnement, Ocarina of Time représente le “réalisme” de l’époque lié aux limites techniques, celui où on fait les textures à la main avec un peu de matière pour représenter l’herbe, le bois et créer de la végétation. On pourrait amener ce même genre de réflexion sur un Twilight Princess, qui avait pour ambition d’amener Zelda dans le fantasme du Link badass et réaliste qui avait tant fait rêvé lors de sa démo au SpaceWorld 2000 (qui avait donné finalement Wind Waker). Sur Twilight Princess, les textures sont plus fines, les décors plus détaillés, il n’y a pas de direction artistique précise comme auront pu le faire Skyward Sword ou Breath of the Wild, c’est simplement “l’esthétique du moment” en 2006. Il suffit de regarder les autres titres sortis dans cette période comme Final Fantasy XII, qui n’a pas la prétention d’avoir un style graphique particulier, mais une DA basé sur le moteur graphique utilisé à ce moment-là.

Si ce remake d’Ocarina of Time paraît aussi familier sur son esthétique global, c’est simplement parce que Nintendo a choisi de recréer le jeu original en s’adaptant avec son temps, c’est-à-dire un standard visuel de 2026 quand la volonté et de proposer des environnements réalistes lié à la technique, comme le faisait l’original en son temps. On pourra reprocher à Nintendo de choisir la voie de la facilité, mais pour un épisode aussi important qu’Ocarina of Time, il est compréhensible que le risque soit trop grand. On peut déjà le voir avec ce character design atypique qui fait déjà couler beaucoup d’encre. On attendra de voir manette en main ce que cette réinterprétation vaut, et ça arrive vite puisque le titre sort en novembre prochain.

[#film] - Resident Evil

La franchise Resident Evil au cinéma - en live-action - a eu son petit moment de gloire grâce à la saga avec Milla Jovovich: on parle d’un sixième film qui aura récolté plus de 300 millions de dollars pour un budget de 40 millions, ce qui s’appelle dans le milieu “une bonne affaire”. Chacun jugera comme il se doit la qualité de ces six films d’une saga qui aura bien plus misé sur son héroïne inventée de toutes pièces que sur un lore issu de la saga vidéoludique, mais elle profite d’un petit quelque chose débilo-rigolo qui s’apprécie avec les potos sur le canapé armés de pizzas. Mais lorsque la franchise est relancé en 2021 avec Resident Evil: Bienvenue à Racoon City, souhaitant rebooter la saga tout en adaptant les premiers épisodes du jeu vidéo, la qualité n’était pas au rendez-vous. Du coup, quand on annonce qu’un nouveau film est en préparation par Zach Cregger, réalisateur de la petite surprise Evanouis/Weapons (qu’on a beaucoup aimé ici), on est très curieux. Et encore plus quand la volonté de cette nouvelle itération est de ne pas adapter l’histoire d’un épisode mais plutôt de retranscrire l’expérience vidéoludique survivaliste de Resident Evil.

On y suit Bryan, un coursier médical lambda, maladroit, un peu roublard mais avec un minimum d’empathie, qui vient de livrer son dernier colis de la soirée dans un hôpital. Mais une médecin lui propose une dernière course, payé au black, pour transporter une mystérieuse cargaison dans l’hôpital de Racoon City. Le bougre hésite, mais face à une paye plus intéressante que d’habitude, il accepte de rouler de nuit, sur une route enneigée, sans équipement, en pleine montagne. Sur le chemin, il renverse une mystérieuse femme qui traversait la route et ça sera le début du cauchemar pour lui.

L’une des merveilleuses idées de ce Resident Evil, c’est justement d’avoir fait le choix de ne reprendre aucunement une trame connue de la licence, si ce n’est le contexte d’une ville en proie au chaos d’un virus qui transforme les gens en monstre. Dans ce contexte, le film de Cregger prend le parti de ne pas suivre le parcours d’un personnage surentraîné et habile des armes, mais plutôt d’une personne tout ce qu’il y a de plus banale qui tente de survivre. Tout ceci pour amener un parallèle simple: Bryan c’est vous, nous, le joueur, devant une situation qui nous dépasse complètement et où le risque d’y passer s’accroît de minute en minute. On a constamment l’impression d’être confronté à une situation de Resident Evil en étant ce personnage qui doit réagir vite, qui galère, qui récupère de plus en plus de matos, qui utilise ses balles inutilement parce qu’il ne sait pas tirer, ou qui n’arrive pas à ouvrir ce foutu cadenas avec un symbole cryptique dessus.

Tout ce contexte permet d’amener un timing comique étrange mais qui fonctionne étonnamment bien dans le film, avec des scènes drôles parce que justement Bryan est un protagoniste qui ne fait pas toujours les bons choix, mais que l’on suit avec intérêt parce qu’on a envie qu’il survive. Resident Evil est donc un film où on est autant horrifié devant une générosité de monstres bien dégueus que ne renierait pas The Thing, que amusé devant plusieurs scènes et quelques runnings gags bien sentis, même si certains dialogues tombent parfois complètement à côté. Cet aspect comique est à double tranchant, puisqu’il pourra agacer les spectateurs qui voudront y trouver un film plausible et premier degré sans subir la crétinerie du personnage, et pourra les faire sortir du film si la salle rigole à des moments qui ne sont pas spécialement drôles. Par ici, ça a très bien fonctionné: mis à part des scènes de pures comédies entre des personnages, l’humour est intégré sans se moquer du matériau original et est même furieusement premier degré dans les enjeux et la pression de l’intrigue.

C’est un équilibre vraiment délicat à trouver et qui marche furieusement bien dans ce Resident Evil: celui d’installer un univers qui bascule à cause de la connerie des personnages et dont l’accumulation d’emmerdes que subit Bryan fait sourire parce qu’on ne sait jamais ce qui va se passer et comment il va réagir. Bryan est humain, sous pression, et il ne réfléchit pas toujours dans les meilleurs conditions. Mais c’est aussi un univers d’une dangerosité sans nom, où chaque maison ou coin de rue peut abriter une monstruosité qui peut décapiter ou éventrer n’importe qui, et le film ne renie jamais cet aspect-là et le prend très au sérieux. Pour tout ça, Resident Evil réussit à être une adaptation de jeu vidéo très maligne, dans sa représentation de la survie qui fonctionne comme en niveaux qu’il faut traverser ou une gestion de l’inventaire au cordeau, amenant même parfois des POV du personnage qui font penser au septième épisode du jeu vidéo. Toute la trame du film n’est qu’un prétexte, le personnage est presque une projection d’un simple PNJ, et Resident Evil ne va pas plus loin qu’un train fantôme d’une heure trente. Mais c’est un ride où l’on ne s’ennuie jamais, qui réserve constamment des surprises pour ne pas laisser le spectateur tranquille, avec une efficacité redoutable. En profitant de cette carte blanche pour reconstituer l’expérience Resident Evil sur grand écran, Zach Cregger prouve qu’il est possible de transfigurer une expérience vidéoludique et la calquer sur celle du joueur qui se retrouverait catapulté dans cette univers horrifique. Et grâce à ça, il tient une des meilleures adaptations sans difficulté.

Resident Evil / Réalisé par Zach Cregger / Avec Austin Abrams, Paul Water Hauser, Zach Cherry / Sortie le 16 septembre 2026

[#film] - Teenage Sex and Death at Camp Miasma

Après avoir capté l’attention avec son précédent film I Saw the TV Glow, Jane Schoenbrun récidive dans sa thématique de la recherche d’identité à travers l’art culturel. Si I Saw the TV Glow mettait déjà l’accent sur ses talents de réalisation, on pouvait être laissé de côté devant des choix artistiques digne de Lynch qui rendait la compréhension parfois nébuleuse. Ce n’était pas une mauvaise chose en soi, mais cela rendait l’oeuvre moins accessible, alors même que les thématiques queer étaient passionnantes et parvenaient à toucher du doigt la manière dont une oeuvre culturelle aide à se libérer en confrontant la fiction avec la réalité. Teenage Sex and Death at Camp Miasma conserve cette approche mais réussit à élargir son spectre sans jamais sacrifier son propos.

Dans Teenage, l’histoire prend place dans l’univers des slashers et de leur exploitation sans vergogne par des producteurs désireux de capitaliser sur des suites de moins en moins bonnes, comme Vendredi 13, Freddy ou Halloween. Ici, il s’agit de Camp Miasma, un film fictif où des jeunes adultes dans un camp de vacances près d’un lac se retrouvent attaqués par un tueur, Little Death, dont le visage est caché par un conduit d’aération (si si). Après moultes épisodes et une saga tombée en désuétude, une jeune réalisatrice, Kris Williams (Hannah Einbinder) est engagé par le studio pour réaliser un reboot complet, dans l’espoir d’amasser des millions. Mais celle-ci est bien décidé à en profiter pour y amener ses propres thématiques queer pour moderniser une saga qu’elle juge problématique sur bien des points, quand bien même elle adore et a grandit avec ces films. Elle part donc retrouver Billie Presley (Gillian Anderson), la “final girl” du premier film qui a décidé de ne pas jouer dans les suites et a disparu de la circulation. Kris la retrouve donc dans un chalet perdu au milieu d’une forêt et tente de la convaincre de rejoindre son projet.

A la vue du pedigree de Jane Schoenbrun et du pitch du film, on pourrait penser que Teenage Sex and Death at Camp Miasma est un moyen pour déconstruire l’image du slasher et d’y attribuer un propos “woke” comme on peut le voir parfois au cinéma. Le slasher, surtout dans les années 80/90, est porté par une imagerie hétérosexuelle avec des personnages féminins en petite tenue qui se font poursuivre par un tueur en série masculin, avec toute l’imagerie phallique que l’on peut attribuer. Sauf que non: Jane Schoenbrun choisit d’épouser complètement cette imagerie pour approfondir le sujet et voir en quoi ces slashers peuvent embrasser une libération sexuelle et identitaire, sans renier les éléments problématiques que ce genre peut porter. D’ailleurs, le film dans le film, Camp Miasma, est montré avec une vraie sincérité et un amour du genre, avec tout ce que ça comporte de remarques transphobes pour les pointer du doigt et de séquences gores au-delà du ridicule.

Teenage réussit tout d’abord à dénoncer l’archaïsme de ce genre de films mais aussi le cynisme absurde des gros studios désireux de créer un produit de son époque, jouant avec des personnages caricaturaux (le patron qui veut juste faire de la thune, l’assistante qui sert de caution queer à la production) qui sont là pour répondre à la tendance du moment. Mais le film n’hésite pas également à pointer du doigt la volonté de certains artistes de réparer des oeuvres anciennes en pensant bien faire. Teenage se sert du point de vue de sa protagoniste pour montrer que ces oeuvres fonctionnent au-delà de certaines représentations, ici en jouant sur l’idée du sexe et du fantasme dans ces slashers, où chacun peut y trouver son plaisir. Le film amène un propos universel: chacun peut construire son identité avec n’importe quelle oeuvre, même un slasher. Il suffit de voir le nom du tueur, Little Death, ou La petite mort en français, pour voir que la recherche de jouissance est au centre du film.

Pour illustrer tout ça, on sent que Jane Schoenbrun s’est amusé.e à tout expérimenter tout en empruntant au cinéma de genre pour montrer l’amour qu’ielle porte à cette culture. On pense à Halloween pour les POV du tueur qui élimine ces cibles les unes après les autres, dans des gerbes de sang exagéremment généreuses, ou encore à Vendredi 13 pour le contexte du camp de vacances près d’un lac. Le film Camp Miasma est réalisé avec un vrai respect, et blindé de tous les clichés que l’on peut imaginer mais sans jamais s’en moquer. Et que dire des deux interprètes: Hannah Einbinder a eu l’occasion de briller dans la série Hacks mais montre ici tout son talent et Gillian Anderson n’a déjà plus rien à prouver depuis qu’elle est sortie de son mythique rôle de Scully. Les deux femmes forment un couple magnétique à souhait, l’une en réalisatrice en quête de sens et l’autre, en femme solitaire mais d’une classe folle, que n’aurait pas renié un Billy Wilder dans Boulevard du Crépuscule (cité dans le film évidemment). Teenage Sex and Death at Camp Miasma ne plaira peut-être pas à tout le monde, mais il ose tout dans sa direction artistique, dans sa réalisation, avec des plans étonnants, des décors inquiétants, fictifs ou réels, au point d’embarquer le spectateur dans sa folie et ses hécolitres de sang. On se retrouve perdu entre fiction et réalité mais on s’en fiche parce qu’au final, on profite d’un film qui analyse le slasher comme jamais auparavant et qui le mélange avec l’émancipation de ses personnages, dans un feu d’artifice d’hémoglobine. Une curieuse pépite, mais à chérir tellement on en trouve peu.

Teenage Sex and Death at Camp Miasma / Réalisé par Jane Schoenbrun / Avec Hannah Einbinder, Gillian Anderson, Jack Haven / Sortie le 02 octobre 2026 sur Mubi

[#bd] - Un Jardin de Sphères T.1

Linnea Sterte est une artiste suédoise qui a étudié dans plusieurs écoles d’art à Stockholm ou même Los Angeles avant de revenir dans son pays natal pour vivre en pleine forêt suédoise. Son Instagram trahit son influence notable de Moebius mais la délicatesse de son trait et de ses choix de couleurs en font une artiste complète qui possède sa propre patte. C’est aussi une dessinatrice de bande dessinée, qui propose souvent de courtes histoires dans des recueils comme Ex Mag, qui accueille plusieurs artistes et leurs histoires atypiques autour d’une thématique particulière. En France, elle est depuis peu éditée chez plusieurs éditeurs, chez Dargaud pour Cat Café mais surtout chez Les Editions de la Cerise où ses oeuvres comme In-Humus et Une rainette en automne ont trouvé le chemin des librairies. C’est sa dernière oeuvre en date qui nous intéresse: le premier volume d’Un jardin de sphères.

Sur une plage déserte lévite une sphère aux contours étrange d’où émerge une curieuse femme qui se révèle être une déesse. Mais au contraire des autres divinités qui peuvent créer des choses, elle est seulement capable de destruction. Elle va alors voyager dans ce monde fantastique dans l’espoir de trouver une signification à ses pouvoirs et ses origines, un monde où des dieux et des déesse apparaissent dans des mystérieuses sphères, tandis que le reste de la population construisent des villes auprès d’eux afin de bénéficier de leur protection. Certains sont plus belliqueux que d’autres, choisissant d’attaquer des peuplades qui ne leur plaisent pas, à grands coups de vaisseaux aériens ou de dragons.

Si on a pu connaître les premiers essais plus posés et bucoliqiques de Sterte avec ses précédentes oeuvres comme Une rainette en automne qui suivait la quête d’une petite grenouille dans notre monde ou la contemplation exrême dans In-Humus, l’autrice signe avec Un Jardin de sphères une histoire avec bien plus d’ambition. Visuellement, c’est absolument splendide, rempli de pages couleurs détaillées avec un soin particulier sur le design des personnages et un choix de couleurs plus restreint qui donne une teinte pastel pour affirmer le caractère fantastique de son univers. Mais le livre profite aussi de pages en noir et blanc, au grain très prononcé qui donne une atmosphère plus sombre et ténébreuse. On décèle du Nausicaa ici et là, et certains characters designs font penser à du Moebius, mais Sterte apporte sa propre touche, et parvient à jouer sur la contemplation de son lore sans perdre ses personnages.

L’intrigue se sert de la quête de cette déesse en recherche d’informations pour venir greffer d’autres intrigues et d’autres personnages. Parfois avare en informations, le récit est un peu plus exigeant que la moyenne dans sa lecture, mais on reste malgré tout ancré dans l’univers et c’est ce qui fait une grande partie de son charme. Difficile de voir dans quelle direction va l’histoire, mais c’est aussi difficile de décrocher, étonnamment. La beauté du dessin, le mystère de cet univers que l’on a envie de découvrir, la quête d’identité de cette déesse: Un Jardin de sphères est de ces oeuvres où l’on ne saisit pas tout, mais sans vraiment que ce soit mis en défaut parce que tout l’univers graphique et la narration poétique fait qu’on s’y accroche. Il y a une vraie délicatesse dans la narration avec parfois des changements de tons étonnants, notamment dans la manière de casser la contemplation d’une scène par une action brutale étonnante. On referme le livre avec l’envie d’en voir plus, malgré les plus de 300 pages, et on attend le tome 2 avec impatience.

Un Jardin de Sphères T1 / Linnea Sterte / Les éditions de la cerise / 336 pages / 35 euros

[#manga] - Yon

Il y a une vraie tendance cette année des auteurs.rices de bande dessinée venant de l’animation, voire plus précisément de l’école des Gobelins. On a eu droit à La langue des vipères de Juliette Brocal ou encore Terre ou Lune de Jade Khoo, il faudra désormais compter sur le Yon de Camille Broutin, qui vient d’achever sa publication avec le quatrième et dernier tome de sa série. Si Yon peut être considéré comme la première oeuvre de Camille Broutin, il s’avère que celle-ci s’était déjà fait remarqué sur les dessins de la série de BD Filles Uniques, où elle opérait sous le nom de Camille Méhu. Si l’autrice alternait à l’époque son travail sur Filles Uniques avec le boulot dans les studios d’animation, elle se consacre cette fois-ci uniquement à Yon et ses quatre tomes où elle profite de son expérience pour s’atteler également au scénario, tout en embrassant complètement ses influences manga.

Yon raconte l’histoire d’une école de filles isolée du reste du monde. On y suit Margot, jeune fille qui préfère rester seule et choisit de ne pas suivre les groupes populaires, en particulier Dan, qui fait la loi dans les couloirs des bâtiments scolaires. On y croise aussi Solveig, la bagarreuse du coin, qui n’hésite pas à protéger les plus faibles, ou encore Olga, une rêveuse qui préfère profiter du soleil et s’adonner à sa passion du dessin. Lorsque l’alarme sonne, signe qu’un mystérieux phénomène arrive, il faut alors évacuer les lieux au plus vite pour ne pas se retrouver coincé, mais la panique envahit les élèves et la grande majorité se retrouve bloquée à l’intérieur des bâtiments. Il est impossible de sortir, sous peine de croiser la route de petites créatures, qui ont la capacité de transformer tout ce qu’elles touchent en d’autres petites créatures, que ce soit vivant ou non. Le groupe va devoir s’organiser pour survivre le temps que les secours arrivent.

A travers ce pitch intrigant digne d’un manga comme L’école emportée de Kazuo Umezu se dissimule une histoire de survie avec une tension palpable mais aussi une histoire sur une jeunesse trop vite propulsée dans un monde d’adulte. Très vite, le manga prend une direction que n’aurait pas renié Sa Majesté des Mouches, en créant une forme d’autarcie au sein de ces élèves, qui va très vite se retrouver divisé en plusieurs groupes. Dès son premier tome, Yon parvient à installer une atmosphère intrigante et tendue, pleine de mystères sur cet événement où l’on va apprendre les règles au fur et à mesure, mais aussi de tensions sociales et hiérarchiques. Comment les caractères de chacune des protagonistes vont trouver leur place dans ce difficile équilibre hiérarchique ? Une manière de plonger ces adolescentes face à des responsabilités qu’elles n’ont jamais demandé et de montrer à quel point leur personnalité amène des choix cruciaux quant à leur survie.

Le trait de Camille Broutin, tout en lignes claires, rappelle parfois du Minetaro Mochizuki (qui avait déjà plongé de jeunes ados en mode survie dans Dragon Head) ou encore du Satoshi Kon, mais dans un style plus épuré. Il y a un délicat équilibre entre l’ambiance poisseuse de ce contexte et un sentiment de danger permanent, magnifié par le dessin et le découpage impeccable, sans enlever des moments plus légers. Camille Broutin arrive à tenir l’histoire de Yon jusqu’au bout. L’influence manga impacte jusque dans le tome final, dont la conclusion ne va absolument pas là où on l’attend mais qui rappelle les grandes heures des animes métaphysiques comme Evangelion, où la dimension psychologique prend le pas sur le contexte initial, avec des évocations abstraites, que ce soit dans l’action qui brouillonne volontairement les personnages en quelques traits, ou dans la psyché des personnages, pour amener des réflexions passionnantes sur l’importance de l’enfance dans sa vie d’adulte, et de comment les traumas et les événements impactent la personne que l’on est amené à devenir.

Sur ça, Yon réfléchit sur la radicalité de ses personnages, en grande partie influencée par l’environnement solitaire dans laquelle ils se trouvent, mais aussi sur les adultes qui régentent leur vie sans penser aux conséquences. En seulement quatre tomes, Camille Broutin aura réussit à marquer les esprits, à travers un dessin exemplaire digne des plus grands mangas et une intrigue qui monte en tension au fil des tomes, sans jamais décevoir. Une fois le quatrième et dernier tome refermé, on n’aura qu’une envie: relire l’intégralité pour comprendre les événements avec ce nouveau point de vue. En attendant, Yon devient un immanquable de cette année.

Yon (4 tomes - terminé) / Camille Broutin / Dargaud / de 192 à 350 pages / 13,50 euros par tome

Les films gratos du mois

Ce mois-ci: quelques films sur le service public, dont Le Successeur de Xavier Legrand, tandis que Arte régale avec la trilogie du Parrain de Coppola et un peu de Sergio Leone. Chez TF1 et M6, on notera Challengers si vous êtes intrigué par un faux thriller de plan à trois, mais vrai romance homo-érotique

Rien à foutre (Emannuel Marre & Julie Lecoustre - 2020)
Le successeur (Xavier Legrand - 2023)
Le Parrain (Francis Ford Coppola - 1972)
Le Parrain II (Francis Ford Coppola - 1975)
7 jours pas plus (Hector Cabello Reyes - 2017)
Two Lovers (James Gray - 2008)
Et pour quelques dollars de plus (Sergio Leone - 1965)
65 La terre d’avant (Scott Beck & Bryan Woods - 2021)
Spider-Man: No Way Home (Jon Watts - 2021)
Challengers (Luca Guadagnino - 2024)
La Chute de la maison blanche (Antoine Fuqua - 2013)
La Chute de Londres (Babak Najafi - 2016)

Playlist du mois

Ce mois-ci, plusieurs gros morceaux côté jeux vidéos, déjà avec Endless Legend 2 qui continue à montrer l’étendue de tout le talent d’Arnaud Roy sur ses compositions marquantes, mais aussi tout le travail musical de Remedy sur leur nouveau titre, Control Resonant, et une sélection de chansons façonnées pour le jeu. On a également droit à du Genshin Impact qui assure toujours la qualité malgré la quantité pharaonique de morceaux (on doit être sur plus de 2000).

Côté ciné/séries, le nouveau Resident Evil permet d’avoir des petites sonorités que n’auraient pas renié The Thing, et Teenage Sex and Death at Camp Miasma font dans les petites balades à la guitare qui partent parfois en vrille, accompagné de quelques morceaux de séries comme American Hostage.

La playlist 2026 est disponible sur une seule playlist Youtube, pour plus de simplicité, et sera mise à jour au fur et à mesure. La version Spotify est toujours disponible.

» Accéder à la playlist Spotify de 2026

Playlist Youtube accessible en cliquant sur l’image

Misc

Ça vous tente de revoir Akira, le film culte de Katsuhiro Otomo ? Ça tombe bien, il est disponible en VOSTFR complètement légalement par ici

La sélection musicale de ce mois-ci ne vous a pas suffi ? Voici un concert consacré aux merveilleuses musiques de Hadès 1 & 2 rien que pour vos esgourdes (oui déjà posté, mais c’est la version officielle)

On reste sur la musique de jeux vidéos avec un épisode de 440 Hz entièrement consacrée à la musique de Octopath Traveler, formidable travail de composition de Yasunori Nishiki

Retour sur le tactical Mewgenics, le jeu de stratégie avec des chats par le créateur de Binding of Isaac, relaté par Game Next Door

Encore une vidéo qui montre à quel point RRR est un film de divertissement incroyable qui met à l’amende Hollywood ? Bien sûr, on en a jamais assez

Une longue vidéo de Nostalgeek qui revient en détail sur Lost Odyssey, ce fameux J-RPG sorti de l’esprit de Sakaguchi, créateur de Final Fantasy, jeu maladroit mais attachant

Le Vidéo Club de Konbini accueille cette fois-ci Ethan Hawke, figure marquante du cinéma américain indépendant, qui déborde de sa passion cinéphile

Je n’irais pas par quatre chemins: dans mon panthéon de mes bandes dessinées préférés, La Jeunesse de Picsou (The Life and Times of Scrooge McDuck) de Keno Don Rosa est très haut, et atteint sans problème le top 3 tous supports confondus. La saga fait partie de ces oeuvres que j’ai découvert enfant, qui m’a marqué durablement, et qui réussit à conserver toutes ses qualités lorsque je relis l’histoire en tant qu’adulte avec un oeil critique plus expérimenté, ce qui n’est pas le cas d’énormément d’oeuvres. Pour bien saisir l’importance de cette histoire, il faudra remonter un peu en arrière.

NB: A noter que les images qui parsèment l’article viennent de différentes sources et donc de plusieurs éditions différentes avec leur propre colorisation, qui ne sera sans doute pas celle que vous avez lue.

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L’héritage de Carl Barks

Est-ce que vous aussi, dans votre tendre jeunesse, vous étiez accroché à votre Journal de Mickey, Mickey Parade ou Super Picsou Géant (Philippe Laglue de Tours - les vrais savent), à lire aveuglément les histoires sur la banquette arrière de la voiture pendant les trajets de vacances ? Des magazines remplis à raz bord de BDs avec une galerie infinie de personnages Disney. D’un côté l’univers de Mickey avec Pat Hibulaire, le commissaire Finot ou le bien moins connu Iga Biva (de son vrai nom Pitipopome Papoépapapo Papounépapapou Poupoupapépé) dont le design très improbable vous aura peut-être laissé circonspect et fait faire quelques cauchemars. De l’autre, l’univers des canards, avec les innénarables Picsou et Donald, leurs trois neveux, Geo Trouvetou et son fidèle Filament, Gontran Bonheur ou encore Popop. Des noms qui rappeleront de furieux souvenirs à certains, à travers des histoires relativement innoffensives et attachantes. Et puis dans Picsou Magazine se trouvait les histoires d’un certain Carl Barks, le créateur du personnage de Picsou qui aura petit à petit installé un vrai background et une mythologie: son coffre-fort, ses adversaires, son lien avec Donald et d’autres petites choses de son histoire.

Entre les histoires de Barks et les cadeaux parfois foireux comme ces fameuses cartes à gratter qui libéraient une odeur infâme, Picsou Magazine proposait régulièrement des histoires d’un autre auteur: Keno Don Rosa. Mon moi de 10-12 ans découvrit à ce moment-là un épisode d’une grande saga nommée La Jeunesse de Picsou, probablement l’épisode 8 - L’empereur du Klondike, qui est celui dont je me souviens le mieux. Tout de suite, je fus intrigué par ce dessin précis, détaillé, que je n’avais jamais vu ailleurs, illustrant une histoire différente de d’habitude. Je devins un lecteur assidu du magazine afin de lire la suite de l’histoire, voire le début qu’il me manquait, mais c’est en 1998, au vue de la popularité de cette histoire, que le magazine décide de sortir un hors-série regroupant les douze épisodes de cette désormais célèbre saga, La Jeunesse de Picsou.

Keno Don Rosa est un américain du Kentucky, fils d’immigrés italiens et destiné à récupérer l’entreprise de construction de ses parents, mais qui passe tout son temps libre à dessiner, avec le fébrile espoir de pouvoir en vivre un jour. En 1982, Don Rosa laisse tomber le dessin, ne gagnant pas suffisamment pour justifier le temps absorbé dans cette passion. En 1986, les comics Disney ne sont plus publiés aux Etats-Unis depuis que Carl Barks a pris sa retraite plusieurs années auparavant. Plus aucun auteur ne veut prendre ce rôle, alors que le comics de super-héros est le genre le plus populaire du moment. Dans cette situation, Disney propose à la petite maison d’édition Gladstone qui a été crée par des fans de publier des histoires autour de ses personnages. Don Rosa l’apprend et propose à Gladstone de réaliser des histoires autour des personnages Disney et principalement Picsou et l’univers des canards. Il y travaillera jusqu’en 1989 lorsque Disney prendra la décision de conserver les planches originales des auteurs.

Après avoir travailler pour un éditeur néerlandais Oberon, Don Rosa découvre que l’éditeur Egmont, basé au Danemark mais publiant à l’international, réimprime certaines de ses histoires. En les contactant, Egmont propose à Don Rosa de créer de nouvelles histoires afin de les publier directement. Ces histoires vont être l’occasion pour Don Rosa de s’atteler à raconter l’histoire de Picsou et de comment il est devenu riche, à travers une histoire en douze chapitres intitulé La Jeunesse de Picsou. Le succès critique est tel que l’auteur recevra un Eisner Award pour cette oeuvre, le plus grand prix de la bande dessinée américaine.

Il dessinera des chapitres supplémentaires pour d’autres éditeurs qui étaient demandeurs, et Don Rosa étant un artiste très impliqué dans le processus créatif de l’impression de ces oeuvres, il se mettra en grève en 2002 avec Egmont, soulignant que ses histoires n’étaient pas imprimés avec les bonnes couleurs ou un lettrage médiocre et qu’il n’avait aucun impact sur ça. Il obtiendra un accord avec Egmont pour avoir plus de contrôle, même si l’auteur regrettera toute sa vie les conditions déplorables en tant qu’auteur de bande dessinée américaine travaillant sur des personnages Disney, car il ne touche aucun pourcentage sur les réimpressions nombreuses de ses histoires et les ventes à l’internationale. Ceci le conduira, en plus de problèmes de santé, d’arrêter de dessiner des histoires en 2008 et prit sa retraite.

Il est à noté que si son oeuvre a fait l’objet de plusieurs réimpressions, Don Rosa est bien plus connu en Europe que dans son propre pays, la popularité de ses histoires s’est faite surtout dans les magazines étrangers comme Picsou Magazine en France, plutôt que dans les étals américains, dont la proposition était bien plus riche au niveau des périodiques.

L’anomalie Disney

Alors pourquoi La Jeunesse de Picsou est aussi culte ? Il faut bien comprendre que lorsque l’on parle des BDs Disney que l’on trouve dans ces magazines, ce sont des histoires sans violence, sans thématique profonde, parfois bien dessinées et divertissantes pour les enfants mais édulcorées d’à peu près tout ce qui peut générer une polémique. Disney est aux commandes, rien ne doit dépasser et le dessin reste simple. La Jeunesse de Picsou réussit la prouesse d’être une histoire sur un personnage dont on évoque concrètement ses qualités mais aussi ses défauts, et dont on va suivre la lente progression pour arriver au personnage que l’on connaît tous: ce canard grincheux et pingre, qui habite dans son coffre-fort rempli d’argent. Plus encore, La Jeunesse de Picsou c’est l’histoire d’un immigré qui quitte toute sa famille pour aller faire fortune à travers le monde, des idéaux en tête et qui va peu à peu se rendre compte que le monde n’est pas si honnête qu’il le pensait. C’est là où se situe le point important: Keno Don Rosa décide de placer son histoire dans notre propre histoire avec notre géographie, à deux-trois exceptions près. Le premier épisode pose directement le contexte: Balthazar Picsou a dix ans, est l’héritier d’un clan écossais qui a fini dans la pauvreté et décide, avec une foi inébranlable et son premier sou américain en poche (qui deviendra son sou fétiche) de partir du pays pour gagner suffisamment d’argent et sortir sa famille de la pauvreté.

Dit comme ça, on pourrait croire à une histoire sombre, misérabiliste et “dickensienne” mais c’est là que le génie de Don Rosa rentre en jeu: pour faire rentrer ce récit dans le “moule” Disney, l’histoire sera en grande majorité humoristique, remplie de détails comiques en arrière-plan sans jamais renier l’importance de ses enjeux. La comédie est là pour accompagner les péripéties du personnages et montrer ses galères réelles mais sans les désamorcer. Don Rosa arrive continuellement à placer des cases avec des moments forts, parfois réellement touchants, simplement en évoquant les thématiques qui se dégagent de l’histoire sans plomber le récit, et c’est l’imagination et la sensibilité du lecteur qui fera le reste.

Tout ça passe par un dessin précis et détaillé que l’on voit rarement dans les bandes dessinées de Disney. On reconnaît les personnages mais le trait évoquerait presque la BD indépendante dans sa manière de souliner les expressions et d’assumer la richesse d’un arrière-plan où traîne une multitude de détails. Et pour que le tout passe comme une lettre à la poste, Don Rosa n’hésitera pas à rajouter des petits gags un peu partout: des souris qui se battent, une poule qui pourchasse un ver de terre, ou un personnage qui continue un gag entamé quatre cases avant. Tout est fait pour amuser le lecteur et en mettre le plus possible dans des chapitres qui ne font parfois que quinze pages. La minutie maladive de l’artiste lui causera des problèmes de santé en fin de carrière, à force de vouloir mettre le plus de détails possibles.

L’autre aspect de La Jeunesse de Picsou se trouve dans la maniaquerie délirante de son auteur pour assurer une cohérence autour du personnage. Considérant Carl Barks comme l’auteur référence, l’origin story de Picsou, s’il est inventé de toutes pièces par Don Rosa, part malgré tout d’une base réelle que l’on retrouve dans les différents détails que Carl Barks a disséminé dans ses histoires lorsque le personnage de Picsou évoque son passé. Que ce soit la présence de Soapy Slick, l’un des grands méchants de l’histoire déjà évoqué dans plusieurs histoires de Barks ou la fameuse redingote que Picsou achète dans l’épisode 9, aussi évoqué dans une anecdote mais avec l’année précise, Don Rosa a à coeur de respecter tous les détails de son aîné, quitte à se triturer le cerveau pour respecter la chronologie à la lettre.

Et le niveau de détail ne s’arrête pas là, puisque tous les événements historiques ou lieux du réel sont le fruit d’un gros travail de recherche de Rosa pour raccrocher sa saga dans la grande Histoire et intégrer ce canard aventureux dans la réalité. Si Picsou par en Afrique dans la région du Transvaal pour y aller chercher de l’or en 1887, c’est qu’il y a bien eu une frénésie de l’or dans cette région et dans cette période. La période de sa recherche d’or au Klondike correspond bien à la réalité, et l’intégration de figures historiques comme Wyatt Earp, Jack London ou Theodore Roosevelt ne seront jamais gratuites et serviront le récit, en respectant leur histoire propre. Si Picsou croise le colonel Sam Steele de la police montée canadienne à Dawson City à cette époque, c’est qu’il aurait effectivement pu le croiser.

Des recherches probablement bien trop pointues pour un jeune lecteur qui n’ira pas vérifier les exactitudes de ses histoires, mais il faut saluer la volonté de rendre le parcours de Picsou le plus crédible possible. Cela paraît forcé mais force est de constater que cette minutie et cette volonté hidtorique se sent dans la narration, donnant l’impression d’assister à quelque chose de tangible. Au point que cela occasionne indirectement des nouvelles passions: ma fascination pour les récits mythologiques de trésors perdus et de certains périodes de l’histoire viennent en grande partie des récits de Don Rosa. La Jeunesse de Picsou se place donc dans une temporalité qui existe, amenant toute l’histoire à se dérouler entre 1877 et 1947, le dernier épisode faisant la boucle avec la première apparition de Picsou par Carl Barks: le milliardaire, complètement reclus dans son manoir et nourrissant une aigritude aïgue, invite Donald et ses petits neveux pour Noël afin de vérifier son courage. Le douzième et dernier épisode de La Jeunesse de Picsou s’intercale juste après cette histoire, permettant au vieux canard de renouer avec sa famille et de retrouver le goût de l’aventure. Selon Don Rosa et sa propre chronologie, toutes les aventures de Barks et les siennes s’intercalent entre ce Noël 1947 et la mort de Picsou que Don Rosa imagine être en 1967 (pour les 100 ans de Picsou donc - sacrée forme pour un vieillard), année de retraite de Barks. A noter aussi que l’introduction de ce douzième épisode fait une référence directe à l’ouverture de Citizen Kane (le fameux RoseBud étant remplacé par Goldie), Don Rosa n’hésitant pas à rajouter ses influences cinématographiques.

Mais le point principal qui aura probablement marqué toute une génération de lecteurs de La Jeunesse de Picsou est véritablement dans les thématiques abordés, que l’on voit jamais dans les histoires Disney. Elles sont si bien amenés qu’elles restent parfaitement lisible à n’importe quel enfant en âge de comprendre certains passages de l’histoire. En grandissant, j’ai toujours été surpris de voir que Disney ait laissé faire, car vu la façon dont l’entreprise édulcore toutes leurs productions ces dernières années, il est impensable que La Jeunesse de Picsou puisse débarquer aujourd’hui sous cette forme (même si la censure aura quand même frappé - on y revient). Si cette histoire d’un immigré dans La Jeunesse de Picsou impressionne tant, c’est surtout dans sa manière de raconter comment un personnage qui part faire fortune pour une raison tout à fait louable (sortir sa famille de la pauvreté) se retrouve complètement obnibulé par sa soif de pouvoir et de richesse, au point d’en oublier sa famille.

Un récit anti-capitaliste

La Jeunesse de Picsou est une oeuvre étonnamment profonde sur comment le capitalisme bouffe littéralement les individus et à quel point la volonté d’accumuler de plus en plus de richesse peut transformer n’importe qui, au point de le faire basculer. Picsou démarre l’histoire avec l’idée de faire fortune pour subvenir aux besoins de sa famille, avec un caractère idéaliste et une idée du travail honnête: aucun raccourci possible pour devenir riche, il faut travailler à la sueur de son front sans sombrer dans la malhonneteté. Evidemment, on pourra acter que le récit vante la méritocratie mais ce serait simplifier l’histoire. Au fur et à mesure de ses aventures, de ses contacts avec bon nombre d’escrocs et de filous cherchant à le voler, le jeune Picsou va devenir de plus en plus dur et impitoyable, perdant peu à peu son innocence et son amour des grands espaces, n’hésitant à aucun sacrifice pour arriver à ses fins. Dans l’avant-dernier épisode, Don Rosa montre comment Picsou fait fructifier sa richesse en traversant le monde sur plusieurs décennies, à la recherche de trésors et d’affaires en or pour toujours avoir plus. Une bascule arrive lorsque Picsou n’obtient pas ce qu’il veut auprès d’un village africain et décide d’engager des mercenaires pour brûler les maisons et obliger le chef à signer un acte de vente. Un geste purement malfaisant et colonialiste (avec une représentation de la population locale - disons-le - un peu daté quand même) qui surprend dans une oeuvre Disney mais qui asseoit définitivement l’ambivalence du personnage de Picsou: après avoir refusé les raccourcis et les opportunités d’une vie plus tranquille, le personnage va jusqu’au bout de ses nouvelles convictions (avec regret tout de suite après).

Une thématique parfaitement compréhensible pour l’enfant que j’étais: on saisit parfaitement la faute de Picsou, l’acte mauvais qu’il vient de commettre. Avec un regard d’adulte, on est étonné de voir une histoire Disney qui ne laisse aucun doute sur le fait que Picsou n’est pas un personnage lisse, sans avoir besoin d’aller dans la violence gratuite. C’est la force de Don Rosa, celle d’arriver à calibrer une grande frsque américaine pour les enfants mais sans jamais enlever les travers de son personnages. La Jeunesse de Picsou n’hésite pas non plus à évoquer la mort et le deuil avec énormément de doigté, et toujours une mise en contexte qui force le respect.

Tout ceux qui ont été marqué par La Jeunesse de Picsou auront en tête l’épisode 8 où Picsou s’apprête à trouver sa première pépite au Klondike, la première marche vers la richesse. Sa concession est cachée de tous, et à Dawson City, tout ce qui compte de voleurs veulent s’approprier sa concession, et particulièrement l’un des boss de la ville, Soapy Slick, avec qui il a contracté une dette. Celui-ci capture Picsou pendant que ses sbires sont envoyés à la concession du canard pour s’en emparer. Pendant que Picsou est attaché et humilié, abattu devant son impuissance, Soapy en profite pour lire le courrier de la famille de Picsou que le canard vient de recevoir, et arrive sur une lettre de son père qui lui annonce la mort de sa mère. Soapy en profite pour se moquer de lui encore une fois, puis Picsou se redresse, ivre de rage et se libère, tandis que la narration part alors sur une voix off pour décrire la suite du récit et le carnage de Picsou comme une de ces légendes urbaines et improbables où personne ne sait ce qu’il s’est vraiment passé.

En quelques cases incroyablement évocatrices, Don Rosa réussit à embarquer le lecteur dans un torrent d’émotions, magnifié par le découpage et le dessin: l’humiliation de Picsou, l’annonce de la mort de sa mère et un déchaînement de colère cathartique qui ne joue que sur le hors champ et l’imagination du lecteur, sans désamorcer avec de l’humour mal venu, sans jamais mettre l’emphase sur l’annonce choc parce que le lecteur a tout compris et encaisse la nouvelle. Des moments comme ça, il y en a beaucoup dans La Jeunesse de Picsou: on pense à la découverte du tout jeune Picsou dans l’épisode 1, de l’histoire d’amour perdu avec Goldie qui trouvera beaucoup de réponses dans les épisodes 8 bis et ter - ainsi que ce qui semble être une partie de jambes en l’air hors champ - ou encore cette épisode 9, qui voit Picsou revenir en Ecosse, se recueillir sur la tombe de sa mère, revoir son vieux père et constater à la fin de l’épisode que celui qui lui dit au revoir du haut de la fenêtre du château n’est pas réellement son père mais son fantôme, le lecteur comprenant que celui-ci est décédé juste avant paisiblement dans son sommeil.

Don Rosa aura écrit des épisodes supplémentaires peu après, notamment ceux sur la relation entre Picsou et Goldie évoquée plus haut, dans les épisodes 8bis et 8ter. Si le reste des épisodes supplémentaires apportent des bonus agréables mais peu indispensables sur l’histoire de Picsou dans les douze épisodes principaux, ceux qui reviennent sur l’histoire avec Goldie ont bien plus d’impact: juste après la découverte de sa première pépite, Goldie, qui au premier abord semble déterminée comme tout les autres personnages à lui voler sa concession, s’attache de plus en plus à Picsou, et inversement. Les deux personnages, qui partagent un caractère opiniâtre et increvable, vont finir par se comprendre et se trouver, mais leur fierté mal placée les empêchera jusqu’au bout d’admettre qu’une histoire est possible, parce qu’il faudrait compromettre leurs idéaux de richesse et de pouvoir.

On notera tout de même des récits annexes qui font directement référence à l’histoire principale et apportant des variations géniales. Un épisode 0 verra Miss Tick voyager dans le temps pour voler le sou fétiche à un Picsou âgé de dix ans et donc revoir les événements de l’épisode 1 de la Jeunesse de Picsou. Un épisode bonus, Le rêve de toute une vie, est une histoire où les Rapetous pénètrent dans le coffre pendant que Picsou dort et à l’aide d’une machine, pénètrent dans ses rêves pour lui faire avouer la combinaison de son coffre. Mais Picsou rêvant de toutes ses aventures passées, les Rapetous (et Donald qui essaye de les en empêcher) se retrouvent propulsés dans les événements relatés de La Jeunesse de Picsou, et la conclusion touchante le verra assouvir son histoire amoureuse d’une façon dont il ne soupçonnait pas. Enfin, dans Une lettre à la maison, l’une des dernières histoires de Don Rosa, Picsou et ses neveux se voient revenir au château du clan McPicsou pour suivre une piste du trésor des templiers, et Picsou retrouve alors sa soeur Matilda, gardienne du château depuis qu’elle a coupé les ponts avec lui. L’histoire, qui parvient à mélanger un récit d’aventures avec une vraie mélancolie quand on connaît le passé de ces personnages, apparaît comme un bel épilogue à La Jeunesse de Picsou.

La Jeunesse de Picsou et toutes les histoires de Don Rosa a eu droit à de très belles éditions souples chez Glénat en sept volumes, avec une re-colorisation supervisé par Don Rosa lui-même (et qui ne plaira pas à tout le monde, puisque les couleurs se veulent plus “réalistes” que sur les premières intégrales de Picsou Magazine). Si l’article se concentre sur La Jeunesse de Picsou, Don Rosa est aussi l’auteur de beaucoup d’autres aventures de Picsou et ses neveux, tout aussi géniales que sa grande saga, à lire absolument. Glénat a décidé récemment de rééditer ces histoires à travers une nouvelle collection qui reprend toutes les histoires de l’auteur par ordre chronologique de publication en dix tomes, mais la parution n’est pas encore parvenu à l’époque de la Jeunesse de Picsou. Les anciennes éditions n’étant plus en vente, il est actuellement difficile de se procurer la saga dans le commerce, sachant que les premiers volumes correspondant à La Jeunesse peuvent vite grimpé en prix à cause de la spéculation.

En plus de ça, Disney a revu à la loupe certaines bandes dessinées d’un point de vue de la censure, et deux histoires dont l’épisode 11 tombent sous le coup de celle-ci, à cause de l’apparition de Bombie le zombie, un personnage caricatural qui évoque la mythologie vaudou et qu’à priori Disney considère comme étant problématique. Le souci, c’est que Disney désire supprimer purement et simplement l’épisode, et même si Don Rosa a proposé de redessiner lui-même certaines cases de l’épisode bonus où le personnage apparaît, l’épisode 11 de la Jeunesse de Picsou sera à priori supprimé des prochaines éditions. Une décision absurde, qui va enlever une partie importante de l’histoire et probablement ce qui est le climax de la vie du personnage, et les nouveaux lecteurs vont donc se retrouver avec un vide difficile à combler. Je n’ai pas réussi à trouver d’autres nouvelles concernant ce point depuis l’annonce il y a trois ans, peut-être que les nouvelles éditions ne sont pas encore sortis à l’étranger, mais si vous trouvez une ancienne édition, conservez-la.

Si vous n’avez jamais lu La Jeunesse de Picsou, ou même si vous ne l’avez pas lu depuis longtemps, relire ces aventures permet de voir vraiment tout le génie de Don Rosa et le plaisir fou d’avoir une grande fresque historique, l’histoire d'’un immigré écossais se retrouvant bouffé par une soif de fortune. Don Rosa est parvenu à transformer l’image classique d’un Picsou que l’on pensait simplement pingre et grincheux en le rendant complexe et passionnant. Picsou est un personnage qui finit par comprendre que la richesse qu’il accumule n’est pas une finalité en soi. La Jeunesse de Picsou montre que la richesse d’une vie tient bien plus sur les souvenirs que l’on engrange plutôt que sur la richesse matérielle. Une histoire qui boucle la boucle en redonnant une seconde jeunesse (hehe) au personnage pour pouvoir vivre de nouvelles aventures avec sa nouvelle famille. Une grande et belle histoire, une véritable anomalie dans la bande dessinée Disney que nous reverrons probablement jamais.

La Jeunesse de Picsou (2 tomes + 5 tomes - ancienne édition) / Glénat / 30 euros par tome

La Grande Histoire de Picsou (3 tomes sortis - prévue en 10 tomes) / Glénat / 20 euros par tome

Cela n’aura échappé à personne qui s’intéresse de près ou de loin au jeu vidéo: Grand Theft Auto VI sort le 19 novembre prochain et s’annonce déjà comme un gigantesque raz-de-marée. Une des sorties les plus importantes de ces dernières années, au point que bon nombre des autres grosses sorties ne se risquent même pas à approcher cette fenêtre de sortie et tablent toutes pour le mois de septembre. Cela donne une rentrée sacrément encombrée, entre Onimusha, Control 2, Silent Hill Townfall ou Wolverine: chacun veut tenter d’avoir sa part du gâteau en sortant suffisamment tôt pour toucher les joueurs avant le mastodonte.

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Il faut dire que ce sixième épisode sort après le gros succès de Red Dead Redemption 2, mais surtout treize ans après le précédent épisode, GTA V, qui est une véritable manne financière régulière pour Take Two puisque le jeu a continué de se vendre régulièrement, alors que le jeu original, hors remaster et refonte graphique, est sorti deux générations avant, sur PS3 et Xbox 360. GTA Online y est pour beaucoup, Rockstar opérant un suivi important sur ce mode en ligne qui reste très populaire, voyant même des mods GTA RP faisant le bonheur des streameurs. Les multiples versions du jeu font que GTA V, sur tous les supports, atteint les ventes pharaoniques de plus de 210 millions d’exemplaires vendus. Autant dire que l’attente sur ce nouvel épisode est démesuré.

Mais on a l’habitude avec Rockstar, le studio ne fait rien comme tout le monde et refuse les associations avec les traditionnelles grandes messes du jeu vidéo pour faire sa communication. Non, Rockstar maîtrise son marketing, et distille ses vidéos au compte-gouttes, sachant pertinemment que l’aura de la licence est suffisante pour ne pas inonder le net de trailers par dizaines. Il aura suffi d’un premier trailer sur le jeu, en décembre 2023, pour attiser la curiosité, avec des images déja magnifiques mais rien d’autre que le contexte de ce nouvel épisode: la ville de Vice City, avec tous les excès que cela suppose, sans même évoquer l’histoire du jeu ou ses personnages. Il faudra attendre mai 2025, après plusieurs reports, pour avoir un second trailer qui dévoile les deux protagonistes du jeu que l’on apercevait rapidement dans la première vidéo, Jason et Lucia, dont les images donnent l’impression que le jeu prend la direction d’un Bonnie & Clyde moderne.

Alors qu’aucune image de vrai gameplay du jeu n’est montré, malgré les leaks qui ont jalonné le développement du jeu, il aura fallu attendre fin août et une collaboration assez inédite avec Netflix (qui a probablement payé une sacrée somme pour cette exclusivité) pour diffuser une bande-annonce de 25 minutes, montrant enfin des images du jeu en mouvement, avec séquences d’actions, de dialogues, des cinématiques et diverses activités annexes comme de la plongée sous-marine ou des courses en tout genre. La popularité est telle que les serveurs Netflix ont planté lors des premières minutes de la mise en ligne, ainsi que Twitch qui était autorisé à diffuser les streameurs diffusant le trailer (oui oui). Une maîtrise totale de sa communication qui en dit long sur le studio et la pression exercée sur ses employés. On pourrait aussi parler en longueur des conditions de travail des employés, notamment de forcer les employés à retourner au bureau pour imposer plus facilement le crunch et éviter les fuites (ça a super bien marché) ou encore de proposer des bonus aux employés avec des conditions très flous tout en laissant faire les inégalités salariales comme si de rien était. Bref, le prestige de GTA VI fait rêver, mais pas les conditions de travail.

Et le trailer alors, ça donnait quoi ? Et bien… c’est GTA. On pourra arguer que oui, de toute évidence, il n’y a aucune surprise et aucune révolution, surtout que le trailer ne va jamais dans le détail et semble être surtout une très belle vitrine. A ce sujet, certaines previews comme celle de IGN sont nettement plus intéressantes et décrivent plus en détail les mécaniques qui ne sont pas vraiment montrés dans le trailer. Pour le reste, c’est GTA: un open-world techniquement fabuleux, mais que personnellement je trouve assez “classique” dans la direction artistique, comme si les personnages sortaient d’un générateur d’un moteur graphique dernier cri. Ils ont leur personnalité propre et je ne doute pas que la qualité de l’acting fera oublier une technique très artificiel, mais GTA VI apparaît comme clinquant, visuellement époustouflant mais si on se contente du trailer, ça ressemble à un open-world très classique, avec un niveau de détails peut-être pas nécessaire. Il faudra voir manette en main, mais il est curieux de voir ce trailer devant nos yeux et donner l’impression de voir un jeu vieux de dix ans avec un écrin prestigieux: est-ce que GTA est capable de transfigurer sa formule éculé depuis pas mal de temps maintenant ? Quand on y pense, les open worlds sortis depuis GTA V ont depuis longtemps quitté le contexte urbain pour proposer de nouvelles itérations. Finalement, le GTA-like comme on l’entend avec une vie urbaine aussi poussé ne s’est jamais concrétisé autant que dans GTA, sauf peut-être dans la série des Saint Row, dont le dernier épisode a été un flop monumental. On verra donc si GTA VI sera le retour en grâce de l’open-world urbain et voir ce qu’il va apporter de nouveau.

[#film] - Soudain

Dans le paysage cinématographique, le réalisaeur Ryûsuke Hamaguchi continue son petit bonhomme de chemin, sans faire de vagues mais en régalant les cinéphiles depuis plus de 20 ans. Des cinéphiles sacrément tenaces quand on regarde sa filmographie dont la durée de ses films dépasse quasiment à chaque fois les trois heures. L’un des premiers contacts avec le réalisateur fut Senses, sorti en salles françaises en trois parties puisque la durée totale du long-métrage dépasse allègrement les cinq heures (oui oui). Petit à petit, Hamaguchi déroule ses thématiques sociales, pertinentes, avec un regard parfois nihiliste sur le monde contemporain, en proposant au spectateur de suivre des personnages en dehors du système, ou voulant l’être, comme pour montrer qu’il est possible de s’échapper du conformisme et de trouver des alternatives. La société japonaise est un contexte parfait pour en parler, mais pour son nouveau film Soudain, le réalisateur fait le choix d’aller du côté de la France.

Des réalisateurs japonais qui ont tenté l’aventure française, il y en a eu quelques uns qui se sont cassés les dents, comme Kore-Eda avec La Vérité qui n’aura pas convaincu grand-monde. Il se trouve qu’avec Soudain, Hamaguchi prouve non seulement que faire un film en partie en langue étrangère et dans un pays à priori inconnu peut fonctionner, mais peut même également accoucher d’un des meilleurs films de sa carrière. Virginie Efira incarne Marie-Lou, une directrice d’EHPAD qui voue sa vie à montrer qu’elle peut mettre en place un programme de soins pour les personnes âgées plus humain et bienveillant, faisant fi des difficultés économiques. Au bord de la dépression et du burn-out, elle fait la rencontre un jour, au détour d’une pièce de théâtre qui va l’inspirer, de Mari Morisaki, la metteur en scène de cette pièce. Marie-Lou parlant japonais, elle commence à discuter avec la jeune femme pendant la session de questions/réponses et une alchimie se crée dans les trajectoires des deux femmes. Chacune trouve en l’autre quelque chose qui les pousse à se livrer et à échanger de longues heures, sachant que Mari Morisaki étant atteinte d’un cancer à un stade avancée. A travers une balade parisienne en pleine nuit, portée par les quais de Seine, les deux femmes discutent de leurs ressentis, de leurs doutes, de leurs avis sur un monde bouffé par un capitalisme et une fatigue générale, mais qu’elles aspirent à aimer malgré tout en réfléchissant à des alternatives à leur échelle.

Et le film déroule alors de longues discussions entre les deux personnages, alternant allègrement entre les langues suivant les envies de chacun, n’hésitant pas à balancer une démonstration du capitalisme omniprésent avec grand renfort de feutres et de tableau blanc, comme si Hamaguchi tenait à déverser sa vision comme un bloc sans se priver de subtilité. Mais il le fait aussi à travers deux intellectuelles dont la rencontre n’arrive pas à les fatiguer. On sent l’ivresse d’en savoir plus, de discuter jusqu’au petit matin de leurs visions respectives, trouvant en l’autre quelqu’un qui respecte et écoute comme jamais auparavant. Il y a vraiment quelque chose de fascinant d’assister à ce dialogue, d’être témoin d’un échange important dans la vie de ces deux personnages, Hamaguchi rivalisant d’ingéniosité pour créer des champs/contrechamps passionnants tout en dirigeant ses actrices d’une main de maître. Ses thématiques sont bien là - la façon de parler d’une société en train de sombrer, de parler de la mort à tous les niveaux, de l’empathie qui peut être en train de disparaître du monde.

Au final, l’idée de Marie-Lou pourra paraître naïve dans sa volonté d’amener de l’humanité dans une société faite pour fatiguer les autres, dans son voeu de ne pas renoncer à trouver l’âme au fond de ces personnes délaissées mais sans forcément penser à des problématiques économiques évidentes, par exemple. Mais Hamaguchi ne se contente pas de déblatérer l’argumentaire de chaque personnage vainement, parce c’est justement tout ce que le réalisateur arrive à mettre en scène pour représenter cette force de proposition qui nous happe. Ce n’est pas tant les solutions proposées qui importent mais que des personnes qui puissent les proposer existent, sont encore là et peuvent se rencontrer au détour d’une pièce de théâtre. Car au milieu de cette bonne conscience et de ces voeux pieux se trouve des moments de pure poésie, comme ce lever de soleil en mangeant des nouilles instantanés, cette petite gigue improvisée sur les quais de Seine ou ces multiples plans de pieds et de mains enlacés, pour montrer que le simple contact humain est tout aussi important que les idéaux que l’on porte. Ce sont surtout ces contacts, ces discussions, le plaisir simple de voir des personnages s’écouter et se respecter qui font de Soudain un grand et magnifique film. Le tout porté par un duo d’actrices - Virginie Efira et Tao Okamoto - qui n’auront pas volé leur prix d’interprétation.

Soudain/ Réalisé par Ryusuke Hamaguchi / Avec Virginie Efira, Tao Okamoto / Sortie le 12 août 2026

[#jeu vidéo] - Big Walk

C’était la sensation vidéoludique de cet été, bien que certains avaient déjà noté le jeu dans leur agenda vu le pedigree du studio à l’origine de Big Walk. House House est un studio australien qui aura marqué les esprits avec son deuxième jeu, Untitled Goose Game en 2019, vous mettant dans la peau d’une oie dont la principale mission est de saoûler les habitants d’un quartier tranquille. Il aura donc fallu sept longues années pour voir le studio revenir avec un titre coopératif dont les premières images auraient pu faire penser à un friendslop classique - ces jeux qui reposent avant tout sur un concept fort, développé en peu de temps et faits pour faire le show sur Twitch. Fort heureusement, si Big Walk s’approche de mécaniques similaires, il va bien plus loin dans le délire.

Big Walk propose jusqu’à 12 joueurs de jouer ensemble, en débarquant sur une île mystérieuse où on ne sait pas trop quoi faire en début de partie. Une première salle récapitule tout ce qu’il est possible de faire avec son personnage: on pourra sauter, se baisser, s’asseoir, prendre différents objets pour en activer certains ou les jeter au loin avec plus ou moins de force. Il sera aussi possible de porter ses congénères jusqu’à faire une tour, mais on pourra aussi bouger les bras dans différentes directions - en haut, en face ou sur les côtés. Une mécanique qui aura une grande importance dans la suite du jeu, de même qu’une autre, peut-être la plus primordiale d’entre toutes pour profiter de l’expérience correctement: un chat de proximité.

La majorité des jeux fonctionne par un chat externe comme Discord, mais certains dont les friendslop profitent d’un chat de proximité pour jouer avec les interactions sociales. En gros, vous n’entendrez que les joueurs proches de vous, et ces joueurs s’éloignent, moins vous les entendrez, comme dans la réalité. Une gestion de l’espace sonore dont Big Walk va se servir à fond. Car sur cette île, on va très vite le comprendre, se trouve des énigmes un peu partout, qui débloque des reliques étranges. Amener ces reliques à des tours permet de débloquer une clé qui débloque de nouvelles zones, et ainsi de suite. Mais chaque relique est verrouillée par une énigme, il faudra l’aide de ses camarades pour en venir à bout. Et c’est là où Big Walk puise sa force, car pour venir à bout de l’énigme, il faudra communiquer et coopérer. La solution ne s’obtient jamais seul, et ça sera aux joueurs d’observer et d’agir ensemble pour récupérer la relique. On pourra citer les premières épreuves très simple demandant de faire une échelle humaine pour activer un bouton tout en haut d’une grue, ou de séparer l’équipe en deux, une partie dans une salle fermée avec juste une fenêtre et ayant un ensemble de symboles sous les yeux qu’il faudra communiquer à l’autre partie pour inscrire le bon code vocalement. Ces exemples sont parmi les premières et les plus simples, mais les développeurs de House House rivalisent d’ingéniosité pour pousser l’entraide à son maximum, avec son lot d’agacement, de gestion de crise, de compromis, de rires puis finalement de satisfaction exaltante devant cette relique qui se libère et un sound design très simple et réjouissant.

Mais Big Walk ne serait pas Big Walk s’il suffisait d’enchaîner les énigmes, car le fait de les placer sur cette île façon The Witness n’est pas anodin. Comme son nom l’indique, il faudra marcher beaucoup dans Big Walk. Et si cela paraît contraignant, il s’avère que c’est tout aussi hilarant que les énigmes, tout simplement grâce au chat de proximité où la perte d’un coéquipier qui choisit d’aller voir le petit truc vert là-bas sera le début d’une grande aventure pour le retrouver. Et pour faire tout ça, House House nous laisse embarquer plein de petits gadgets de communication, déjà utile pour certaines énigmes, mais indispensables pour retrouver son copain perdu dans la pampa. Le jeu bénéficiant d’un cycle jour/nuit redoutable (impossible d’avancer sans lumière dans la nuit), il faudra user de n’importe quel moyen pour s’orienter. Des talkies-walkies branchés également sur des radios fixes, des lampes pouvant éclairer à 200 mètres, des pistolets de détresses et autres mégaphones dont son utilisation sera réservé la moitié du temps à faire des imitations des Bronzés font du ski ou du Morning Live, le choix des outils pour se retrouver ne manque pas et font complètement partie de l’expérience.

Les fous rires fusent, surtout quand on percute cinq minutes après avoir perdu le reste de l’équipe que les deux talkies sont restés que d’un côté, ou que n’importe quel objet en main peut tomber à chaque chute, dont l’indispensable carte de l’île après une glissade malencontreuse. Oui, cela ne fait pas avancer les énigmes, mais difficile de ne pas succomber au charme d’un jeu qui nous laisse complètement libre de notre aventure, de notre orientation et de notre façon de communiquer. Le mélange entre ces personnages simplistes mais très expressifs et le décor réaliste participe à la sympathie générale que le jeu renvoie et on peut être simplement hilare devant un personnage qui gesticule des bras pour se faire comprendre. L’esthétique n’est pas si gratuite que ça, mais cela occasionne également des couacs sur des collisions pour grimper en haut de rochers et pas mal de crashs serveurs malencontreux, qu’on espère être vite résolu.

Si l’expérience est formidable, elle demande beaucoup de contraintes et d’organisation. Le jeu ne peut pas se faire en solitaire, les énigmes n’étant pas prévus pour, même si le jeu s’adapte suivant le choix de début de partie (2, 3 ou 4 joueurs et plus). Impossible également de rejoindre une partie au hasard, le jeu privilégiant la session entre amis, ce qui reste logique pour une expérience optimale. Mais le cross platform est possible entre différents supports. Big Walk se fait donc avec un groupe de potes, de préférence similaire sur tout le long de l’aventure, mais l’expérience sociale de ce grand jeu de coopération n’a pas d’équivalent, et va probablement provoquer quelques émules.

Big Walk / Développé par House House / Sortie le 4 août 2026 / Disponible sur PC/PS5/Switch 2 / Prix: 19 euros

[#jeu vidéo] - Sovereign Tower

Un an après le très chouette Crown Gambit, qui donnait la possibilité de mélanger le jeu de rôle textuel avec le deck building, le studio breton Wild Wits Games revient déjà avec un nouveau titre: Sovereign Tower. Plus question de rebattre des cartes, Sovereign Tower garde l’identité graphique de son directeur artistique Gobert, le style graphique des personnages ne vous sera pas étranger si vous avez joué au précédent jeu du studio. Mais dans Sovereign Tower, il sera cette fois-ci question de décisions politiques, de combats de chevaliers et même d’un peu de romance.

Dans Sovereign Tower, il existe une tour magique qui, si elle est habitée par un souverain, permet d’apporter une véritable prospérité à son royaume. Mais cette tour est abandonnée et fermée depuis un bon bout de temps, alors que bon nombre de prétendants ont tenté de tourner la clé pour arriver sur le trône et être le nouvel élu de cette tour. Votre personnage est un lépreux cachant sa maladie derrière un masque et qui a réussi à échapper au massacre de son village. Il se retrouve alors devant cette tour et, surprise (non), il parvient à tourner la clé et se retrouve alors souverain de cette tour magique qui lui permet de suspendre sa maladie tant qu’il reste dans son enceinte. Et comme il est souverain de ce royaume, pour répondre aux différentes demandes sans quitter ce bâtiment, il devra envoyer des chevaliers aux quatres coins de la carte pour aller effectuer des quêtes.

Le jeu se divise donc en deux parties, lors de chaque journée comptée comme un cycle. Tous les matins, vous devrez écouter les doléances du peuple, que ce soit les paysans, les nobles, les érudits, vous sollicitant pour des problèmes plus ou moins grave, qui feront augmenter une valeur de popularité auprès de la caste que vous choisissez de venir en aide. De temps en temps, des missionnaires d’autres comtés viendront vous demander des faveurs et autres quêtes plus complexes qui aboutiront sur des alliances voire même sur l’accès à des nouveaux chevaliers que l’on peut recruter à sa table ronde.

L’après-midi, il faudra aller faire un tour dans les quêtes disponibles et y associer les chevaliers les plus susceptibles de réussir ces quêtes suivant les statistiques demandés, réunis dans un camembert découpé en six parties - Intelligence, Force, Agilité, Magie, Charisme et Fortune. Pour réussir la mission, il faudra que ce ou ces chevalier.e.s répondent au maximum aux exigences demandées, en prenant en compte que chaque chevalier.e possède ses qualités et ses défauts. Certains ont peur du noir ou de l’eau, tandis que d’autres adorent causer des assassinats ou assister à des parties de chasse. Les intitulés des missions mettent souvent en avant des indices pour bien choisir celui ou celle que l’on va envoyer, ce qui permettra d’augmenter ses chances de réussite tout en satisfaisant son champion pour la suite. Dans le cas contraire, la mission sera un échec: cela pourra avoir des conséquences sur certaines alliances, aucune récompense ne sera délivré et l’armure de votre chevalier.e sera en partie détruite, ce qui pourra causer sa mort si on ne fait pas attention.

Evidemment, les caractéristiques augmentent à chaque niveau passé, et trois slots d’inventaire, dont un temporaire pour chaque mission, pourra être utilisé pour leur donner armes, potions ou montures. Bref, tout est très bien indiqué dans Sovereign Tower, l’interface est suffisamment claire pour que l’on ne s’y perde pas, et en dehors de quelques bugs mineurs dans la navigation à la manette, que ce soit sur la forme ou sur le fond, la gestion de ses chevaliers ne posera pas de problème. Entre chaque mission, on aura également la possibilité de réparer leur armure, de les entraîner et de déclencher des discussions plus ou moins intimes avec toute votre bande, et certains livreront des détails croustillants sur leur passé ou pourront même proposer des choix pour évoluer au niveau de leur personnalité et leur compétence.

Car l’autre grande force de Sovereign Tower, c’est son écriture. Chaque membre de votre table ronde (et même les personnages vous sollicitant) bénéficie d’un soin tout particulier et propose chacun sa personnalité, son caractère, et des personnages que l’on pensait peu recommandable s’avère bien plus profond que prévu quand on creuse un peu avec certains choix de dialogue. Certains seront même destinés à changer profondément ce qui pourra occasionner des surprises assez majeures. Sovereign Tower est un jeu très narratif et très bavard, mais c’est le style qui veut ça. On est très proche d’un visual novel et les dialogues entre vous et les personnages sont tous passionnants. Les choix faits sont importants, on notera certaines incohérences mais dans l’emsemble, on a une belle grille de possibilités qui s’offre à nous. Tout est fait pour caractériser les différentes figures que l’on croise dans leur style vestimentaire ou même leur parler pour caractériser chaque région, ses habitants et nos chevalier.e.s. Que ce soit la chevalière millenial irrésistible, le chevalier et son armure brillante qui ne manque pas de se réfugier dans les jupes de sa noble de mère ou la princesse au lourd secret mais bien trop timide pour savoir quand il faut parler devant vous, la qualité des dialogues est très bonne, très drôle et toujours très pertinente. Même si certains moments portent une belle gravité, l’écriture reste toujours légère et inspirée, et jamais plombante. Une qualité déjà présente dans Crown Gambit, mais sur ce nouveau jeu, elle monte clairement d’un cran et tous les amateurs de visual novel y trouveront leur compte, surtout qu’on pourra enchaîner les amourettes avec bon nombre de personnages - dont les plus improbables.

L’autre point important que l’on n’a pas évoqué, c’est la possibilité de remonter dans le temps. Très vite, une pièce se débloque dans la tour avec un démon à l’intérieur, qui vous propose de remonter au jour que vous voulez, dans une certaine mesure. Très pratique si une quête se solde par la mort d’un chevalier que l’on appréciait beaucoup en plus de tirer un trait sur une alliance importante, la mécanique est aussi très maligne puisque votre personnage se souvient des choix faits, et cela permet d’activer de nouvelles options de dialogues pour aller plus vite ou faire croire que l’on sait des choses avant que ça arrive. On ne va pas spoiler plus, mais cette possibilité apporte bien plus sur certaines quêtes que prévu et se révèle vraiment intéressante dans la manière dont s’articule certains arcs narratifs. Tout ceci permet d’avoir un Sovereign Tower très qualitatif pour ceux qui recherchent un titre narratif soigné, bien écrit et souvent drôle, surtout que le jeu parvient pas trop mal à avoir une rejouabilité intéressante avec les nombreuses fins disponibles. Une excellente curiosité pour les amateurs.

Sovereign Tower / Développé par Wild Wits Games / Sortie le 6 août 2026 / Disponible sur PC / Prix: 20 euros

[#manga] - Sukima Tomes 1 & 2

Ce n’est pas souvent que le manga attire d’autres nationalités dans ses filets. On pourra citer Boichi, auteur coréen qui aura su se faire un nom avec Sun-Ken Rock ou sur le dessin de Dr Stone. Gao Yan, autrice taïwanaise, est de cette génération d’artistes souhaitant percer dans le monde sans pitié du manga. Attirée très tôt par le Japon et diplômée à la National Taiwan University of Arts, elle se lance d’abord dans l’illustration avant de commencer le manga avec sa première oeuvre, The Song About Green, qui parle déjà des accointances entre les cultures taïwanaises et japonaises. Mais Sukima, qui nous intéresse aujourd’hui, dévoile une artiste qui veut parler de son pays et de l’histoire qui l’accompagne.

Sukima raconte l’histoire de Yang Yang, une étudiante qui s’occupe de sa grand-mère malade et se pose des questions sur sa relation amoureuse actuelle qui devient de plus en plus toxique. Elle profite d’une opportunité pour partir au Japon (plus précisément Okinawa) grâce à un échange universitaire et ainsi enchaîner les rencontres et trouver petit à petit son identité tout en recomposant avec ses idéaux politiques. L’histoire alternera donc entre les découvertes de la culture japonaise et les étudiants qui peuplent son université et des flashbacks de sa vie d’activiste pour soutenir certaines décisions politiques avant qu’elle parte en échange universitaire.

Très vite dans Sukima, on sent que Gao Yan veut parler de ses racines et de l’histoire complexe de Taïwan. Revendiqué par la Chine, Taïwan est un pays qui a subi beaucoup de remous après la Seconde Guerre Mondiale, dont une dictature difficile et sanguinaire qui a laissé une trace indélébile chez les habitants de l’île avant d’arriver à une démocratie très fragile. On ne sait pas à quel point Sukima est autobiographique, mais ces deux premiers tomes, au-delà de l’aspect graphique parfois un peu fragile mais très percutant sur le découpage de certaines cases, parviennent à rester didactique pour remettre en contexte l’histoire du pays. Son dessin très délicat ne laisse aucunement soupçonner le virage engagé que prend l’histoire, ce qui rend le manga encore plus percutant. Gao Yan profite de l’inexpérience des débuts de son héroïne pour rappeler qu’il y a une jeunesse taïwanaise pas forcément soucieuse des questions politiques, et que Yang Yang se retrouve impliquée là-dedans par l’entremise de cette fameuse relation amoureuse qui deviendra peu à peu compliquée.

La force de Sukima est de parvenir à équilibrer le récit pour donner envie d’en savoir plus sur l’histoire de Taïwan tout en brossant le portrait de personnages bien plus subtils qu’il n’y paraît, surtout dans ceux que Yang Yang rencontre à Okinawa. L’île japonaise n’est évidemment pas choisi par hasard, puisque qu’elle n’a pas toujours été associé au Japon et possède sa propre culture. Le parallèle avec Taïwan est évident, et Gao Yan s’en sert pour tisser les liens entre les habitants qu’elle rencontre et ses combats politiques encore actuels, notamment concernant les droits des personnes LGBTQIA+ à Taïwan qui a sa propre histoire sur ce sujet. Il y a une vraie force dans ce manga qu’on ne soupçonne pas au premier regard, celle d’assumer un propos politique fort et de souligner l’importance du militantisme. Tout ceci profite aux personnages qui gagnent en profondeur. Sukima étant composé de quatre tomes, il faudra attendre la sortie des deux derniers tomes pour se prononcer définitivement, mais cela permet déjà de noter Gao Yan comme une artiste à suivre de très près.

Sukima / Gao Yan / Casterman / Deux tomes sortis, prévu en quatre

Les films gratos du mois

Ce mois-ci: quelques films de James Gray pour les amateurs de grand cinéma américain, et des petites curiosités avec Yves (et une sélection Philippe Katherine sur france.tv) ou Retour à Séoul. Des premiers films de réalisateurs.rices reconnu.e.s comme Double Mise de PTA ou Naissance des pieuvres de Céline Sciamma.

Yves (Benoit Forgeard - 2019)
Grâce à Dieu (François Ozon - 2019)
Toni en famille (Nathan Ambrosioni - 2023)
Misery (Rob Reiner - 1990)
Les derniers parisiens (Hamé Bourokba & Ejoué Labitey - 2019)
Naissance des pieuvres (Céline Sciamma - 2009)
Retour à Séoul (Davy Chou - 2022)
Melancholia (Lars von Trier - 2011)
Two Lovers (James Gray - 2008)
The Yards (James Gray - 2000)
Double Mise (Paul Thomas Anderson - 1996)
Spider-Man Homecoming (Jon Watts - 2017)

Playlist du mois

Ce mois-ci, Olivier Derivière revient sur la licence A Plague Tale après les deux premiers opus, et nous régale avec une soundtrack plus méditérranéenne qui remplit parfaitement son office. Il faudra aussi compter sur la BO de Sovereign Tower mais aussi l’arrivée des musiques de Planet of Lana 2, toujours par Takeshi Furukawa. Petite curiosité avec Veritas Tales et le retour de Hitoshi Sakimoto (FF Tactics). On pourra aussi profiter des musiques très éclectiques du fighting game Marvel Tôkon.

Côté ciné/séries, House of the Dragon Saison 3 prend le pli, mais c’est Michael Giacchino avec son très joli score sur le dernier et sympathique film Spider-Man qui réserve de belles surprises. De l’autre côté, le film Oklahama Honey (ou The Rivals of Amziah King en VO) permet d’avoir quelques chansons dans la playlist.

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Misc

Côté JDG, la saga de l’été sur les fangames Sonic continue et reste toujours aussi passionnant à découvrir pour peu que l’on découvre ce pan du jeu vidéo

Pile poil pour la sortie du nouveau Gears of War (comment ça, c’était voulu ?), Toujours Thomas revient sur la saga et tous les épisodes sortis jusqu’à présent

Retour sur The Dark Knight et comment Nolan a crée un vrai monument du film de super-héros, en s’appuyant sur les différents formats disponibles

C’est l’occasion de rappeler que le prochain film des studios Laika, Wildwood, sort en fin d’année et le studio enchaîne les vidéos BTS ce qui permet d’apprécier le travail de malade fait pour le film

Un video club Konbini qui invite Eric Cantona à parler de ses films préférer, avec toute la sincérité qu’on peut lui attribuer

Zeph et Ramo s’attaque à la création du film Little Nemo, projet d’animation pharaonique qui devait réunir les plus grands noms du milieu mais c’est aussi une vidéo passionnante qui parle de l’art collectif et de combien c’est difficile

Retour sur le film Le Jour d’Après chez EcranLarge et de comment il amène du propos par sa mise en scène au sein d’un film catastrophe

En cet été 2026, difficile de ne pas poursuivre les palabres débutées dans l’édito du mois dernier concernant le “reset” de Xbox. On s’y attendait, c’était annoncé, le couperet est donc tombé et c’est quand même difficile: Xbox licencie 3200 personnes et se sépare de quatre studios. Pour rappel, depuis le rachat d’Activision Blizzard et d’autres studios jusqu’à 2024, Microsoft n’a eu de cesse de couper dans le lard en supprimant bon nombre de postes, dans toutes leurs branches (pas seulement Xbox). Juste après l’acquisition de Activision Blizzard, 1900 postes sont directement supprimés. Puis mai 2024 annonce la fermeture des studios Arkane Austin et Tango Gameworks (Hi-Fi Rush), 650 personnes en septembre 2024 de plus licenciés, et enfin en juillet 2025, pas moins de 9000 personnes dans toute l’entreprise Microsoft, entraînant l’annulation de plusieurs jeux comme le nouveau Perfect Dark, la fermeture de studio comme The Initiative qui n’a même pas eu le temps de sortir des jeux, ou la grosse réductions d’effectifs chez Rare et Turn 10 (Forza). Faisons donc le point sur cette nouvelle salve qui continue à plonger la marque Xbox dans le chaos le plus total.

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Concernant les cinq studios, ils ne sont pas fermés à proprement dits mais comme on l’avait supposé, ils n’appartiennent plus à Microsoft et sont libres de reprendre leur indépendance ou de trouver un nouvel acheteur. Il s’agit donc de Double Fine (Psychonauts), Compulsion (South of Midnight), Undead Labs (State of Decay) et Ninja Theory (Senua). Compte tenu de sa position en tant que studio français, Arkane à Lyon (Dishonored) reste en suspens car la protection sociale française complique les procédures (fort heureusement) et lui permet de tenir un peu, mais difficile d’imaginer que leur gros projet Marvel sur l’adaptation de Blade va tenir le choc. Pour les autres studios, on pourra rapidement louer l’intention de Microsoft de ne pas fermer les studios et de leur permettre de s’en sortir, mais on n’oubliera clairement pas les milliards dépensés pour s’offrir Call of Duty à côté de ces studios proposant autre chose, ou l’investisemment massif de la société dans l’IA. Double Fine et Compulsion Games ont déjà précisé qu’ils redeviennent indépendant en conservant toutes leurs licences, fort heureusement. Ninja Theory et Undead Labs, quant à eux, ont chacun un projet pour tenter de survivre (respectivement Senua et State of Decay 3). Ils devraient rejoindre de nouveaux propriétaires, qui ne sont pas encore dévoilés.

Les autres studios, principalement ceux qui font partie de Bethesda, sont ceux qui souffrent le plus: ils existent encore mais sont restructurés en profondeur. Obsidian (Outer Worlds, Grounded) voit 52 employés être remerciés. Si Avowed et The Outer Worlds 2 n’ont pas eu le succès escompté, on peut dire que le succès des deux Grounded leur permet de tenir le choc encore un peu. Cela ne veut pas dire que le studio va faire ce qu’il veut, puisque la suite de Avowed est purement annulé, et que la priorité d’Obsidian est un nouveau jeu Fallout, une licence qui rapporte encore beaucoup (merci la série Amazon). Josh Sawyer, le gars à la tête de New Vegas (déjà développé par Obsidian à l’époque), revient pour chapeauter le projet.

Chez id Software, reponsable de la licence Doom entre autres, ça a crunché sévère pour sortir dans les temps le nouveau DLC de Doom: The Dark Ages, avec pour toute récompense le licenciement de 136 personnes, dont certains postes qui étaient là depuis 20 ans. Une perte d’expérience et de savoir violente, et certains employés affirment déjà que le moteur id Tech est probablement perdu étant donné les personnes licenciés du studio, même si Microsoft affirme le contraire. On attendra de voir les nouveaux projets du studios, qui pourrait juste faire du soutien, mais la violence des licenciements est réelle: selon certaines sources, on parle d’un appel de 60 secondes pour annoncer la nouvelle, et des gros soucis de communications pour pouvoir rebondir. Sachant qu’on parle aussi du fait que seuls 1600 personnes ont été licenciés immédiatement, et que les 1600 autres seront annoncés plus tard, les employés restants se retrouvent donc avec une pression monstre.

Côté Besthesda, on compte 50 licenciements qui ont sapé le moral des employés restants, surtout que le studio est sur un des jeux les plus attendus: le prochain Elder Scroll VI, qui a encore besoin de plusieurs années de développement avant de voir le jour. A côté de ça, Bethesda reste Bethesda et essaye de sauver les meubles en annonçant que oui oui, la licence Fallout continuera de vivre à travers plusieurs projets. Outre le nouveau Fallout chez Obsidian cité plus haut, des remasters de Fallout 3 et New Vegas sont en préparation (sûrement chez d’autres studios prestataires comme pour Oblivion), une extension de Fallout 76 arrive et Fallout 5 rentre en pré-production. Comment ça des nouvelles licences ?

On verra ce que l’avenir réserve à la marque Xbox, qui compte maintenant uniquement sur les licences qui vendent, et qui permettent aux studios de survivre, comme Halo Studios, The Coalition (Gears of War), Turn 10 (Forza Motorsport), Playground Games (Forza Horizon), Rare (Sea of Thieves) et inXile (Clockwork Revolution). Pour ce dernier, autant dire qu’un tel jeu complètement original tient là son radeau de survie et qu’un semi-échec serait probablement fatal pour le studio. Difficile de voir comment Xbox pourrait s’en sortir, mais avec autant de mauvais choix faits ces dernières années et des employés qui subissent des conséquences qu’ils n’ont pas choisi, on sait déjà qui est le méchant dans cette histoire.

[#film] - Kill Bill: The Whole Bloody Affair

En 2003 et 2004 sortait coup sur coup Kill Bill Volume 1 et Volume 2, un diptyque réalisé par Quentin Tarantino qui racontait la vengeance de La Mariée, une ancienne tueuse à gages d’une mystérieuse organisation criminelle. Alors qu’elle décide de se ranger de cette vie dangeureuse en se mariant à un vendeur de disques, enceinte qu’elle est, ses anciennes camarades arrivent dans la répétition de la cérémonie de son mariage et font un massacre. Mais La Mariée survit et se réveille quatre ans plus tard, ayant perdu son enfant mais résolument engagée à se venger de celles et ceux qui lui ont tout pris, à commencer par ces quatre anciens collègues pour terminer par le patron de cette organisation: Bill.

Dès 2004, Tarantino projette une version intégrale de ses deux films en un seul métrage, nommé The Whole Bloody Affair, mais dans des projections très privées. Cette version d’une durée de plus de quatre heures sera projetée à certaines occasions, notamment en 2011 dans un cinéma de Los Angeles puis plus rien pendant de nombreuses années. Ce n’est que l’année dernière aux USA puis cette année en France que cette version intégrale débarque enfin pour le commun des mortels.

On trouve plusieurs changements dans cette version. Déjà la censure de la grande scène de bataille contre les 88 dans le Volume 1, où la séquence était passé en noir et blanc pour éviter des problèmes d’interdiction, a disparu et tout est intégralement en couleurs, avec l’ajout de plusieurs petits plans sanguinolents en plus, déjà présents dans la version japonaise. On signalera également la perte de toute une partie entre les deux films censés teaser la suite ou résumer la partie 1 dans le volume 2, puisque devenus inutiles. Le gros teasing à la fin du Volume 1 disparaît complètement et rend la surprise dans le Volume 2 bien plus fort pour ceux qui ne sont pas au courant. Enfin, le plus gros ajout sera certainement une séquence d’animation supplémentaire pour accompagné tout le flashback déjà animée autour d’O-Ren Ishii. Sur le papier, rien d’essentiel, mais cela ajoute une scène d’action bien fichu qui donne un peu plus de substance au personnage, notamment sur les objets qu’elle a gardé de ses parents assassinés.

On pourra aussi noter des ajouts mineurs, des plans par-ci par-là, en vérité rien de particulièrement sensationnel qui justifierait un vrai revisionnage pour ceux qui ne sont pas particulièrement attaché aux films originaux. Là où certains director’s cut changent véritablement le rythme, la structure voire même les intentions d’un film, ici nous ne sommes pas vraiment sur ce genre de version. L’idée est surtout de voir la vision originale du réalisateur qui ne souhaitait pas couper son film de prime abord, et donc de profiter de toute l’histoire d’un bloc. Cela rend aussi le Volume 2, un peu alourdi par son segment final, plus digeste quand il est visionné avec tout le reste.

Pour tout le reste, Kill Bill reste Kill Bill: c’est toujours une véritable lettre d’amour au cinéma de genre, d’arts martiaux, agrémenté d’une BO culte qui emprunte autant aux musiques de westerns que du cinéma chinois de la Shaw Brothers. Les inspirations sont nombreuses, mais Tarantino parvient à ne pas simplement singer le cinéma qui l’inspire mais bien à proposer sa propre grammaire et à montrer sa maestria en terme de mise en scène et d’idées. Le pinnacle autour de la grande séquence de combat centrale, son costume jaune rendant hommage au Jeu de la Mort, le morceau endiablée des The 5.6.7.8’s Woo Hoo, cette caméra qui voltige au-dessus des différentes pièces: Kill Bill est d’une maîtrise ahurissante et parvient à rendre crédible ce monde criminel qui vivote sur un culte du sabre invraisemblable. Kill Bill: The Whole Bloody Affair permet surtout de redécouvrir un monument du genre, un film qui ne vieillit pas d’un iota et qui parvient à se renouveler constamment tout au long de cette histoire de vengeance pour brasser mille et une références. Toujours un vrai chef d’oeuvre du cinéma qu’il est bon de revoir dans les salles obscures.

Kill Bill: The Whole Bloody Affair / Réalisé par Quentin Tarantino / Avec Uma Thurman, Lucy Liu, Vivicia A. Fox, David Carradine / Sortie le 8 juillet 2026

[#série] - Widow’s Bay

Tom Loftis est l’heureux maire d’une petite île de Nouvelle-Angleterre: Widow’s Bay. Enfin, il aimerait être heureux mais malheureusement l’horrible réputation de son petit bout de terre empêche l’île de profiter d’un tourisme salvateur pour son économie. Les habitants étant fortement attachés à de vieilles superstitions, rien n’est fait pour arranger cela et Tom va tout faire pour que Widow’s Bay soit au centre de l’attention pour de bonnes raisons, même si petit à petit il va découvrir que les superstitions ou les légendes insulaires ne sont pas si fantaisistes que ça.

Quel étrange série que Widow’s Bay. Diffusée par Apple TV+ et crée par Katie Dippold, qu’on a déjà vu à l’écriture de Parks and Recreations, Widow’s Bay prend le pari de créer un mélange audacieux entre l’horreur et la comédie, tout en tentant de garder un fil rouge crédible et un premier degré très fragile. Un mélange très délicat à avoir quand l’un des deux genres n’arrive pas à toucher comme il le faudrait. C’est là où la série arrive à tirer son épingle du jeu: elle parvient constamment à conserver son ton, sans jamais virer dans le pastiche, mais en rajoutant des touches d’humour presque grinçant pour mieux appuyer la dimension horrifique. La vraie trouvaille de Widow’s Bay, c’est d’avoir réussi à piocher dans les tropes les plus connus des films d’horreur pour les intégrer dans un récit au long cours tout en les détournant très légèrement grâce à des personnages burlesques qui vont être confrontés à ces événements.

Ce sont surtout deux personnages sur lesquelles les épisodes vont tourner. Tout d’abord le maire Tom Loftis, brillamment incarné par Matthew Rhys qu’on n’avait pas l’habitude de voir dans ce registre mais qui s’en sort divinement bien. Rapidement dépassé par les événements et surtout bien plus prompt à se débarasser des malédictions pour sauver la réputation de son île plutôt que ses habitants (en tout cas au début), il sort du lot par son espèce de bonhommie et son côté pleurtre mais dont la sincérité et sa balance entre les bons et les mauvais choix le rendent attachant. De l’autre côté, Patricia, magnifiquement jouée par Kate O’Flynn, l’assistante de Tom Loftis, mais aussi rescapée d’un croque-mitaine qui a décimée une partie de ses camarades de classe quand elle était au lycée. Son jeu, entre malaises et fulgurances héroïques, est parfait pour exprimer ce personnage un peu mal dans sa peau mais qui capte une force héroïque géniale au milieu des moments plus sombres. Le reste du casting est tout aussi excellent, comme Wyck Crawford, le bourru de la ville qui est au courant de toutes les superstitions du coin, ou Rosemary, une adjointe à la mairie qui n’a pas la langue dans sa poche et réservera une scène hilarante autour de la généalogie d’un personnage.

Widow’s Bay jongle habilement avec les tropes du cinéma d’horreur, s’approchant presque de l’anthologie afin de venir piocher là où il veut pour distiller ses éléments et confronter ses personnages à leurs peurs. Que ce soit le slasher digne de Halloween ou le culte démoniaque qui tourne mal, tout est prétexte à créer une tension palpable. La série ne sombre jamais complètement dans la comédie ni dans l’horreur, mais parvient à jouer sur les deux tableaux tout en mettant poussant les personnages dans leurs retranchements jusqu’à se servir de leur peurs comme des moments drôles ou même touchants. Certains personnages pâtissent de ce côté anthologique en étant laissé de côté et dépassant rarement leur première impression caricaturale, comme le fils de Tom, Evan, qui aura du mal à exister en dehors de jouer le con avec ses copains. Il réside également un ou deux épisodes un peu en-dessous qui traine la patte face à certains épisodes géniaux. On pense rapidement à l’épisode 4 centré sur Patricia, qui réussit parfaitement à mélanger l’inquiétant, le malaisant et le burlesque, comme une Carrie des temps modernes. Ceux qui ne sont pas adeptes de l’horreur pourront tenter l’aventure, même si certains passages pourront faire peur car la série traite cette dimension avec relativement de sérieux, et les autres pourront se régaler devant cette curiosité de grande qualité, déjà renouvelé pour une seconde saison.

Widow’s Bay / Créée par Katie Dippold / Avec Matthew Rhys, Kate O’Flynn, Kevin Carroll / Une saison (10 épisodes) / Disponible sur AppleTV+

[#jeu vidéo] - Denshattack !

Le premier trailer de Denshattack ! aura réussi à en intriguer plus d’un: avec une esthétique proche des jeux Dreamcast et un concept aussi débile que génial, le jeu est directement arrivé dans les attentes des joueurs, et la démo jouable sorti il y a quelques mois aura convaincu les plus récalcitrants. Maintenant que le jeu est arrivé et terminé par bon nombre de joueurs, le constat est sans appel: Denshattack! est probablement le jeu le plus rafraîchissant de cet été vidéoludique.

On n’a pas encore parlé du concept, et le résumer est très simple: vous êtes au commandes d’un wagon de train, qui peut littéralement sauter en l’air en faisant des tricks, grinder voire même drifter, dans des circuits effrénés à travers le Japon. On pourrait résumer Denshattack! à un Tony Hawk Pro Skater mais avec un train et accessoirement que votre véhicule est bloqué sur des rails, et qu’il faudra jouer sur ses réflexes pour arriver à la fin des circuits. Chaque circuit est basé sur du pur scoring, partagé dans plusieurs catégories: les points faits grâce aux différentes figures, votre temps pour arriver à la ligne d’arrivée et enfin les différents défis et autres objets à récupérer sur la route. Car chaque circuit embarque avec lui des secrets bien cachés, des raccourcis qu’il faudra emprunter avec doigté pour réussir des petits challenges comme faire des tricks au-dessus de statues Moaï ou encore arriver à finir le circuit sans aucun accident. Tous sont des objectifs complètement facultatifs, réservés aux obstinés.

Mais alors, comment joue-t-on à Denshattack ? Une fois le train lancé, aucune possibilité de revenir en arrière, sauf dans certains niveaux plus ouverts, et le train est capable de ralentir d’une simple touche. Une touche de saut laissé appuyé puis relâché permet de bondir plus ou moins haut afin d’éviter les nombreux obstacles. Mais le jeu se complexifie quand il faudra enchaîner les différents mouvements en fonction des obstacles. Un simple virage demandera de drifter en appuyant sur la touche de frein afin de remplir une jauge et ne pas dérailler, voire même de capter un petit boost si vous relâchez au bon moment. Un obstacle trop haut devra être esquivé en smashant en l’air vers le sol pour revenir plus vite sur les rails. Les murs pourront être utilisés pour wall jumper, les rambardes pourront être grinder, et il faudra être attentif pour switcher latéralement entre les différents rails quand le chemin s’arrête brutalement. On pourra même faire des “manuals” comme en skate, de manière à ne pas perdre son compteur de combo. Un compteur qui peut aller très loin, mais avec le risque qui va avec: si jamais un accident survient afin que celui-ci ne se valide, tous les points seront perdus. Une jauge arc-en-ciel se remplira également au fur et à mesure de vos exploits, et une fois remplie, elle débloquera des chemins alternatifs avec des rails colorés, souvent pour trouver des secrets supplémentaires.

Avec tout ça, Denshattack! est impitoyable avec ceux qui cherchent le score ultime. Les circuits peuvent aller très vite pour peu que vous enchaîniez les tricks et les drifts parfaits, et il faudra avoir une mémoire musculaire impeccable pour réagir à temps et se souvenir de quelle touche appuyer en fonction de la situation. Le jeu amène de nouvelles features jusqu’à tard dans l’aventure, et c’est peut-être un petit défaut: il ne sait pas s’arrêter dans l’outrance en amenant continuellement de nouvelles choses, au point que les derniers circuits deviennent un peu bordéliques dans sa lisibilité avec le nombre de mouvements à assimiler. Autant dire qu’une pause trop longue entre deux sessions de jeu sera fatale pour se remettre dans le bain tant le jeu est exigeant sur les réflexes du joueur. Ce qui ne rend pas le jeu difficile pour autant, car Denshattack! est très généreux en checkpoints et le titre se finit sans réelle autre difficulté que de faire des scores minables si l’on est vraiment pas bon.

Mais l’une des forces de Denshattack! est probablement son enrobage qui en fait un titre avec une véritable patte, s’approchant de l’ambiance de Jet Set Radio par exemple. Evidemment, l’extraordinaire bande-son n’y est pas innocente, puisque tout comme Jet Set Radio en son temps, la BO mixe tout un tas de genre voire même bien plus: funk, j-pop, hip-pop, tout est bon à prendre, pioche même justement chez JSR en invitant des gens comme Richard Jacques et des cadors du genre comme Andrew One ou Ryo Nagamatsu.

Côté background, tout est également léché et fait avec soin. L’aventure profite même d’une petite histoire mettant en scène votre personnage, Emi, une jeune conductrice de trains qui livre des ramens. Grâce à un talent inné pour le Denshattack, elle va affronter les différents gangs du pays dans cette discipline, jusqu’à s’opposer aux méga-corporations qui contrôlent tout l’archipel et qui enferment les habitants dans des dômes pour les préserver d’une catastrophe écologique. Le scénario arrive à placer quelques rebondissements à travers des niveaux bien pensés et originaux, tout en s’amusant avec les tropes japonais que l’on connaît et proposant des combats de boss tous plus fous les uns que les autres. Même le travail de l’interface est impressionnant, jouant sur un graphisme efficace et parfaitement dans le ton, et un chara design franchement inspiré. Sur ce plan-là, Denshattack! pourrait aisément passer pour un jeu Sega qui jouerait à fond la carte du graphisme à l’ancienne avec talent.

Même la durée de vie n’est pas en reste, avec pas moins d’une cinquantaine de niveaux qui se répètent que très rarement, et un final qui n’hésite pas à aller encore plus loin dans le délire. Denshattack! est clairement une des très bonne surprises de cette période estivale: sa bonne humeur, son fun absolu si vous aimez les jeux de réflexes et sa capacité à assumer jusqu’au bout un concept qui aurait pu s’arrêter au bout de deux niveaux en font un titre réellement indispensable pour les amateurs du genre, malgré les quelques défauts de lisibilité qui n’entravent jamais le plaisir de jeu.

Denshattack ! / Développé par Undercoders / Sortie le 15 juillet 2026 / Disponible sur PC/PS5/Xbox Series X/Switch 2 / Prix: 20 euros

[#comics] - Exquisite Corpses

On avait déjà parlé de l’auteur James Tynion IV à l’occasion de son comics The Nice House on the Lake qui a figuré en France parmi les gros succès toutes bandes dessinées confondues. L’auteur, très prolifique dans le domaine de l’horreur, a réussi à créer des séries encore en cours aujourd’hui en allant chercher des tropes éculées pour les porter sur des histoires prenantes et souvent réussies, comme les monstres avec Something is killing the children, la paranoïa avec Department of Truth ou les réseaux sociaux avec W0rldtr33.

Pour Exquisite Corpses, le projet est quelque peu différent, puisque l’auteur y construit un véritable microcosme via sa boîte de production Tiny Onion, dans le but de le diversifier dans divers domaines comme le cinéma. Mais le principe de cette première maxi-série en 13 numéros est aussi de jouer sur ce terme de “cadavre exquis” qui donne son nom au comics: chaque chapitre sera dessiné par une équipe créative différente, et la suivante devra reprendre l’histoire là où elle en est avec son style à elle. Mais quid de l’histoire ? Ici, James Tynion IV ne réinvente pas la roue puisqu’il se base sur le principe connu du battle royale. Ici, les 12 familles les plus riches d’Amérique du Nord représentent chacune un des états qui a le contrôle sur le pays. Mais une seule famille a le pouvoir sur toutes les autres, afin d’avoir un état leader, le tout dans le plus grand des secrets. Tous les cinq ans, ce pouvoir est remis sur la table et chaque famille choisit un tueur avec une arme tirée au hasard. Une ville est alors isolée du reste du pays et devient l’arène de ce jeu de massacre, sans en parler à la population du coin évidemment, qui deviennent alors des dommages collatéraux au milieu de tueurs psychopathes.

James Tynion IV et Michael Walsh invente alors cet espèce de tournoi sur treize numéros où l’on va suivre l’avancée de ces tueurs, certains plus sains d’esprits que d’autres, afin que les plus riches puissent décider du contrôle du pays en jouant sur le côté spectacle de voir une ville sombrer petit à petit. Evidemment, le comics va aller piocher plusieurs personnages dans cette petite bourgade tranquille qui vont avoir conscience de ce qui les attend et vont tout tenter pour survivre et s’enfuir de ce carnage. On pense évidemment à Squid Game sans la partie “épreuves”.

Sans être un indispensable, Exquisite Corpses s’avère être plutôt divertissant. Si l’histoire accuse d’un petit coup de mou sur le milieu de son intrigue, la série arrive à tenir son concept jusqu’au bout tout en réservant son lot de surprises. Rien de révolutionnaire, mais le suspense fait que l’on passe d’un chapitre à un autre avec un minimum de curiosité, grâce à des rebondissements savamment distillés - complots, alliance imprévues, évolutions de personnages. A la fin de ses treize chapitres, la série laisse même plusieurs ouvertures pour une suite, ou même des spin-offs déjà prévus, pour se concentrer sur certains tueurs. Niveau graphiques, on a ici des beaux noms de l’industrie des comics - Jordie Bellaire, Tyler Boss, Gavin Fullerton - qui arrive plutôt bien à amener leur style sans casser une certaine cohérence entre les chapitres, ce qui n’est pas évident pour un projet de ce genre. Un comics qui n’a jamais la prétention d’amener beaucoup de réflexion mais reste très efficace dans son genre.

Exquisite Corpses / James Tynion IV & Michael Walsh / Urban Comics / En fascicules (7 numéros/8 euros par numéro), en albums (3 tomes/18 euros par tome) et en intégrale en fin d’année (42 euros)

Les films gratos du mois

Ce mois-ci: sélection réduite du côté des services gratuits. Tout juste Arte nous gratifie d’une sélection sur le cinéma iranien, avec l’excellent Les graines du figuier sauvage (dont j’avais parlé ici) ou Taxi Téhéran, et France.tv privilégie quelques classiques comme Aviator ou de la comédie française comme La Bonne épouse.

La bonne épouse (Martin Provost - 2020)
Les graines du figuier sauvage (Mohammad Rasoulof - 2024)
In the air (Jason Reitman - 2009)
Aviator (Martin Scorsese - 2004)
Le maître du jeu (Gary Fleder - 2003)
Continuer (Joachim Lafosse - 2018)
Le hussard sur le toit (Jean-Paul Rappeneau - 1995)
Taxi Téhéran (Jafar Panahi - 2015)

Playlist du mois

Ce mois-ci, ça va être difficile de ne pas passer à côté de l’excellente BO de Denshattack! chroniqué plus haut. Haute de 80 morceaux, l’album propose un beau panel très riche et varié, et représente un bon pourcentage de la sélection de ce mois-ci. Si vous préférez du métal, le dernier DLC de Doom: The Dark Ages va vous satisfaire, ou si la musique slave vous fout quelques frissons, réjouissez-vous avec les musiques de Scarlet Deer Inn.

Côté cinéma, c’est trusté par la sortie de The Odyssey de Nolan, dont la musique de Ludwig Göransson réussit à sublimer le film avec un thème qui reste en mémoire et l’utilisation de touches d’instruments subtiles mais vraiment riches. Outre quelques morceaux de Death of Robin Hood, les fans de roooock pourront se rabattre sur l’étonnant album de Masters of the Universe, où Daniel Pemberton s’associe au guitariste Brian May pour composer des musiques qui sentent les années 80.

La playlist 2026 est disponible sur une seule playlist Youtube, pour plus de simplicité, et sera mise à jour au fur et à mesure. La version Spotify est toujours disponible.

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Misc

Le chouette Evil Dead Burn a débarqué en France par le réalisateur français de Vermines, c’était donc logique qu’il passe chez le Video Club avec Flober

Si vous l’ignoriez, sachez qu’il existe tout un monde sur les fangames de Sonic, et JDG consacré une série de vidéos sur le sujet

Le Village est peut-être un des films de Shyamalan qui divise le plus, et EcranLarge tente une analyse sur les thématiques du film

Le vidéaste Ego revient avec un épisode consacré à Minecraft mais surtout à l’attachement que l’on peut avoir sur un être vidéoludique

On connait Carlito comme un passionné de bande dessinées, et c’est très agréable de voir qu’un duo aux millions d’abonnées sur Youtube prenne le temps de donner d’excellentes recommandations sur le sujet et de soutenir les librairies indépendantes

Pour les 50 ans des Dents de la Mer, National Geographic met à disposition un gros documentaire qui revient sur la création de ce film culte

Alors que la canicule s’installe pour la troisième fois par chez nous, les festivaux festivals d’été commencent à arriver, et parmi eux, celui qui ravit chaque année les férus d’animation: le festival international du film d’animation d’Annecy. Comme chaque année, les noms célèbres fusent, et comme chaque année, le système d’accréditation et de réservation amènera son lot de frustration et d’incompréhension où il faut être à une heure T pour espérer réserver les séances que l’on veut voir sous peine d’avoir une accréditation qui ne sert pas à grand chose. Une manière de ne pas mettre les séances sous pression parce que le nombre d’accrédités est toujours plus croissant (même si un peu plus stable), ce qui semble plus important que d’amener un festival à taille humaine.

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Cette année est un jalon dans l’histoire du festival puisqu’il c’est l’inauguration de la Cité de l’animation. Ce sont les haras d’Annecy qui accueillent désormais un lieu rénové pour l’occasion, afin d’ouvrir un musée permanent sur l’animation, ainsi que plusieurs expositions temporaires. Cette année, c’est une expo consacrée au futur film Wildwood du studio Laika à l’honneur ainsi qu’une autre sur le studio Ankama (Dofus). La cité offre aussi une salle intérieure ainsi que des projections en plein air. Si le musée permanent était sympathique sur ses quelques activités (dont une de doublage), le contenu était plutôt maigre et se focalisait trop sur un aspect patrimoine et européen qui limitait beaucoup les oeuvres plus modernes comme toute l’animation 3D, quasiment absente. Pour le reste, reconnaissons que la présence d’une salle de projection supplémentaire a permis de fluidifier la quantité de visiteurs cette année.

Côté visionnage, j’aurais privilégié les longs-métrages plutôt que les courts, et il fallait bien ça pour profiter à fond des deux sélections officielles qui rivalisaient d’oeuvres de qualités avec les nombreuses séances spéciales. Les deux épisodes de la nouvelle série Ghost in the Shell par le studio Science Saru ont été de vraies belles surprises tant le style graphique rappelle immédiatement le manga plutôt que le film de Oshii, avec un aspect plus comique et sexy qui lui va bien. On notera aussi les présentations des futurs films Disney et Pixar. D’un côté Hexed, qui va explorer chez Disney un univers de sorcières plutôt alléchant à défaut d’être original dans son style graphique. De l’autre, Gatto, le Pixar de 2027 qui tente déjà bien plus de choses côté artistique avec un chat noir grimée de quelques coups de pinceaux dans un Venise plutôt enivrant. Mais à côté des films à venir, le cru Annecy 2026 était particulièrement bon avec très peu de films décevants et beaucoup de productions européennes qui auront marqué les spectateurs.

Le Corset

Probablement un des longs-métrages que beaucoup attendaient. Première réalisation de Louis Clichy, qui s’est démarqué il y a quelques années par sa co-réalisation avec Alexandre Astier sur les films d’animation Astérix, il revient ici sur le style qu’il a développé avec son court-métrage A quoi ça sert l’amour, où son trait simple mais percutant, rappelant parfois Le Petit Nicolas, avait su séduire. On suit ici le parcours de Christophe, 11 ans, qui vit dans une ferme de la Beauce dans les années 80. Un jour, il se rend compte qu’il penche régulièrement sur le côté sans pouvoir se contrôler, et pour corriger ça, les médecins l’obligent à porter un corset orthopédique. Très vite, son handicap va le mettre en conflit avec son père et il va tenter de trouver un refuge dans l’apprentissage de l’orgue de l’église du village.

On le voit dès les premières images: c’est très beau, c’est magnifique, et le style d’animation très doux et inspiré, orné de couleurs en aquarelle, marque les esprits immédiatement. La justesse de ses tons pastels donnent des ambiances champêtres matinales sublimes et ça permet de jouer sur des moments plus poétiques et imaginaires qui fonctionnent super bien, surtout quand Stéphanie de Monaco est autant mise à l’honneur. L’histoire surprend par l’émotion qui survient petit à petit, dans cette relation entre Christophe et son père qui joue beaucoup sur la fibre familiale et émotionnelle. Le film amène de vraies problématiques sur le milieu agricole sans que ce soit lourd. Même l’aspect années 80 est disséminé de manière maligne sans sombrer dans la nostalgie facile, bien plus centré sur un sensoriel enfantin plutôt qu’un amas de références. Tout est fait avec doigté et soin, et le film reste en mémoires par les émotions vécus et certaines séquences marquantes. Un vrai coup de coeur et ça sort en octobre au cinéma.

Tangles

Années 1990. Sarah vit à San Francisco et est dessinatrice pour un magazine queer. Elle commence à trouver sa place et son talent est de plus en plus mis en avant à travers ses illustrations. Mais lors d’une visite chez ses parents elle se rend compte que sa mère agit bizarrement, et après un diagnostic chez un médecin, la sentence tombe: sa mère est atteint d’Alzheimer. Elle va commencer alors à faire des allers-retours chez ses parents pour prendre soin d’elle et s’assurer que tout aille bien, tout en mettant sa vie privée complètement de côté.

Tangles est probablement mon plus gros coup de coeur du festival. Film américain qui adapte un roman graphique de Sarah Leavitt, c’est Leah Nelson qui réalise cette adaptation dans une animation 2D superbe tout en noir et blanc. Le style graphique évoque le dessin rond et typique des cartoons américains, mais dans une animation plus réaliste, plus sensible, avec de vraies fulgurances sublimes pour représenter la douleur et l’impuissance face à la maladie. On pourrait croire qu’un film sur la maladie d’Alzheimer soit difficile à voir, d’autant plus que Tangles se concentre sur le point de vue des aidants, et effectivement, le film touche juste et très vite, ceux qui ont pu vivre ce genre de situations y trouveront un écho particulier. Mais lorsque le film se termine, même si les yeux sont humides, on ne ressort pas avec un sentiment lourd et pénible. La manière dont le film arrive à ajouter de la légèreté, un peu d’humour, surtout grâce à une écriture des personnages sensible et authentique, rend Tangles étonnamment digeste, surtout grâce à une écriture des personnages sensible et authentique. Oui, c’est larmoyant parce que le sujet l’est, mais il arrive à trouver le bon dosage pour ne pas rendre ça plombant, et c’est ce qui le distingue de ce genre de thématiques. Et aussi le signe des grands films. Ça sort en janvier 2027 en France sous le titre Méli Mélo, et c’est déjà un immanquable.

In Waves

Adaptation du roman graphique d’AJ Dungo, le film raconte l’histoire d’AJ, un adolescent qui fait la rencontre de Kristen à Los Angeles et qui lui apprend les rudiments du surf pour le faire sortir de sa coquille. Une histoire d’amour naît entre les deux personnages, mais l’avenir est compromis lorsque Kristen découvre qu’elle est atteinte d’un cancer qui les oblige à tout remettre en question.

Ici aussi on a droit à une adaptation d’un roman graphique qui aura su faire parler de lui à l’époque de sa sortie. In Waves version roman graphique bénéficie d’un trait fin, d’un noir et blanc marquant et d’une absence de dialogues notable. Sur cette version cinéma, le choix est fait de partir sur quelque chose de plus classique, notamment au niveau de la structure chronologique, qui fonctionne plutôt bien à l’écran. Les couleurs sont chaudes et douces, le style graphique fonctionne très bien pour visualiser cette histoire d’amour et les séquences de surf. Là où le bât blesse, c’est plus dans le classicisme et la linéarité de l’histoire. Les dialogues très mélo du début ont du mal à sortir du lot tant ils tombent dans des clichés de comédie romantique. Le film se retrouve alors sur des rails un peu trop évidents, même si la qualité de l’animation et de la mise en scène fait que l’on est tout de même embarqué dans l’histoire. Mais on aurait aimé plus de spontanéité et de surprises dans l’écriture pour sortir d’un film qui se révèle un peu trop classique sur son fond. In Waves est déjà sorti depuis le 1er juillet.

Nobody

Film d’animation chinoise sorti en 2025 dans son pays natal, Nobody reprend le folklore chinois et sa mythologie en explorant ses histoires les plus connues, comme celle du Roi Singe. Mais au lieu de suivre les aventures des héros connus, Nobody s’inspire plutôt de ses figurants, ceux qui restent en arrière-plan et ne font pas de vagues. Et dans l’histoire qui nous intéresse, ce sont les aventures d’un petit démon cochon qui décide de créer sa propre équipe de pèlerins avec trois autres démons (un crapaud, un singe et une belette) en se faisant passer pour un groupe de héros célèbres pour être reconnus et ainsi profiter de cette célébrité pour vivre paisiblement.

Alors que beaucoup de films de la sélection jouent sur la corde sensible, la guerre ou les maladies, Nobody s’est révélé comme une petite bulle de fraîcheur avec sa proposition de film haut en couleur et bourré d’humour. Nobody met un peu de temps avant de rentrer dans le vif du sujet, mais profite de moments d’humour excellents, notamment grâce à une animation plutôt sympathique et un casting de doubleurs.euses qui arrivent à amener des mimiques hilarantes. On profite du folklore chinois pour amener sa propre singularité, surtout pour un spectateur occidentail qui y verra un univers rafraîchissant. L’aspect aventure n’est pas non plus mis de côté, notamment dans sa dernière ligne droite qui propose de chouettes séquences d’action, et on termine le film avec une bonne impression. Pas de date de sortie en France pour le moment.

Carmen, l’oiseau rebelle

Nous sommes en Andalousie, à Séville précisément. Salva est le jeune apprenti d’un aiguiseur de couteaux, Tonio, qui revient en ville plusieurs années après l’avoir quitté. Il recroise alors la route de son amie d’enfance qui n’hésite pas à survivre dans la rue en détroussant les badauds avec sa bande de gamins. Mais Salva croise aussi la route de Carmen, une belle jeune femme qui lui inspire une musique et l’obsède, mais Tonio le prévient qu’elle est au coeur d’une sombre prédiction et le met en garde qu’on ne peut pas changer l’avenir.

Trois ans après Linda veut du poulet, Sébastien Laudenbach revient avec ce Carmen qui revisite l’oeuvre de Bizet à travers un film d’animation. Contrairement à ce qu’on pourrait croire, le film n’est pas une comédie musicale. Mis à part la chanson connue de l’opéra de Bizet soutenue par Camelia Jordana, toute l’oeuvre originale passe par l’histoire, la musique, ces petites mélodies sifflotées au gré du film et permettent d’amener son propre univers en réinterprétant ce que l’on connaît de Carmen. C’est surtout dans sa patte graphique que Carmen figure comme l’un des films les plus beaux de la sélection. Il faudra alors saluer le travail de Cyril Pedrosa, connu pour ses BDs (Portugal, L’âge d’or) dont on reconnait sa patte et Elodie Rémy, cheffe décoratrice sur le film. Les couleurs tranchés sont choisies avec soin et donnent l’impression d’évoluer dans de somptueuses illustrations, soutenu par des personnages aux traits épais mais délicats dont leur respiration est marqué par des changements d’épaisseur. Reste qu’en dehors de son graphisme épatant, Carmen l’oiseau rebelle a du mal à se départir de son histoire originale et préfère la respecter à la lettre. Il lui manque alors sa propre singularité et en dehors d’une scène de danse splendide, l’intrigue ne décollera jamais vraiment, loupant même le tragique de son climax. Le film reste agréable à suivre, voire même plutôt efficace, mais il lui manque un petit truc dans son écriture pour le faire sortir du lot. Dommage mais reste la forme magnifique. Ça sort en décembre au cinéma.

We are aliens

Premier film de Kohei Kadowaki, We are aliens raconte l’enfance de deux enfants: d’abord celle de Tsubasa, un garçon normal, sans histoires mais qui se fond dans le décor sans se faire réellement d’amis. Puis celle de Gyotaro, un enfant bien plus excentrique qui va embarquer Tsubasa dans des jeux imaginaires débordants. Mais peu à peu, le caractère atypique de Gyotaro apparaît à Tsubasa comme trop étrange voire même inquiétant. Le jour où Gyotaro est considéré comme l’auteur d’un incident commis en réalité par Tsubada, l’amitié entre les deux garçons éclate en mille morceaux. Gyotaro se retrouve peu à peu isolé par tous ses camarades tandis que Tsubasa trouve sa place au sein d’une bande de délinquants.

Dès les premières minutes, l’une des choses qui marque dans We are aliens, c’est son style graphique. Dans une technique hybride de rotoscopie qui consiste à animer des personnages par-dessus des éléments filmés afin de recopier les mouvements, le film privilégie les coups de crayons détaillés pour donner un aspect réaliste et naturaliste afin de représenter au mieux une enfance en apparence heureuse. Mais très vite, on sent dans la mise en scène des cadrages étonnants qui amènent des éléments de malaise excellents, que ce soit dans certains plans assez audacieux ou dans la façon d’accentuer les expressions des visages. Très vite, on comprend l’idée du film de suivre les deux points de vue des personnages et de les voir évoluer ou sombrer chacun à sa façon. Le film marque tellement dans le sensitif et le surlignage qu’il en fera trop dans son dernier tiers, appuyant un misérabilisme trop voyant qui manque cruellement de subtilité dans certaines séquences, même si ses thématiques sont toujours là. Le film amène l’empathie de manière sans doute trop tardive, parce que durant les deux heures que durent le film, on a déjà compris dans quelle direction nous amène le réalisateur, ce qui rend certains passages un peu longuets et trop explicatifs. Mais il possède d’indéniables qualités, ne serait-ce que pour sa capacité à dépeindre l’aspect social de l’enfance, ses non-dits et ses petits moments qui peuvent définir une vie et l’ostracisation que l’on peut éprouver. Une vraie curiosité qui sortira le 30 décembre en France sous le titre Un monde entre nous.

Muyi, la légende du village des femmes

Premier long-métrage du studio La Cachette (Primal, Le Collège Noir), c’est aussi le premier long métrage en solo de Julien Chheng nous offre un voyage dans le pays de ses ancêtres dans une région de la Chine près du mont Kunlun. On y suit l’histoire de Muyi, une jeune femme rêvant de quitter le village des femmes où elle vit depuis toute petite afin de voir le monde qui l’entoure, et enfin rencontrer de nouvelles personnes. Ce village interdit aux hommes est tenu entre autre par sa grand-mère qui lui inculque un ensemble de règles à respecter, jusqu’au jour où Muyi tombe sur une troupe de jeunes artistes vagabondes qui voyagent dans la région pour narrer l’histoire du beau général et de son casque magique.

Porté par un style pictural et calligraphique, Muyi impressionne par la qualité de son univers coloré magnifique et son animation inspirée, que l’on avait déjà pu apprécier dans les précédentes oeuvres du studio. Si l’ambition artistique est au rendez-vous pour tenir la distance sur toute la durée du long-métrage, Muyi s’embourbe néanmoins dans une intrigue particulièrement alambiquée pour rien. On y évoque une légende, que l’on oublie aussitôt pour revenir plus tard en introduisant des personnages que l’on ne reverra plus du film, avant que l’arc majeur ne démarre qu’à la moitié du film. A force de vouloir dissimuler l’aspect fantastique et mystique du film, Muyi perd énormément de temps à vouloir marquer le contexte de ce village des femmes dont on a compris les atours dès le début. Et lorsque l’on saisit enfin là où le film veut nous emmener, c’est pour mieux accélérer et rusher sa seconde moitié en sacrifiant des enjeux émotionnels bien trop faibles sur la longueur. On gardera l’aspect artistique alléchant, mais aussi une histoire bien trop fragile et raté pour rester en mémoire. C’est prévu pour janvier 2007 dans nos salles.

Alors que le Summer Game Fest et les multiples annonces des gros éditeurs de jeux vidéos se sont terminées en ce début du mois de juin (avec à la clé un remake d’Ocarina of Time, des images du deuxième remake du premier Tomb Raider ou encore la troisième partie du remake de Final Fantasy VII - quoi, j’ai dit beaucoup “remakes” ?), Microsoft, qui avait fait des annonces assez alléchantes entre Fable et Gears of War E-Day, publie sur son site officiel Xbox un communiqué fort inquiétant: “les prochains 100 jours: XBOX reset”. Asha Sharma est à l’origine de ce billet, elle qui est à la tête de Xbox depuis le début d’année, afin de redresser la barre sur le flanc des consoles Xbox, en grande difficulté face à Sony et sa Playstation 5. Baisse du prix des abonnements (mais après avoir fait une hausse spectaculaire) ou encore quelques déclarations pour tenter de brosser les joueurs dans le sens du poil, Asha Sharma aura tout tenté pour redorer le blason de la marque, même si pour quelqu’un venant de l’intelligence artificielle, on se doute que sa mission n’était peut-être pas dans la reconstruction de la marque et que les intérêts sont dans le contrôle de crise.

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Ce fameux reset intervient dans une période compliquée pour la marque. On parle dans les chiffres d’une marge de 3% par rapport à ce qui a été investi dans Xbox, Bloomerg rapporte même que les objectifs de Microsoft serait de 30%, un chiffre démentiel même pour n’importe quel constructeur. On parlerait même d’une scission de la marque Xbox pour que Microsoft s’enlève ce poids de ses épaules et que les investisseurs soient tous content de se concentrer sur l’IA plutôt que sur la partie jeu vidéo.

Mais ce “reset” est surtout le début d’une volonté de faire le ménage de tout ce qui ne marche pas, et au passage, de tous les studios qui sortent un peu trop du mainstream et qui pourrait ne pas rapporter de l’argent. Vous savez, tous ces studios qui ont été rachetés par le géant américain, afin de se démarquer de la concurrence et de proposer un catalogue de jeu original. Craig Duncan, patron des Xbox Game Studios, sera le premier à en faire les frais en étant gentiment poussé vers la sortie alors que le bonhomme n’a rien à voir avec les rachats faits ces dernières années.

L’autre solution est donc de fermer ou de revendre les studios achetés par le passé. Et les studios sur la selette ne sont pas des petits studios, puisqu’on parle de Ninja Theory (Hellblade), Compulsion Games (South of Midnight) ou encore Double Fine (Psychonauts). Pour rappel, Ninja Theory a annoncé son nouveau jeu, Senua, dans la conférence Microsoft quelques jours avant cette nouvelle. Un beau petit crachat à la figure des joueurs, alléchés par ce premier trailer puis immédiatement refroidis par la perspective de voir ce jeu annulé purement et simplement si le studio ferme. On peut imaginer que laisser le trailer dans ces annonces sert de carte de visite aux investisseurs qui auraient l’assurance d’un jeu déjà bien avancé, mais clairement le manque de respect envers le studio Ninja Theory est assez monumental.

Ces studios représentent 300 personnes et quelques dizaines de millions d’euros d’économies potentielles, mais bien évidemment, les personnes décisionnaires de ces achats sont bien à l’abri chez Microsoft, et compteront leurs sous économisés en ayant mis à la porte plusieurs centaines d’employés. On pourra aussi parler du rachat de Activision/Blizzard pour la modique somme de 70 millards de dollars qui a bien du mal à se rentabiliser. Les pertes engendrées sont plutôt à aller chercher de ce côté, ainsi que du dernier Call of Duty qui aura fait des ventes décevantes, et que pour préserver un rachat qui apparaît plus que jamais comme une erreur stratégique, il faut sacrifier des plus petits studios qui n’ont rien demandé à personne. Et vu que personne n’achète les consoles et que les prix des composants technologiques augmentent (merci l’IA encore une fois), on va aller rajouter une petite augmentation des consoles avec 150 euros de plus pour le modèle 1To histoire d’être sûr que la console continue à ne pas se vendre. Mais ça va, Microsoft a sûrement compris la leçon et n’est pas parti pour investir près de 200 millards de dollars dans l’IA sur les prochaines années. Oh wait.

[#film] - The Furious

Si The Furious est un petit événement pour tous les fans de bagarre, ce n’est pas pour rien. Souvent comparé à The Raid, il se démarque nettement dans sa façon de mettre en scène ses séquences d’action, mais on pourra attribuer aux deux films une réputation pas galvaudé, bien teasé par tous les amateurs d’arts martiaux. Il faut dire que The Furious n’est pas un coup du hasard pour ceux qui suivent la scène hong-kongaise de la bagarre et les personnes derrière ces films. Son réalisateur, Kenji Tanigaki, est avant tout un chorégraphe japonais spécialisé dans les cascades et possède à son actif une filmographie assez impressionnante à travers le monde. On compte aux US un certain Blade 2 ou (sic) le spin-off de GI Joe: Snake Eyes, mais surtout bon nombre de productions asiatiques comme Flashpoint ou SPL avec Donnie Yen, certaines adaptations de Kenshin le Vagabond ou encore tout récemment City of Darkness dont on a vanté les mérites dans ces lignes. Le bonhomme n’a plus rien à prouver, sauf celui de faire le film d’action ultime avec les meilleurs artistes martiaux du moment, notamment Xie Miao, qui a montré tout son talent extraordinaire dans les deux films Eye of an Eye où il joue un sabreur aveugle hors pair. On pourra aussi compter sur Joe Taslim, déjà plus connu pour ceux qui ont vu la série Warrior, Brian Le, qu’on a déjà vu dans Everything Everywhere All at Once ou bien Yayan Ruhian, que les fans de The Raid connaissent bien. Une sélection all-star de la baston.

The Furious ne révolutionnera rien côté scénario: on y suit Wang Wei, un homme à tout faire muet qui tente de gagner sa vie en Asie du sud-est avec sa fille mais celle-ci se fait capturer par des criminels qui font du traffic d’enfants. Bien déterminé à aller la retrouver, il suit la piste en cognant qui de droit pour trouver ses réponses et tombe sur Navin, un homme qui cherche sa femme journaliste dont il pense qu’elle est retenue par ces mêmes trafiquants. Ils vont alors s’associer pour retrouver la piste des enfants. Bref: un scénario que l’on pourrait résumer à un Taken survitaminé, et l’intrigue enchaîne les poncifs vus et revus en enchaînant les lieux pour justifier des setups différents et un panel d’adversaires composés de méchants étonnants et résistants.

Mais si on vient voir The Furious, c’est avant tout pour la baston. Et sur ce point, on peut d’ores et déjà dire que le film va vite figurer parmi les classiques du genre, tant les séquences de combats sont véritablement mémorables. Virevoltant, violent et précis, l’action sonne comme des claques magistrales, habillé par des ballets de coups, de chopes et d’esquives où chaque mouvement est destiné à prendre l’ascendant sur l’adversaire. Les combats bénéficient d’une chorégraphie hallucinante, utilisant l’environnement comme jamais, tout en se saisissant du style de combat de chaque protagoniste pour créer des cocktails détonnants. Si le personnage muet de Xie Miao est peut-être le plus polyvalent, c’est aussi le plus vif, usant de techniques pour virevolter autour de l’adversaire et se sert de son physique plus “petit” pour taper le point faible. Joe Taslim, maîtrisant le judo, joue bien plus sur les prises et les projections, tandis que Brian Le, avec sa carrure, est un monstre de souplesse tant il arrive à se mouvoir avec une vivacité incroyable. Chaque combattant donne l’impression de se surpasser tant on hallucine de les voir se déplacer comme ça, et la caméra ne cesse de montrer leur puissance en se positionnant au meilleur endroit pour capter la folie des combats.

Il faut aussi saluer l’incroyable réalisation de Tanigaki, qui joue énormément sur des mouvements de caméra circulaire pour accompagner les esquives des personnages ou les chorégraphies très aériennes. Tout est d’une fluidité exemplaire, la caméra prend toujours le temps de couper le moins possible, pour que le spectateur profite du spectacle et soit émerveillé par ce qu’il est en train de voir. Les combats enchaînent les idées originales, comme ce jeu avec une échelle, cette montagne humaine qui ploie à grands coups de marteaux, ou les coups de pieds vifs et précis du grand méchant, jouant sur les faux rythmes pour mieux désarçonner son adversaire.

The Furious ne lâche jamais le spectateur en étant ultra généreux dans l’action, parvenant à se renouveler sans cesse, parfois en sombrant dans un petit coup de mou sur les deux tiers du film. Mais c’est pour mieux se relever sur le dernier morceau du métrage, véritable point d’orgue avec ce combat opposant plusieurs combattants à la fois et se rajoute à un film qui compte déjà beaucoup de moments d’anthologies. Tanagaki profite de toute son expérience et d’une dream team de la bagarre pour proposer avec The Furious une véritable ode à la baston, que l’on avait pas vu à ce niveau depuis bien longtemps. Oubliez le réalisme, la logique ou même la physique, le film ne se sert de son histoire que pour justifier les scènes d’action. Parvenant à digérer bon nombre d’inspirations chinoises et thaïlandaises, Tanagaki livre d’ores et déjà un indispensable de la baston tant il réussit à retranscrire l’art martial avec un certain panache. On espère qu’il ne s’arrêtera pas là.

The Furious / Réalisé par Kenji Tanigaki / Avec Miao Xei, Joe Taslim, Yang Enyou / Sortie le 10 juin 2026

[#jeu vidéo] - 007 First Light

Lorsque IO Interactive, le studio derrière les jeux Hitman, annonce en novembre 2020 travailler officiellement sur un nouveau jeu James Bond, les grands fans du tueur à gages chauve ont esquissé un sourire. Les derniers jeux Hitman ont montré à quel point le studio danois est passé maître dans l’art de créer des niveaux riches et remplis de monde où il faut observer et s’infiltrer à l’aide d’opportunités originales, et imaginer un jeu James Bond avec ce genre de setup faisait rêver. Mais évidemment, James Bond n’est pas que ça, et il fallait qu’IO Interactive montre qu’il est tout aussi capable de digérer la licence en allant vers l’action et une narration plus poussée. Six ans plus tard, force est de constater avec ce 007 First Light que le studio a réussi son pari.

007 First Light débute par le tout début: James Bond n’est qu’un membre de la Royal Navy et lors d’une mission en Islande, il se retrouve livré à lui même et doit terminer la mission. Il s’en sort indemne et à son retour à Grande Bretagne, il est convoqué par le MI-6 pour incorporer une formation d’un programme remis au goût du jour afin de former des espions secrets: le programme “00”. Bond arrive donc à Malte avec six autres recrues et un formateur, Greenway, qui ne voit en James qu’un roquet qu’il espère dégager au plus vite.

Si 007 First Light surprend, c’est dans sa manière d’introduire le personnage de James Bond. Pas question de présenter un héros au meilleur de sa forme, ici ce bon vieux James est un petit jeune arrogant et beau gosse qui possède un gros problème avec l’autorité. Et IO Interactive se sert de ce postulat de base pour poser une longue introduction afin de montrer les différentes phases auxquelles seront confrontées le joueur. Un gros tutorial, en somme, qui s’étalera tout de même sur les 2-3 premières heures de jeu, mais s’émancipe du schéma classique avec un training montage étonnant permettant de se familiariser très (trop ?) vite avec les différents gameplays.

Car pour répondre au cahier des charges d’un jeu James Bond, 007 First Light se découpe en plusieurs phases assez distinctes qui vont se succéder sur l’aventure. L’une de ses phases est celle qui rappelera des souvenirs aux fans de Hitman, puisqu’il s’agit de passages dans des environnements ouverts et grouillant de monde, que ce soit une soirée mondaine, un quartier pauvre de Mauritanie grouillant de pirates ou un hôtel paradisiaque. Dans ces situations, on sera loin de la complexité d’un Hitman, mais on comprend que la narration et l’accessibilité passent en premier. Il s’agira pour le joueur d’atteindre un objectif grâce à des opportunités diverses: est-ce que vous préférez accéder au bureau de sécurité en vous faisant passer pour un journaliste - il faudra alors vous débrouiller pour piquer un appareil photo - ou alors aller récupérer une carte d’accès à un garde dont vous avez appris que ce n’est pas le plus ponctuel quand il s’agit de prendre sa ronde ? Le joueur aura tout un tas de petites solutions pour arriver à bon port, et ça fonctionne très bien. La gouaille de James se marie à merveille avec l’idée de tromper son monde ou de jouer les séducteurs pour arriver à ses fins.

Lorsque l’infiltration prend le pas, on passe dans une nouvelle phase, et c’est là que les gadgets de Q prennent de l’importance. La Q-Watch sera votre meilleur allié afin de voir tous les objets environnants avec lesquels vous pouvez interagir afin de créer une diversion (aspirateur, écran de télé) ou une aide pour mieux assomer un garde un peu trop zélé, comme de la fumée en tirant un laser sur de la lessive en poudre. Vos gadgets ne sont pas utilisables à l’envie, et il faudra récupérer des ressources (électrique et chimiques) afin d’utiliser vos fonctions, choisies avant chaque mission. Il faudra faire des choix au moment du briefing et prendre les gadgets qui vous semblent les plus utiles. Le ramassage de ressources n’est pas vraiment très “bond” et on aurait aimé une manière plus subtile d’utiliser les gadgets mais on fait avec, surtout que toute l’infiltration marche très bien, avec des passages dérobés et autres manières détournées d’arriver à ses fins. On aura droit à quelques bonus limités, comme celui de “bluffer”. Lorsque vous êtes repéré, pour peu que votre garde soupçonneux ne soit pas trop malin (marqué par un point au-dessus de la tête), Bond pourra sortir une excuse bidon afin de se sortir du pétrin et pouvoir retourner se cacher sans se faire repérer. Encore une fois, on a vraiment une idée complètement dans l’esprit des films, et s’en sortir en prétextant vérifier l’amiante dans le plafond ou la sécurité informatique parce que Bob nous l’a demandé, c’est assez génial.

Mais que serait un jeu James Bond sans un peu d’action ? Si vous êtes repéré, vous aurez l’opportunité de vous en sortir par la force de vos poings, et le jeu introduit un système de combat simple mais efficace, qui vous permet de contrer, de saisir l’adversaire ou encore de jeter des objets à portée, tout en jouant beaucoup sur l’interactivité du décor où tout ou presque est destructible. Et quand les poings ne suffisent plus, dans certains cas, le jeu affiche le “permis de tuer” et vous aurez l’opportunité d’utiliser des armes à feu pour vous défendre. Et là encore, c’est réussi, parce que le jeu ne se contente pas d’être un cover shooter. Bond peut mourir vite, et les munitions sont rares. Il faudra alors jouer de ruse et de contournement, comme utiliser ses gadgets pour vous servir de l’environnement ou lancer votre arme vide sur un ennemi proche avant de foncer sur lui pour récupérer la sienne. On pourra également tirer sur les armes ennemis qui bondiront en l’air et que vous pourreez récupérer. Le jeu possède plein de petites subtilités afin de forcer le joueur à improviser, les armes ont de la patate et le personnage bouge bien. Il faudra un petit temps d’adaptation pour comprendre le tempo du jeu et ne pas foncer tête baissé comme on peut le faire ailleurs, mais une fois assimilé, 007 First Light est franchement divertissant.

Mais à trop vouloir remplir le jeu, IO Interactive a peut-être vu trop gros. Si l’idée de maximiser l’immersion en vous faisant jouer autant que possible est louable - on adore le fait de parcourir le labo de Q et de déclencher les objets pour embêter l’équipe scientifique - le studio aura tendance à ne pas couper dans le gras quand il le devrait. Certaines séquences auraient pu être de simples cinématiques, tandis que d’autres pouvaient être réduites de moitié, comme ce passage où il faudra ouvrir des portes avec des robots aspirateurs en piratant des bornes. Une idée qui fonctionne la première fois, moins au bout de la sixième. Rien de répulsif, surtout sur une première session, mais 007 First Light pourra paraître un peu plus longuet si le joueur désire refaire l’aventure.

Pour le reste, on coche toutes les cases de l’adaptation réussie. Le moteur graphique fait des merveilles pour les environnements ainsi que les foules, on apprécie les jeux de lumière et de miroirs permettant d’apprécier la mise en scène et la distribution est au top, avec un Patrick Gibson parfait en jeune James Bond qui possède ce charme hautain et sûr de lui, mais qui n’a pas encore cet aspect solitaire qu’on peut retrouver dans les films. Le jeu est d’ailleurs écrit de cette façon: faire comprendre que ce héros qui pense encore pouvoir sauver tout le monde devient au fur et à mesure un espion au sang froid qui devra prendre des décisions difficiles. Si le reste du cast possède des dialogues bien écrits, c’est surtout le personnage de Greenway, son mentor, qui sort du lot grâce à un côté buddy movie qui fonctionne à merveille.

Un personnage séducteur, une chanson titre par Lana del Rey, la présence de M, Q et Moneypenny: 007 First Light propose peut-être la meilleure adaptation que l’on pourrait avoir de la licence James Bond. En profitant de ses points forts en matière de setting d’environnements et de level design, IO Interactive parvient à profiter de son expertise pour créer un jeu James Bond à l’ambiance impeccable, tout en prouvant qu’il réussit également à s’en sortir quand il s’agit de faire parler la poudre ou de proposer des séquences plus scriptées. Ce n’est pas au niveau de Naughty Dog (en même temps, ça devient compliqué vu le niveau du studio californien), mais rien que la mission en Slovaquie est un cocktail parfait de ce qu’on imagine pour un jeu James Bond. Le jeu n’est clairement pas exempt de défauts et pêche par excès de confiance, mais c’est dans ce genre de jeu où la licence permet vite d’oublier quand on a vraiment l’impression de jouer James Bond. Mission réussie pour IO Interactive.

007 First Light / Développé par IO Interactive / Sortie le 27 mai 2026 / Disponible sur PS5/Xbox Series X/PC / Prix: 70 euros

[#série] - Margo a des problèmes d’argent

Margo Millet est une jeune étudiante en lettres qui aspire à devenir une écrivaine de renom. Mais lorsqu’elle entame une relation amoureuse avec un de ses professeurs, jusqu’à tomber enceinte de lui, elle décide alors de garder son bébé, malgré les réticences de son amant qui, lui, a déjà une vie de famille bien remplie de son côté et se révèle - sans surprise - être un sale type. Impossible de mélanger les études et sa vie de nouvelle maman, elle perd son job de serveuse et deux de ses trois colocs, et récupère donc un loyer bien plus important que prévu. Susie, son amie et incroyable colocataire, l’aide comme elle peut, mais Margo décide de créer un compte OnlyFans pour résoudre ses problèmes d’argent, cachant son activité à sa mère, alors que son père, un ex-catcheur toxicomane, revient dans sa vie plein de remords pour l’aider du mieux qu’il peut.

Encore une fois, Apple TV se révèle riche en petites pépites cachées dont on entend très peu parler, la faute à une communication et un marketing qui ne peut pas lutter contre les mastodontes Netflix et Disney +. La série a pourtant de solides arguments, à commencer par son casting quatre étoiles: Elle Fanning incarne la fameuse Margo, tandis que ses parents sont joués par Michelle Pfeiffer et Nick Offerman, et il y a même une certaine Nicole Kidman qui joue dans quelques épisodes, excusez du peu. David Edward Kelley, le créateur de la série, n’en est pas à son galop d’essai, puisqu’il est déjà à la création d’autres séries comme Big Little Lies ou Ally McBeal. Une équipe en or pour une série qui profite à fond du talent de chacun. Elle Fanning, dans son excentricité qui illumine chacune de ses apparitions, apporte une vraie fraîcheur dans le rôle de cette jeune maman qui met à profit ses talents d’écrivaine dans la création de tout un univers sexy pour OnlyFans. Une manière de parler de cette société puritaine qui voit dans l’émancipation de cette jeune femme une véritable insulte.

Les autres personnages ne sont pas en reste. Michelle Pfeiffer en Shyanne, mère célibataire est celle qui va tout faire pour que sa fille ne prenne pas la même direction qu’elle, en n’approuvant jamais sa manière de faire de l’argent mais en la supportant du mieux qu’elle peut. L’actrice est parfaite pour représenter ces contradictions d’une femme prête à tout pour trouver une vie familiale épanouie et saine. Nick Offerman est quant à lui excellent dans la peau de Jinx, cet ex-catcheur qui ne veut jamais brusquer les choses et incarne un père en retenue, apportant un soutien indéfectible à sa fille sans jamais remettre en question ses décisions car portant la culpabilité de l’avoir abandonné quand elle était enfant. Tous et toutes ont des fêlures qu’ils ou elles ne veulent pas révéler de peur de casser cet équilibre familial très fragile, mais qui apparaît comme bien plus important pour eux que leur propre épanouissement. Cela permet d’avoir des scènes réellement touchantes lors des retrouvailles entre Shyanne et Jinx, ou même grâce à Susie, cette colocataire slash meilleure amie qui apporte son soutien à tous les niveaux tout en amenant son expertise en cosplay.

La série surprend aussi par son esthétique parfois pop mais sans jamais sombrer dans un aspect trop naïf. L’idée est de se servir de l’imagination de Margo pour promouvoir son compte OnlyFans et amener des séquences hallucinées pour contraster avec les scènes de vie quotidienne et tout ce que doit faire cette famille pour conserver cette unité qui peut se briser en très peu de temps. Margo a des problèmes d’argent est une série qui arrive à créer de l’empathie pour cette galerie de personnages tout en déjouant les attentes que l’on pourrait avoir sur une série autour de la maternité. Chacun joue sa partition de façon juste afin d’être dans une modernité réjouissante qui donne envie de voir la suite.

Margo a des problèmes d’argent / Créée par David Edward Kelley / Avec Elle Fanning, Nicole Kidman, Nick Offerman, Michelle Pfeiffer / Saison 1 (8 épisodes) disponible sur Apple TV

Les films gratos du mois

Ce mois-ci: le festival d’animation d’Annecy permet à France.tv d’aller récupérer quelques pépites, des plus anciennes comme La Planète Sauvage aux plus récents comme Mars Express. Le cinéma asiatique a aussi sa place avec quelques films de Bong Joon-ho avant Parasite ou le chouette La Famille Asada

The Host (Bong Joon-Ho - 2006)
Memories of Murder (Bong Joon-Ho - 2003)
La famille Asada (Ryota Nakano - 2020)
Mars Express (Jérémie Périn - 2023)
Tout en haut du monde (Rémi Chayé - 2015)
La Planète Sauvage (René Laloux - 1973)
Enorme (Sophie Letourneur - 2019)
Iris et les hommes (Caroline Vignal - 2023)
Rosalie (Stéphanie Di Giusto - 2023)
Macadam Cowboy (John Schlesinger - 1969)
Big Boys Don’t Cry (Arnaud Delmarle - 2023)
Marathon Man (John Schlesinger - 1976)

Playlist du mois

Ce mois-ci, c’est Mina The Hollower qui est à l’honneur (en plus ça rime), le petit dernier de Yacht Club Games qui se paye Jake Kaufman pour la bande-son, dans un style chiptune 8 bits du plus bel effet. Quelques musiques enfin disponibles de Hitman: World of Assassination sont au programme mais aussi la chanson-titre du dernier 007 First Light.

Côté cinéma, Backrooms viendra faire frissonner vos oreilles avec une musique à l’ambiance implacable, tandis que les chansons qui parsèment le film d’animation Jim Queen seront là pour apporter de la fraîcheur et de la bonne humeur.

La playlist 2026 est disponible sur une seule playlist Youtube, pour plus de simplicité, et sera mise à jour au fur et à mesure. La version Spotify est toujours disponible.

» Accéder à la playlist Spotify de 2026

Playlist Youtube accessible en cliquant sur l’image

Misc

Le récent concert Ballads of the Underworld sur les musiques des deux Hadès a eu lieu il y a quelques jours, à la fois en public mais aussi sur Twitch, et nous avons donc du rattrapage possible

Pour ceux qui veulent connaître les coulisses de la création de Cairn, c’est chez WTF’UX que ça se passe

Retour sur le premier Blade et sa place importante dans le mouvement des films de super-héros qui a suivi

Pour les nostalgiques de la licence, Toujours Thomas nous régale comme d’habitude avec une rétrospective sur Tomb Raider, pour le meilleur et le pire

Petite analyse de merugezu fort intéressante sur la capacité qu’un joueur peut avoir à passer beaucoup (beaucoup) de temps sur un jeu de combat pour se perfectionner, apprendre et continuer à apprécier de jouer

Pour l’émission Spin-Off de Studio17, Bilquis Evely et Matheus Lopes, la partie artistique d’oeuvre de comics comme SuperGirl ou Helen of Wyndhorn se livre

Deuxième rétrospective de Toujours Thomas, cette fois-ci sur les jeux du studio thatgamecompany autour de Journey, mais aussi autour de son héritier, GiantSquid

Petite chronique d’Origami autour de la grève générale qui a eu lieu récemment autour de Quantic Dream pour tenter de sauver le studio et d’alerter sur la situation dramatique des studios de JV

Si le mois de mai aura marqué le monde de la culture, c’est bien par sa capacité à confronter ceux qui fabriquent cette culture et ceux qui la financent. On va pas trop revenir sur cette vérité qui est assez indéniable: n’importe quelle oeuvre est politique. Même si l’histoire d’un film ou d’un jeu vidéo n’en parle pas, le choix des personnages dans l’histoire, la diversité que l’on propose, la morale de ce que le joueur doit faire ou non, tout ceci impliquent des idéaux et des choix inconscients ou volontaires de la part des créateurs derrière cette oeuvre.

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L’information a largement circulé ces dernières semaines, l’audiovisuel public a subi une comission d’enquête autour de sa, je cite, “neutralité, son fonctionnement et son financement”. On a pas mal parlé de Charles Alloncle, le rapporteur de cette commission, qui a eu tendance à diffuser de fausses informations, quitte à transformer la commission en un tribunal de l’audiovisuel public. Un exemple parmi tant d’autres, le rapporteur pointe des frais de 2020 rangés dans la catégorie “frais de cocktails et de réception” dépensé par le groupe public, sans jamais rappeler qu’il s’agissait en fait de frais de repas pour les salariés qui ne pouvaient pas utiliser les cantines durant la crise du Covid. On sait que l’extrême droite affiche sa volonté ferme d’en finir avec l’audiovisuel public pour privatiser tout ce petit monde, et se sert de cette commission pour tout manipuler et en finir avec ce service soi-disant coûteux en le privatisant. En réalité, l’audiovisuel public a toujours été l’un des seuls remparts contre ces chaînes d’informations possédés par des milliardaires sans scrupules et diffusant des fake news à longueur de journée afin d’asseoir une idéologie crasseuse. Que ce soit dans les journaux ou sur les chaînes télé, les choix éditoriaux justifient une liberté d’expression pour y débiter des âneries voire des insultes sans qu’ils ne soient jamais inquiétés.

Face à cette commission d’enquête, France Télévisions a pris le temps d’y répondre à travers un document de 124 pages et offrir une vision bien différente de ce que le rapporteur aura rapporté dans son bilan. Comme d’habitude, le CNC, qui finance bon nombre d’oeuvres culturelles, est dans le viseur de l’extrême droite depuis pas mal de temps déjà. Ils auront bien tenté de faire croire au public que leurs impôts financent le cinéma et donc des oeuvres qu’ils n’ont pas envie de voir (c’est toujours non: ce sont les taxes sur les places de cinéma ou chaînes de télé qui financent le CNC), ils auront par contre réussi à suspendre le fond d’aides aux créateurs de contenu, après une polémique lié à la présence d’Ultia dans le jury pour le choix des projets et qui a déclaré durant un live twitch qu’elle privilègeriait certains projets et pas d’autres suivant son feeling et ses idéaux. Si la manière d’en parler avec autant de légèreté pourra interroger, c’est bien le harcèlement massif et très rapide sur la streameuse et ceux qui l’ont défendue qui ont forcé le CNC à l’éjecter sans aucune discussion pour calmer les ardeurs. Ici ce n’est pas tant les dires de la streameuse qui choque, parce qu’il est impossible pour un membre d’un jury d’être objectif, et c’est bien pour ça qu’il y a plusieurs membres afin d’assurer un minimum d’impartialité. Mais il faut pointer du doigt la réaction du CNC qui dégage quelqu’un en sachant très bien que chaque membre du jury agirait de la même façon, mais aussi pour ne pas fournir de cartouches à l’extrême droite.

Mai 2026, c’est aussi le mois du festival de Cannes, et ici aussi les esprits se sont quelque peu échauffés, suite à une tribune de Libération. Celle-ci implique plusieurs centaines d’artistes du milieu du cinéma qui ont signé cette déclaration pour afficher les ambitions de Bolloré (qui, on le rappelle, possède Canal+, CNews, et plein d’autres médias) vers de la propagande bien affichés pour l’extrême-droite. L’ambition de Bolloré a toujours été d’utiliser les médias pour mener son combat civilisationnel. Je n’invente rien: c’est lui-même qui le dit sans se cacher. Il y a déjà eu l’affaire Grasset le mois dernier pour sa maison d’édition, mais c’est au tour de Canal+ de se voir pointer du doigt, non pas pour empêcher le financement des films mais bien pour alerter sur une probable uniformisation de la culture cinématographique, alors que Bolloré compte bien aussi racheter la chaîne des cinémas UGC à terme. L’idée de la tribune n’est pas d’accuser les équipes de Canal+, qui font leur maximum pour financer une grande partie du cinéma français, mais bien de rappeler l’importance d’une certaine indépendance du cinéma afin que la parole et les propos importants véhiculés par les films gardent leur force de diversité. Une chose qu’effectivement Canal+ continue à alimenter mais vu l’importance de Canal+ dans le financement du cinéma français, il est normal d’amener son inquiétude sur la question de l’emprise de Bolloré. Surtout quand on sait que celui-ci a déjà pu mettre son nez dans certaines créations issus de Canal +, comme la série Police 1900 ou le refus de Canal+ de financer Grâce à Dieu de Ozon. Des cas certes rares mais le simple fait de pouvoir être soumis à cette censure suffit à justifier cette inquiétude.

En réponse à cette tribune, le patron de Canal+, Maxime Saada, a pris la parole pour annoncer que le groupe Canal+ ne travaillera plus avec tous les signataires de cette tribune. Il justifie sa déclaration sur le fait que Canal+ finance une grande diversité de films mais cette décision discriminatoire de faire une “liste noire” sur tout ce petit monde n’aura fait que confirmer cette fameuse emprise d’un trop grand pouvoir accordé à un groupe comme Canal+ dans le monde du cinéma français. En réaction, d’autres signataires plus internationaux se sont joints à la tribune, comme Javier Bardem ou Mark Ruffalo, afin d’apporter leur soutien au cinéma français et éviter une hégémonie grandissante du groupe de Bolloré. En réaction, la CGT spectacle engage une action en justice pour discimination contre Canal+. Un vrai séisme dans le cinéma français, qui montre bien que lorsque le monde du cinéma ose montrer son inquiétude devant ces milliardaires qui avancent leurs pions sur un échéquier politique de plus en plus difficile à ignorer (surtout avec les éléctions l’année prochaine), la réaction que l’on voit n’est autre que la force brute.

[#film] - Legend of Hei 1 & 2

A l’origine, The Legend of Hei est une petite série web mettant en scène un esprit-chat blessé et récupéré par une jeune fille et qui vont cohabiter ensemble. La série est de nature assez comique et tranches de vie, mélangeant les capacités de ce petit esprit avec le monde humain. Petit à petit, le monde de The Legend of Hei se développe, affichant un univers entre démons et humains de plus en plus détaillé et des scènes d’actions plus présentes. L’artiste MTJJ, de son vrai nom Zhang Ping, s’associe avec le studio Hanmu Chunhua Animation (HCMH) qui avait déjà participé à la série, pour réaliser un premier film en 2019, obtenant un certain succès en Chine, racontant un préquel à la série. Un deuxième film, une suite directe du premier volet, voit le jour en 2025 et fait un gros score dans les salles de cinéma chinoises.

Le premier opus raconte les origines du personnage: on y suit Hei, un démon-chat capable de prendre une apparence humaine qui vit seul dans une forêt jusqu’à ce que les humains détruisent son abri. Il va alors chercher une nouvelle maison et tombera sur d’autres démons qui vont l’accueillir. Il va vite tomber sur Wuxian, très puissant, qui va l’entraîner pour maîtriser ses pouvoirs et combattre d’autres démons dont certains rêvent d’asseoir un contrôle total sur les humains. Le deuxième opus continuera dans cette lignée, Hei poursuivant son entraînement avec Wuxian, et il sera confronté à une nouvelle menace, tout en découvrant un peu plus le monde caché des démons.

La première chose qui frappe dans les deux films, c’est la qualité des scènes d’actions. Si l’esthétique du film peut évoquer de l’animation Flash par moments dans la simplicité des traits et des characters designs, ce sont des choix qui fonctionnent très bien pour représenter le monde de The Legend of Hei. On sent dès le premier film que l’accent est mise sur ces séquences de combats, où la caméra virevolte dans des décors parfois en 3D afin de maximiser la lisibilité de personnages. La chorégraphie et le découpage est excellent, et on prend beaucoup de plaisir à voir les différents pouvoirs des personnages, chacun maîtrisant un élément (le fer, la terre, etc) afin de se battre. On est pas dans l’élégance des mouvements d’un Avatar: The Last Airbender mais plutôt dans quelque chose de plus proche d’un animé japonais, mais sans rajouter d’effets superflus. Et la qualité monte réellement d’un cran dans le second opus, et ce, dès l’introduction: en quelques minutes, que ça soit dans la façon de monter la tension petit à petit ou de jouer sur les différentes échelles, The Legend of Hei 2 montre à quel point MTJJ maîtrise de mieux en mieux le médium.

Et ça vaut aussi pour l’intrigue et la manière de développer l’univers de The Legend of Hei. Si le premier film a un peu de mal à capter l’attention du spectateur, la faute à de gros raccourcis qui empêchent une certaine implication émotionnelle du personnage principal (même si c’est rattrapé dans sa seconde moitié), le deuxième film est déjà bien plus réussi à ce niveau-là. Si l’on a toujours la relation entre Hei et Wuxian, The Legend of Hei 2 introduit surtout le personnage de Luye, ancienne disciple de Wuxian qui sera au centre de l’histoire. Une vraie bonne idée, qui ne laisse pas le duo original de côté mais permet d’amener un pan assez différent de l’univers, qui est bien plus développé également dans cette suite. Dans à peu près tous les niveaux, ce second opus monte toutes les qualités d’un cran, et on se prend à rêver d’un troisième épisode.

Si l’on parle souvent des productions japonaises, l’animation chinoise commence petit à petit à percer, dernièrement avec le carton Nezha 2 dans les cinémas chinois. Mais l’animation 2D profite lui aussi de cet engouement, et The Legend of Hei 1 & 2 est clairement dans le haut du tableau. Il possède un charme indéniable et un univers qui ne demande qu’à être exploité. Impressionnant sur certaines séquences, parvenant même à amener quelques petites touches d’humour, les deux films forment un diptyque à voir. Et pour ceux qui se posent la question: nul besoin d’avoir vu la série pour profiter de ces deux films.

The Legend of Hei 1 / Réalisé par MTJJ / Avec les voix de Xin Shan, Wang Zhen, Xianghai Hao / Sortie le 25 mars 2026 sur ADN

The Legend of Hei 2 / Réalisé par MTJJ / Avec les voix de Xin Shan, Liu Mingyue, Zhu Jing / Sortie le 23 avril 2026

[#film] - The World of Love

Joon-in est une lycéenne tout ce qu’il y a de plus normale. C’est une fille joyeuse, qui évolue beaucoup avec son groupe d’amies et n’hésite pas à faire des petites blagues pour se faire remarquer par sa classe. Lorsqu’un jour un de ses camarades se présente avec une pétition qu’il demande à chacun de signer, Joo-in refuse en voyant le contenu de cette pétition et crée une esclandre inhabituelle qui va briser peu à peu sa confiance en elle en faisant remonter certains souvenirs.

Si l’on parle souvent de certains réalisateurs connus en Corée du Sud, à l’instar de Park Chan-Wook ou Lee Chang-Dong, la réalisatrice Yoon Ga-eun n’est pas en reste, même si sa filmographie qui ne comporte pas énormément de films n’a jamais vraiment franchi nos frontières. The World of Love est l’un de ses films qui a eu un certain retentissement à travers les festivals, et on comprend pourquoi quand on commence à saisir les thématiques soulevés dans le film. Des thématiques qui prennent tout leur sens quand on évite de trop en savoir sur la teneur du film, on va donc essayer de ne pas spoiler.

Si The World of Love marque les esprits, ce n’est pas tant sur les enjeux narratifs que sur la façon dont la réalisatrice va brosser le portrait des différents personnages qui composent l’entourage de Joo-in. Le spectateur comprend vite que sa personnalité enjouée est une manière de se préserver et de tenter d’avancer malgré son passé. Le film délivre ses informations au compte-goutte, sans jamais expliciter mais plutôt en faisant confiance au spectateur pour comprendre de quoi il est question, et c’est une grande force de réussir à faire passer tout ceci par plusieurs petites séquences ou par l’entourage de Joo-in. Que ce soit une mère qui tente de garder un semblant de noyau familial avec sa fille et son fils mais qui garde un penchant pour l’alcool, un groupe de bénévolat dont fait partie Joo-in pour débarasser des maisons abandonnées de leurs affaires ou de son camarade de classe à l’origine de la pétition qui doit grandir trop vite à cause d’un père absent, The World of Love parle de l’envers du décor d’une société du paraître.

Petit à petit, on découvre les tenants de chaque personnage, leur quotidien, leur intimité mais sans jamais sombrer dans un voyeurisme malsain. La caméra garde un recul nécessaire pour n’être qu’un témoin qui obtient les différentes réponses au fur et à mesure. Avec beaucoup de sensibilité et de justesse, The World of Love ne tombe jamais dans la facilité ou le pathos. Il montre les choses avec toujours une idée de mise en scène inspirée, subtile, ne rajoute pas de musique inutile et se contente d’observer pour que chacun comprenne les nuances de cette histoire. Seo Su-bin qui incarne Joo-in est bluffante et parvient à capter les différentes couches de son personnage avec un talent bluffant. Lorsque tout se termine, sur une dernière séquence lourde de sens, on prend conscience de cette société qui étouffe tout et préfère arborer un masque sans écouter l’autre, même si le film montre à quel point savoir s’entourer de personnes qui nous comprennent reste essentiel pour pouvoir avancer. Un film important, qui donne envie de découvrir toute la filmographie de Yoon Ga-eun et espérer en voir beaucoup d’autres.

The World of Love / Réalisé parYoon Ga-eun / Avec Seo Su-bin, Jang Hye-jin, Kim Jeong-sik / Sortie le 6 mai 2026

[#jeu vidéo] - Saros

En 2021 sortait Returnal, un jeu exclusif à la PS5 (avant qu’il n’arrive sur PC) du studio Housemarque. Un studio finlandais que beaucoup ont découvert à cette occasion, alors qu’il existe depuis déjà 1996, s’étant spécialisé dans le jeu d’arcade à tendance bullet hell. Comprenez par là: des jeux d’arcades prenant racine dans les shoot’em up où le but était de diriger un vaisseau en dégommant tout ce qui bouge tout en évitant des boulettes d’énergies de toutes les couleurs. Housemarque en a fait sa marque de fabrique, tout en renouvelant le genre à de multiples reprises. Son plus grand fait d’armes était Super Stardust mais d’autres petits jeux comme Outland, Resogun ou Alienation ont tous été des variantes sur différents gameplay mais toujours avec une notion de bullet hell. Des petits jeux qui auront plus ou moins bien marché, jusqu’à l’arrivée de Returnal.

Le principe de Returnal est simple: vous dirigez une astronaute écrasée sur une planète inconnue dans un jeu d’action en vue à la troisième personne, et le but est de sortir de là, en vous armant avec ce que vous trouvez et des ennemis qui vous balancent des boulettes d’énergie qu’il faudra éviter en étant constamment mobile. La particularité est que si vous mourrez, le personnage retourne au début et doit recommencer, avec des salles sans cesse modifiées dans leur agencement. Oui, c’est encore un rogue-like, mais qui aura réussi à se démarquer par la qualité visuelle mettant à l’honneur les capacités de la PS5 et un univers mystérieux et attrayant où le passé du personnage se dévoile petit à petit. Pourquoi j’insiste tant sur Returnal ? Parce que Saros, le petit dernier de Housemarque qui nous intéresse, est un Returnal 2.0 qui ne dit pas son nom.

Dans Saros, on dirige Arjun Devraj, un agent de la société Soltari envoyé sur la planète Carcosa pour découvrir le sort d’une colonie humaine qui s’est installée il y a des années mais dont le contact a été perdu. Une petite équipe est donc dépêché sur place pour découvrir ce qu’il s’est passé et lors de son exploration, Arjun découvre qu’il revient à la base établie par l’équipe à chaque mort et qu’une civilisation alien a existé sur Carcosa, une civilisation obnibulée par un soleil qui surplombe la planète de tout son astre et dont l’éclipse qui arrive de manière régulière commence à rendre les gens fous. Arjun va avancer petit à petit à la recherche des disparus et découvrir le mystère qui entoure cette planète.

Le gameplay est donc globalement identique à Returnal: chaque run vous demandera de recommencer au début, votre dernière arme en main, et de progresser petit à petit en passant de biome en biome tout en éliminant les ennemis et les boss qui clôturent chaque monde. L’une des grosses nouveautés réside dans un bouclier qu’Arjun peut activer afin d’absorber les boulettes bleues, qui lui permettent à la fois de se protéger temporairement mais aussi de recharger son énergie pour utiliser une arme alien très efficace. Les boulettes jaunes sont aussi absorbables (après une amélioration) mais grignote la barre de vie maximale et il faudra utiliser son arme énergétique pour enlever cette corruption. Quand aux boulettes rouges, il faudra obligatoirement les esquiver. Tout le principe est donc d’être toujours en mouvement avec dashs à l’appui, tout en prenant suffisamment de risques pour esquiver les boulettes des bonnes couleurs et se débarasser des ennemis le plus vite possible. Un ration mouvement/risque efficace, d’autant plus que l’excellent feeling manette en main fait que dès le début, on prend beaucoup de plaisir à diriger un personnage ultra maniable. Les sensations des armes sont bonnes et une très bonne lisibilité (à deux-trois détails près) permet de comprendre rapidement les menaces autour de nous. Le jeu ne pardonnant rien, la mort peut arriver très vite si l’on se retrouve accablé sous les tirs des ennemis, sachant que certains ont un bouclier qu’il faudra casser avec un coup au corps à corps.

Fort heureusement, contrairement à Returnal qui n’avait pas une méta-progression importante, Saros peut compter sur un arbre d’améliorations permanentes qui permet d’upgrader son personnage, contre une ressource que vous récupérer durant vos runs. Armure max, énergie max, compétences passives voire même augmenter le niveau de base des armes que vous récupérez: si la mort peut être frustrante, le jeu permet de progresser en douceur en vous permettant d’être un peu plus fort à chaque nouvelle tentative, même si la progression dans l’arbre sera aussi verrouillé par rapport aux boss que vous battrez. Et comme si ça ne suffisait pas, le jeu vous permet de vous téléporter à l’entrée de chaque nouveau biome, pour peu que vous battiez le boss précédent. Un système de paliers bienvenus, même si rien ne vous empêche de recommencer depuis le tout premier niveau, afin de grinder et de traverser un mur de difficulté avec bien plus de ressources en main grâce aux bonus temporaires.

Car si l’arbre permet des améliorations permanentes, les niveaux traversés regorgent de bonus pour renforcer Arjun. Plus vous ramassez de ressources, plus votre niveau de maîtrise augmente, ce qui augmente également vos capacités et le niveau des armes trouvés qui auront de plus en plus d’effets. Chacune des trois caractéristiques (Armure, Energie, Ressource récupérée) sont indispensables pour remplir les jauges de vos armes, permettant par exemple de vous spécialiser dans les tirs secondaires si vous récupérez des améliorations d’énergie par exemple. Vous aurez aussi accès à des reliques permettant d’améliorer ces caractéristiques en plus d’avoir des effets passifs différents, mais elles subissent un malus lorsque vous évoluez dans les éclipses.

Ces éclipses sont des événements où le niveau devient plus dangereux, obstacles ou ennemis, mais avec bien plus de ressources et de trésors cachés à la clé. Il est possible de les activer très tôt si l’envie de grinder vous prend, mais le jeu vous demandera de toute façon de les activer pour franchir certaines barrières. Les reliques deviendront alors corrompus: si vous les prenez, vous aurez un malus plus ou moins important qui disparaîtra lorsque le boss du coin sera vaincu. Encore une fois: un risque à prendre si vous vous sentez de prendre du dégâts durant vos chutes ou que votre arme puisse s’enrayer de façon aléatoire.

Avec tout ça, Saros s’apprécie sur la durée et devient plus accessible que Returnal pour tous ceux qui trouvaient le précédent jeu aride. Même si le jeu reste difficile, il arrive à accompagner le joueur de façon suffisamment fluide pour lui donner envie de persévérer et de recommencer. Comme Returnal, il faudra récupérer des petits audiologs ou messages écrits pour découvrir peu à peu l’histoire et pourquoi tout a dégénéré sur Carcosa. A la différence près qu’il ne vous place plus dans un sentiment de solitude: Saros préfère vous mettre des PNJs dans les pattes avec qui discuter, une intention louable mais qui ne fait pas trop avancer l’intrigue et ne se révèle pas intéressante. Saros joue à fond sur certains secrets, notamment concernant Arjun, et si l’histoire garde son mysticisme bienvenue sur toute la civilisation de Carcosa, les enjeux sont bien plus terre-à-terre qu’un Returnal qui jouait énormément sur la métaphores et le mystère. Encore une fois, Saros est plus accessible à ce niveau-là, mais on aurait aimé plus d’originalité.

De même que le système d’arbres d’améliorations, s’il est plutôt efficace, demande un peu trop au joueur d’aller grinder de la ressource sur la toute fin, opposant au joueur des ennemis bien coriaces et des conditions plus compliqués. Une volonté louable de marquer le coup, mais on sent que le jeu force articificiellement à maintenir la difficulté. Une preuve d’accessibilité à double tranchant: Saros propose avant chaque run de paramétrer sa prochaine expédition en activant des bonus et des malus sur sa partie, afin de rajouter de la facilité au prix d’une difficulté supérieure à la carte, qui rend presque le grind caduque par ce système, que l’on choisit ou non d’utiliser. Mais à force de vouloir l’accessibilité à tout prix, le jeu pèche un peu par excès de confiance sur la dernière ligne droite en voulant ériger un dernier mur en apparence infranchissable, sauf si vous grattez un peu plus sur la durée de vie.

Cela n’empêche pas Saros d’être excellent, s’érigeant facilement comme un des meilleurs titres de la console. Nerveux, prenant, Housemarque possède un savoir-faire indéniable dans son feeling et le jeu est parfaitement réglé pour que chaque combat soit un déluges d’effets sans que le joueur ne soit jamais perdu. Plus agressif grâce à son système de bouclier, on pourra reprocher cependant moins de variété de salles que dans Returnal, ou du moins un agencement plus classique. Mais là où Saros brille, c’est aussi par son visuel. On pourra pointer du doigt un poil de redite dans certaines zones rocheuses un peu proches, mais pour le reste, on a droit souvent droit à des panoramas fabuleux, s’inspirant de Giger ou de Nihei dans la façon dont le mécanique s’intègre dans le naturel, avec ses inextricables tuyaux qui s’enchevêtrent dans la roche, ou ces architectures épurés baignés dans la lumière du soleil. Et sans même avoir besoin d’une PS5 Pro, Saros s’affiche comme un parfait représentant de ce que la console est capable d’afficher, tout en profitant à fond des capacités de la manette DualSense.

Finalement, le plus gros souci de Saros est d’être sorti après Returnal. Difficile de ne pas faire la comparaison tant les deux jeux se ressemblent par leur structure, leur façon de dévoiler l’histoire (séquences “flashbacks”) et de progresser par biome. Saros est un meilleur jeu que Returnal sur beaucoup de points, et principalement sur sa capacité à être plus accueillant que son prédécesseur, et c’est un bon point à souligner afin que la majorité des joueurs aient envie de tenter l’aventure. Mais il perd également un certain charme qu’avait Returnal, dans sa capacité à plonger son héroïne dans une certaine solitude pour mieux resserrer les enjeux émotionnels tout en maximisant l’aspect cryptique, grâce à des environnements et des boss travaillés en fonction de ça. Saros possède lui aussi des affrontements dantesques, certains designs de boss sont fabuleux, mais il devient globalement plus conventionnel si on fait la comparaison. Un défaut qui n’en sera pas un si vous préférez l’ambiance de ce dernier ou les différents ajustements, et qui souffre surtout de la comparaison d’être arrivé en deuxième. Saros reste dans tous les cas un excellent jeu qui installe Housemarque comme un studio majeur qui est parvenu à créer son propre style que l’on espère revoir dans une forme encore différente.

Saros / Développé parHousemarque / Sortie le 30 avril 2026 / Disponible sur PS5 / Prix: 70 euros

[#bd] - La langue des vipères

Au sortir de cette année 2026, on sent que la bande dessinée française fait des merveilles sur les étalages en proposant des oeuvres originales et des artistes que l’on repère très vite par leur style inimitable. Après Jade Khoo et le premier tome de Terre ou Lune, voici que débarque Juliette Brocal, jeune autrice qui sera passé par l’ESAAT et les Gobelins où elle se forme à l’illustration et l’animation avant de se lancer dans le milieu professionnel. Et quand on voit les illustrations qui parsèment son compte Instagram, on sent très vite une patte reconnaissable et une accointance certaine pour le monde médiéval. La langue des vipères est donc sa toute première bande dessinée, parue chez Rue de Sèvres.

L’histoire se déroule dans un monde imaginaire, très inspiré par la Renaissance côté Italie, dirigé par des prélats et des nobles qui se servent d’une magie ancienne et atypique: la Langue. Aucune boule de feu à l’horizon, la Langue est un art magique permettant à son pratiquant de visualiser le passé et le présent à n’importe quelle endroit du monde, de sorte à rassembler des informations précieuses qui peuvent servir à n’importe quel dessein. On y suit Iodis, une jeune femme illégitime qui se retrouve étudiante dans une abbaye pour maîtriser son don afin de sortir de sa condition et éviter de ronger son frein dans un monastère à faire des tâches qu’elle considère ingrates. Mais son tempérament impatient ne l’aide pas à étudier correctement, surtout quand une autre étudiante mystérieuse, Halcyon, bien plus douée naturellement, se met sur son passage. Intriguée, elle va finir par l’espionner pour découvrir ce qu’elle cache.

Se plonger dans La langue des vipères n’est pas chose aisée, tant le bouquin est dense en informations. On n’est pas dans un univers de fantasy classique, et ça demandera au lecteur un peu plus d’assiduité que d’habitude. Mais ça permettra de découvrir une vraie richesse dans ce qui est développée, et d’amener des thématiques passionnantes. Au-delà de l’intrigue qui fait furieusement penser au Nom de la Rose, avec ces complots secrets et ces hiérarchies injustes, La langue des vipères apparaît également comme une ode passionnante à un art où deux camps s’opposent: ceux qui veulent garder cet art jalousement secret, surtout pour en garder le contrôle, et ceux qui veulent en libérer l’apprentissage au plus grand nombre, parfois dans le but de le monnayer au plus offrant. Les parallèles avec le savoir artistique contemporain est facile à faire évidemment, et tout ceci se marie superbement bien avec cette histoire de rivalité entre Iodis et Alcyon, en accord avec le propos du livre.

Et côté dessin, c’est évidemment un ravissement pour les yeux. On sent un style que l’on pourrait retrouver dans un film d’animation européen, mais cela sied parfaitement à la bande dessinée, offrant une très belle palette de couleurs et un découpage efficace. Tout est fait avec soin, le trait est diablement élégant, et chaque page est un bonheur à parcourir. Juliette Brocal maîtrise son style à la perfection, et pour un premier essai, c’est un coup de maître. On referme le livre avec une conclusion satisfaisante bien qu’un peu hâtive, devant l’idée que ce monde de fantasy ne demande qu’à être développé dans d’autres histoires, peut-être en retrouvant les personnages, mais on espère que ça ne sera pas la seule incursion. En attendant, La langue des vipères est un indispensable de cette année.

Les films gratos du mois

Ce mois-ci: le festival de Cannes inspire un programme assez dingue entre France.tv et Arte, et toujours de façon gratuite. Entre les films de Justine Triet (Anatomie d’une chute), de Park-Chan Wook (Old Boy) et Pedro Almodovar, il y en a pour tous les goûts. Mais il faut pas oublier les autres films tout autant formidables, comme Julie (en 12 chapitres), La zone d’intérêt, How to have sex, Madre ou encore La Haine. Une sélection assez exceptionnelle, mais attention, certains films ne seront plus dispos au cours du mois de juin.

La nuit du 12 (Dominik Moll - 2022)
Divines (Houda Benyamina - 2016)
La haine (Matthieu Kassovitz - 1995)
Sibyl (Justine Triet - 2019)
La bataille de Solférino (Justine Triet - 2013)
Victoria (Justine Triet - 2016)
JSA (Park-Chan Wook - 2000)
Decision to Leave (Park-Chan Wook - 2022)
Il était une fois la révolution (Sergio Leone - 1971)
En chair et en os (Pedro Almodovar - 1995)
La mauvaise éducation (Pedro Almodovar - 2003)
Parle avec elle (Pedro Almodovar - 2001)
Talons aiguilles (Pedro Almodovar - 1991)
Femmes au bord de la crise de nerfs (Pedro Almodovar - 1989)
Douleur et Gloire (Pedro Almodovar - 2019)
La leçon de piano (Jane Campion - 1993)
Le salaire de la peur (Henri-George Clouzot - 1953)
Benedetta (Paul Verhoeven - 2021)
How to have sex (Molly Manning Walker - 2023)
We need to talk about Kevin (Lynne Ramsay - 2011)
Madre (Rodrigo Sorogoyen - 2019)
Maria (Jessica Palud - 2024)
La zone d’intérêt (Johnathan Glazer - 2023)
Julie (en douze chapitres) (Joachim Trier - 2022)
The Big Lebowski (Joel Coen - 1997)
Mississippi Burning (Alan Parker - 1988)
Close (Lukas Dhont - 2022)

Playlist du mois

Ce mois-ci, focus sur Subnautica 2 qui s’offre quelques morceaux par Ben Prunty sur son early access, ainsi que les morceaux de l’extension de FFXIV: Growing Light. Parfait si vous voulez de l’orchestral grandiose pour mettre dans vos oreilles. Les fans de Batman se dirigeront vers les morceaux du dernier Lego Batman, étonnamment chouettes.

Côté cinéma, Mandalorian & Grogu recyclent le style de la série avec Göransson mais c’est toujours un plaisir, tandis que The Boys saison 5 termine la série avec quelques morceaux sympathiques.

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Misc

La prolifération de l’IA renforce peut-être l’arrivée des robots, mais Bolchegeek se pose la question de cette fascination des robots humanoïdes

Toujours avec Bolchegeek, qui revient sur le phénomène du Skibidi Tentafruit. Skibidi quoi ? Oui.

Frédérick Sigrist discute avec le scénariste de comics Charles Soule dans sa nouvelle émission SpinOff

Avez-vous bien compris tout ce que raconte Ocarina of Time ? Le créateur Good Blood raconte pourquoi Zelda: Ocarina of Time est l’une des histoires de la licence les plus sombres de la saga

Retour sur le nanard Belphégor qui est apparu dans le cinéma français au début des années 2000, par EcranLarge

Retour sur la carrière florissante de Marion Cotillard dans le cinéma français mais aussi américain, par l’entremise de Blow Up

Petite interview côté Origami de Cindy Asselin de Beauville, senior narrative designer dans beaucoup des derniers jeux indés de la scène française

Est-ce que les critiques ont le pouvoir de vie et de mort sur les films au cinéma ? Ecranlarge revient sur cette théorie fumeuse et explique les coulisses de la critique ciné

Difficile de passer à côté du phénomène, qui récidive celui du premier opus: Super Mario Galaxy Le Film fait un carton monumental, après un Minecraft qui aura fait les belles heures de Warner l’année dernière. Après des années d’échecs cuisants qui auront rarement donné des belles choses (Silent Hill 1, je pense à toi), le cinéma et la série télévisée a trouvé sa nouvelle poule aux oeufs d’or, en allant piocher allègrement dans le catalogue vidéoludique pour l’adapter et en tirer une exploitation juteuse.

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Un choix tout à fait logique et qui intervient dans un timing parfait: l’ère des adaptations super-héroïques prend du plomb dans l’aile et Marvel en a fait les frais ces dernières années. Le grand public se lasse, et l’époque où chaque film Marvel était un petit événement est loin. Il faut dire que les derniers films ou séries sont loin de faire l’unanimité. Entre des personnages qui n’intéressent guère les gens ou des intrigues sur le long terme dont tout le monde se fout (et en même temps, difficile de voir une ligne claire), en dehors d’un Daredevil: Born Again qui sort la tête hors de l’eau et arrive même à taper sur la politique américaine. Marvel Studios joue son va-tout en fin d’année avec Avengers: Doomsday pour jauger la température auprès du public et voir s’il est encore capable d’engranger une montagne de fric. Spoiler: oui, le film va cartonner mais il faudra voir jusqu’à quel point.

C’est là que le jeu vidéo entend bien profiter de l’accalmie en lançant la machine à grande vitesse. Surtout que ce marché possède une chose que le super-héros n’a pas forcément réussi à faire: les films adaptent des oeuvres qui existent déjà sur le marché et qui peuvent donc avoir un effet concret sur les ventes de l’oeuvre originale. Si Marvel a cartonné au cinéma, ce n’est pas pour ça que le grand public s’est rué dans les comics shops pour prolonger le plaisir et suivre les aventures de son héros préféré. Se lancer dans des comics, c’est trop le bordel (alors que pas tant que ça: y a un super guide si vous voulez) et trop coûteux, et les films n’ont pas réussi à transformer l’essai. Mais côté jeux vidéos, c’est différent. On a pu le voir avec la série Cyberbunk: Edgerunners qui aura réussi à relancer les ventes du jeu, ou même la série Fallout, qui a su donner un coup de fouet à la licence.

Et effectivement, ce n’est pas bien compliqué. Vous voulez explorer la ville de Cyberpunk ? Il y a qu’un seul jeu. Ça vous tente de retrouver Mario et ses amis qui explorent des planètes ? Tiens donc, Nintendo a sorti une compilation des deux jeux Galaxy dans une seule boîte. Les effets de bords sont facile à faire et sont réels. Et les producteurs ne s’y trompent pas, en multipliant les projets pour continuer à populariser une licence sur deux secteurs en même temps. Rien que pour cette année, en dehors de Mario Galaxy et du four Return to Silent Hill, un nouveau film Street Fighter arrive au cinéma, tandis que Mortal Kombat II viendra prolonger un premier film sorti quelques années auparavant, et un nouveau film Resident Evil réalisé par Zach Cregger, qui sort de la belle surprise Evanouis (Weapons) de l’année dernière, arrivera en septembre de cette année.

Et ça ne s’arrêtera pas là: en dehors des troisièmes saisons pour Fallout et The Last of Us ou de la suite de Minecraft (évidemment), rien que Amazon Prime prévoit déjà des adaptations de Tomb Raider avec Sophie Turner (Game of Thrones) dans le rôle titre, God of War ou encore Mass Effect, tandis que Alex Garland (Ex-Machina) se chargera d’adapter Elden Ring avec un casting déjà connu, Metal Gear Solid arrive lui aussi, une série Assassin’s Creed arrive aussi sur Netflix (avec Ramzy Bedia, oui oui) et un film live The Legend of Zelda nous parviendra pour 2027, qui est probablement l’adaptation qui sera la plus scruté. Bref, si les adaptations de jeux vidéos commençaient à vous fatiguer, attendez-vous à en bouffer pendant encore un petit moment.

[#jeu vidéo] - Citizen Sleeper 2: Starward Vector

Vous êtes un dormeur, une copie synthétique d’une personne qui a choisi de transférer son esprit dans un corps robotique afin qu’il serve de travailleur pour une corporation, Essen-Arp. Mais vous êtes différent. Vous avez réussi à vous échapper de leur emprise à bord d’un vaisseau avant de vous réfugier sur une station spatiale appelé l’Oeil d’Erlin. Votre corps a besoin d’une substance particulière pour survivre, un cadeau empoisonné de la part d’Essen-Arp afin de garder le contrôle sur vous. Il faudra aller à la rencontre de gens susceptibles de vous aider sur cette station afin de retrouver votre liberté et échapper à vos poursuivants.

Ce pitch, c’est celui du premier Citizen Sleeper, développé par Jump Over the Age en 2022. Très inspiré par le jeu de rôle, Citizen Sleeper est un jeu principalement narratif où le joueur passera son temps à lire du texte tout en faisant certains choix pour influer le cours de l’histoire (avec évidemment plusieurs fins différentes). Pour avancer, vous disposez de cinq dés à chaque cycle (une journée, en gros) aux chiffres aléatoires, que vous pouvez attribuer à des tâches permettant de faire avancer la progression d’un objectif et ainsi débloquer la suite de l’intrigue. Mais la réussite de cette attribution dépendra du chiffre du dé: plus il est grand, plus vous avez des chances de réussir, avec parfois des résultats positifs vous apportant des bonus, mais aussi des résultats négatifs qui vous octoieront des malus. Tout est donc une question de hasard et de comment vous gérez les dés à disposition afin de les attribuer correctement sans que votre personnage ne succombe ou ne soit rattrapé.

Dans les faits, il était difficile de perdre dans le premier Citizen Sleeper, puisqu’il suffisait de bien choisir les emplacements pour associer le bon dé au bon endroit. Le second opus reste sur le même principe, mais change drastiquement le système par rapport à son histoire. Cette fois-ci, le dormeur que vous dirigez est poursuivi par un gangs de criminels à travers la galaxie et doit voyager à bord d’un vaisseau grâce à un équipage qui ne fera que grossir au fil de l’aventure. Citizen Sleeper 2 propose bien plus de liberté et de variété grâce à une carte de l’espace où vous pourrez vous balader de station en station afin de résoudre les intrigues et de débloquer la suite de l’histoire. Mais le système de jeu a aussi évolué, avec une volonté de rajouter une certaine pression sur le joueur.

En effet, le jeu ajoute une barre de stress qui peut grimper fortement lors de contrats, des missions spéciales qui vous demandent de remplir des objectifs sur des quêtes dans un temps limité. Ce stress augmente en cas de résultats négatifs lors des attributions de dés durant ces missions, et trop de stress a pour effet d’enlever de la santé à vos dés à chaque cycle. Si un dé perd ses trois points de vie, le dé se casse et n’est plus utilisable avant d’être réparé. Si tous les dés sont cassés, votre personnage récupère un malus permanent qui donne un dé glitché avec seulement une chance sur 5 de réussir son lancer. Si les missions permettent d’embarquer deux membres d’équipages qui ont aussi deux dés chacun, ils subissent également le stress et peuvent être temporairement indisponibles. Il faut ajouter à ça des compétences de classes qui spécialisent chaque personnage (dont le joueur) mais qui réduit drastiquement le résultat d’un dé si la compétence demandée n’est pas compatible avec votre personnage. Bref, beaucoup de paramètres à prendre en compte pour la réussite de ces quêtes dont certaines seront déterminantes pour les arcs scénaristiques de plusieurs personnages.

Car si le premier offre bon nombre d’embranchements suivant les choix faits par le joueur, ici le jeu préfère influer l’histoire suivant la réussie ou l’échec d’une mission. Une manière naturelle de créer des choix qui échappe au joueur dans l’évolution de l’intrigue, mais ce ne sont plus vraiment des choix puisqu’ils sont régis principalement par vos lancers de dés. Si ce personnage n’arrive pas à réaliser ses rêves, ce ne sera pas dû au choix du joueur mais juste à cause d’une succession de mauvais lancers de dés et quand le jeu enchaîne pas mal de malus dûs à des coups du sort, ça peut devenir frustrant. Des malus que l’on peut réparer mais c’est au prix de plusieurs allers-retours entre les stations pour récupérer les pièces, qui elle-mêmes ne sont pas gratuites et demandent de l’argent en bossant sur les stations, où d’ailleurs vous ne pouvez pas rester trop de cycles sous peine d’être rattrapé par vos poursuivants et donc il faut aussi gérer les ressources pour voyager de station à station. Une lourdeur un peu incompréhensible, alors qu’il suffisait de jouer sur une notion de risque pour donner le choix au joueur de tenter une tâche difficile ou non quitte à en subir les conséquences, au lieu de les avoir aléatoirement sans qu’on ait notre mot à dire. Si une partie peut très bien se passer en gérant ses dés correctement (et il y a plus de chances que ça soit le cas), une mission peut très vite dérailler si les mauvais lancers s’enchaînent et devoir subir une boucle de gameplay lourdingue pour réparer ça n’est pas la meilleure idée du jeu.

Heureusement, le jeu bénéficie d’une écriture aux petits oignons et d’un mode de difficulté plus clément pour ceux qui veulent juste s’adonner au titre pour son univers et son histoire, toujours aussi prenants. Comme le premier, Citizen Sleeper est une pure oeuvre de science-fiction, qui continue à explorer sa dimension anticapitaliste. Car Citizen Sleeper ne s’intéresse pas aux guerres spatiales qui sont qu’une toile de fond et un contexte évoquée dans les discussions de comptoirs spatiaux. Le jeu préfère parler des gens qui restent et de comment ils tentent de survivre dans l’espace au milieu de grosses corporations avides de pouvoir et d’argent et de syndicats du crime qui ne jurent que par l’exploitation. Citizen Sleeper, ce sont les hangars remplis de prolétaires se tuant à la tâche pour réparer les vaisseaux, de bars glauques où chacun vient réclamer sa pitance ou d’escrocs en tout genre. Le jeu n’hésite pas à brasser une certaine diversité de population, et de comment chacun se retrouve brisé par ce capitalisme sanguinaire. Le dormeur représente alors cet être dénué d’humanité que l’on exploite sans vergogne mais qui veut trouver contre toute attente sa place dans le monde et renouer avec l’idée même de forger sa propre personnalité - métaphore parfaite pour un jeu de rôle.

Le jeu ne regorge pas d’artifices incroyables: pas de cinématiques, pas de graphismes impressionnants, on reste sur le style épuré du premier épisode en comptant avant tout sur le character design fantastique de Guillaume Singelin (Frontier) pour illustrer chaque personnage, et Gareth Damian Martin pour amener une écriture subtile et vivante. La traduction française qui est arrivé peu après la sortie bénéficie d’un soin tout particulier, et pour peu que l’on aime la lecture, on rentre dans cet univers avec l’envie de savoir ce qu’il va se passer. Si le système de jeu est un peu plus lourd que celui du premier épisode par certains choix, l’idée d’avoir son propre équipage et de connaître peu à peu chaque membre et de les rendre attachant fonctionne à merveille. On sort de ce second épisode tout aussi convaincu que le premier épisode, avec des étoiles plein les yeux devant cet univers de SF passionnant et un vrai attachement à suivre l’épopée libertaire de ces personnages qui ne rêvent que d’une vie meilleure.

Citizen Sleeper 2: Starward Vector / Développé par Jump OIver the Age / Sortie le 31 janvier 2025 / Disponible sur PC, Switch, Xbox Series, PS5 / Prix: 25 euros

[#film] - Bagarre

Réalisateur connu pour être - et oui - le fils de François Hollande et Ségolène Royal, Julien Royal aurait pu finir comme beaucoup d’autres en tant que “fils de” qui aurait obtenu un passe-droit dans le monde du cinéma et non par son talent de metteur en scène. Peut-être est-ce le cas, mais il aura quand même réussi à apposer son style dans le paysage du cinéma français. Suite à sa websérie En passant pécho qu’il va ensuite adapté en film sur Netflix, Julien Royal continue son chemin avec Les Nouveaux Riches, lui aussi sur Netflix. Il surprend son monde avec ce film en alternant la comédie et la castagne de qualité, selon les amateurs du genre qui auront noté une certaine appétance du réalisateur pour ce genre de cinéma. Il était tout naturel que son film suivant continue sur cette lancée avec un nom très équivoque: Bagarre.

Le film raconte l’histoire de Naim, un jeune homme au physique avantageux et un grand coeur. Mais Naim n’est pas, comme il dit dans le film, “le tiroir le plus aiguisé des couteaux”. Naim prend tout au premier degré et ne comprend pas le sarcasme, et lorsqu’il tente de trouver des petits boulots à Marseille, tout le monde profite de lui. Mais lorsque la situation s’emballe, il se révèle être un combattant hors pair, et lorsque sa petite chienne tombe malade, il doit regrouper très vite une forte somme d’argent pour la sauver. Il se fait alors embaucher par “Allô bagarre”, le Uber de la bagarre. Le principe est simple: quelqu’un appelle le service pour défoncer la tronche d’un quidam, et Allô bagarre envoie un gars pour faire le sale boulot, sans poser de questions. Sauf que Naim n’a pas forcément envie de violence et tente de créer le dialogue pour calmer la situation de manière pacifique.

Si l’acteur qui incarne Naim est aussi doué pour la bagarre, ce n’est pas un hasard: Nassim Lyes qui l’incarne a été champion de kick-boxing avant de devenir acteur. Il a marqué les esprits dans le film Farang de Xavier Gens, un gros shot d’action où l’acteur démontrait son talent physique à l’écran. Si pour Bagarre il maîtrise les séquences de combat à la perfection, c’est surtout dans son jeu pour la comédie que l’acteur impressionne. Ce n’est jamais évident d’incarner un crétin au grand coeur, et Nassim Lyes le joue parfaitement, réussissant à avoir un regard d’une profonde gentillesse et des réparties d’une connerie abyssale en restant crédible. Il incarne magnifiquement ce beau gosse qui rêve d’un monde où les gens se parlent au lieu de se mettre sur la gueule, dans un Marseille où le moindre personnage croisé est un cliché de cynisme et de sournoiserie.

C’est là où Bagarre tire son épingle du jeu: en confrontant ce bénêt à des personnages tantôt racistes, tantôt opportunistes mais toujours méchants, on se retrouve face à des situations comiques géniales, avec un ton électrique et débridé qui ne pourra pas plaire à tout le monde tant il joue sur la vulgarité et des punchlines sorties d’on ne sait où. Le film ne lésine jamais sur les piques acerbes qui font aussi mal que les mandales balancées dans les combats, même quand elle arrivent en fin de dialogue alors qu’on croyait la séquence terminée, histoire de rajouter une couche en plus. Quelques blagues touchent à côté, le rythme éffréné ne plaira sans doute pas à tout le monde. Mais on se marre en continu devant les conneries déroulées et on arrive même à s’attacher à certains personnages, comme ce Kevlar, bagarreur sans talent embauché juste pour les frais de défraiement mais qui forme avec Naim un duo qu’on a envie de suivre. Ce mélange de comédie avec de l’action qui ne lésine pas sur la violence est rare dans le cinéma français, et la maîtrise du film fait plaisir à voir.

Bagarre / Réalisé par Julien Royal / Avec Nassim Lyes, Anaïde Rozam, Ramzy Bedia, Hedi Bouchenafa / Sortie le 15 avril 2026

[#série] - Un très mauvais pressentiment

Rachel et Nicky sont fiancés et s’apprêtent à se marier. Nicky emmène donc sa chère et tendre dans le chalet familial pour la célébration, au fin fond du pays. Cela permettra par la même occasion à Rachel de rencontrer enfin sa belle-famille, et de constater qu’ils n’ont pas l’air aussi sympathique que son futur mari. Entre les parents qui voient le mariage d’un oeil suspicieux, le frangin et sa femme qui sont aussi aimables qu’une porte de prison et la soeur qui se présente à elle avec une histoire d’horreur à faire frissonner n’importe qui, les premières minutes en compagnie de la belle-famille ne sont pas des plus avenantes. Et cela ne rassurera pas Rachel qui est persuadé que quelque chose de très mauvais va se passer…

Si la série est présentée comme une production des frères Duffer, à l’origine de la série Stranger Things, c’est surtout l’oeuvre de la créatrice Haley Z. Boston qui chapeaute le projet et dont on sent l’envie dès le début de proposer une série qui se démarque du tout venant, en jouant certes sur l’aspect horrifique mais surtout qui parle des thèmes autour du couple, des incertitudes que tout cela peut provoquer et de comment est perçu ce reliquat trans-générationnel où la recherche de l’âme soeur deviendrait presque une condition obligatoire pour assurer un mariage réussi. Tout au long de ces huit épisodes que composent cette mini-série, Boston prend le pari de créer une vraie diversité dans les genres abordés à travers les différents épisodes, jouant énormément sur les faux-semblants, sur les malaises de la rencontre avec la belle-famille et sur une vraie confusion assez réussie entre ce qui est de l’ordre du fantastique ou pas. Puisque la série se passe quasi intégralement dans ce fameux et magnifique chalet sous la neige, la réalisation profite de cet aspect huis-clos pour jouer abondamment sur une caméra qui se balade de couloir en couloir, révélant des secrets plus ou moins bien gardés et s’amuser avec des travellings à tout va ou des plans-séquences forts réussies.

Tout le casting semble s’amuser, certains personnages secondaires ressortent vraiment du lot dans leur écriture comme le beau-frère et sa femme, mais c’est surtout l’actrice qui incarne Rachel, Camila Morrone, qui impressionne par sa capacité à porter tout le projet sur ses épaules, jouant avec beaucoup d’émotions différentes et à chaque fois avec beaucoup de talent. Evidemment, l’idée de base d’intégrer un personnage caractérisé par son envie de ne pas se conformer aux codes dans un mariage est propice à des confrontations régulières qui vont alimenter le propos de la série. Les huit épisodes profitent du format pour alterner régulièrement avec des archétypes de l’horreur ou du thriller psychologique de manière ingénieuse et sans jamais que ça ne paraisse hors de propos.

Malheureusement, cette volonté d’alterner régulièrement rend l’ensemble un peu fragile: passé certaines surprises, la série a du mal à rebondir sur le milieu de l’histoire. Forcément, quand on joue avec des fausses pistes, il faut savoir retomber correctement sur ses pattes pour relancer la machine, et Un très mauvais pressentiment n’y arrive pas toujours, même si les derniers épisodes redressent bien la barre. Pas de quoi ternir la qualité globale, mais on pourra ressentir un petit coup de mou en milieu de parcours. Reste que la mini-série possède un joli charme, celui de ces séries méconnus qui méritent le coup d’oeil, malgré les défauts évidents de rythme qu’elle peut avoir. On reste avant tout pour les personnages, plutôt bien écrits, et l’envie de savoir où tout ça va mener. Pour les amateurs d’horreur, elle propose quelques séquences réellement marquantes et surtout, elle parvient à mener sa réflexion sur le mariage jusqu’au bout, avec une conclusion étonnante et assez réussie. Pour une mini-série de huit épisodes, c’est déjà pas mal.

Un très mauvais pressentiment / Créée par Haley Z. Boston / Avec Camila Morrone, Adam DiMarco, Jennifer Jason Leigh, Ted Levine / Mini-série (8 épisodes) disponible sur Netflix

[#manga] - Evol

Evol, c’est avant tout l’oeuvre de Atsushi Kaneko, mangaka qui approche des soixante ans mais qui continue de travailler sur ses oeuvres en apportant ses propres inspirations qui viennent du cinéma et de la musique, en particulier dans un style punk rock complètement assumé et qui donne des oeuvres atypiques qui ne ressemblent à aucune autre. Il suffit de parcourir quelques unes de ses pages pour comprendre à quel point Kaneko possède son propre style, avec un character design léché tout en ligne sobre mais en jouant habilement avec les contrastes de son dessin, comme si le style de Tezuka s’était modernisé sans renier ses origines. Son premier manga Bambi, oeuvre énervée s’inspirant d’une chanson des Sex Pistols, lui aura valu de se faire remarquer, et il aura réussi à se créer à chaque manga son propre univers, filtrant avec du Lynch dans Wet Moon ou opérant même le remake d’une oeuvre de Tezuka, Dororo, avec Search and Destroy.

Dans Evol, Atsushi Kaneko s’attaque à l’imagerie du super-héros pour y parler d’une jeunesse japonaise désabusée qui s’oppose à la société dans laquelle elle s’apprête à rentrer. On est dans un univers où les justiciers avec des pouvoirs existent, promulgant la justice ici et là. Nozomi, Sakura et Akari sont trois adolescents qui ont chacun subi des agressions dans leur quotidien, que ce soit dans leur propre cellule familiale ou dans leur collège, jusqu’à ne plus avoir goût à la vie. Chacun fait une tentative de suicide qui n’aboutit pas et ils se retrouvent alors dans un hôpital psychiatrique, où ils sont, sans surprise, traités aussi mal qu’à l’extérieur. Mais ils découvrent alors qu’ils ont développé des pouvoirs après leur suicide raté, et décident de s’échapper pour décider quoi faire de ces nouveaux dons. Et puisque la société se ligue contre eux, peut-être qu’il faut alors lutter contre elle puisqu’elle n’a plus rien à leur offrir.

A travers ces trois personnages, Kaneko déploie un propos assez corrosif, celle d’une rébellion de la jeunesse contre une société qui ne comprend plus ces adolescents, qui se retrouvent livrés à eux-même sans qu’aucun adulte ne soit digne de confiance ou capable de les aider. Les justiciers et ceux qui les dirigent sont ceux qui contrôlent tout, sans remise en question, et la colère de ces trois adolescents va monter peu à peu en même temps que la puissance de leurs pouvoirs. A travers les dix volumes que composent ce manga, Kaneko met le lecteur du côté des adolescents, qui font tout pour tenter de lutter contre l’injustice, mais il fait très vite comprendre que son univers n’est pas manichéen et qu’aucun des personnages ne s’en sortira sans se salir les mains. Surtout, l’auteur ne se limite pas au Japon, mais amène une dimension bien plus globale et universelle, et ce, dès le début. On sent que l’intrigue est cohérente du début à la fin, et que rien n’est laissé au hasard. L’univers d’Evol est chaotique, sale, et le dessin de Kaneko, rempli de fulgurances de contrastes et de séquences prenantes, est parfaitement maîtrisé dans son découpage, bénéficiant de tout son talent pour nous accrocher dès les premières pages. Kaneko multiplie les idées autour des pouvoirs de ces adolescents au départ un peu inutiles (Nozomi peut juste percer des trous avec son index) mais l’inventivité et la créativité de l’auteur au service de cette histoire super-héroïque fait vraiment des étincelles.

Ne vous attendez pas à une intrigue qui va déborder de douceur: Evol est un manga cynique, noir et punk qui ne pose que peu de limites, sans être non plus atrocement violent ou sans concession. C’est là tout le savoir-faire de Kaneko, il parvient à créer ses propres limites parce qu’il n’a pas besoin de choquer pour choquer, il sait que l’écriture de ses personnages et de leurs arcs narratifs suffisent largement pour impliquer le lecteur. L’histoire reste fluide et les multiples rebondissements donnent envie de savoir la suite, et ce jusqu’à la fin. Une vraie pépite qu’il faut découvrir juste pour le talent graphique de Kaneko. Le seul petit couac se situe dans l’édition française chez Delcourt. Si l’édition bénéficie d’un vrai soin avec une couverture cartonnée et un format un peu plus grand qu’un manga traditionnel, les augmentations de prix récentes n’aident pas le manga à être accessible, avec un prix de 20 euros par volume. Si vous n’avez pas les moyens et que vous avez une petite médiathèque dans le coin, n’hésitez pas, ça vaut le coup.

Evol / Atsushi Kaneko / Editeur: Delcourt / 10 tomes (terminée) / 20 euros par tome

Les films gratos du mois

Ce mois-ci: France.tv régale, tout d’abord avec Aftersun, la pépite de Charlotte Wells dont je vante les mérites ici même. La disparition de Nathalie Baye fait que certaines plateformes proposent quelques films comme La Baule-les-pins, mais on a aussi droit à du Sidney Lumet, et pas n’importe lesquels: Douze hommes en colère et Network, deux chefs d’oeuvres qu’il faut voir.

Aftersun (Charlotte Wells - 2023)
Omar m’a tuer (Roschdy Zem - 2011)
Comme un lundi (Ryo Takebayashi - 2023)
Mandibules (Quentin Dupieux - 2020)
La Baule-les-pins (Diane Kurys - 1990)
A plein temps (Eric Gravel - 2021)
The Yards (James Gray - 2000)
Douze hommes en colère (Sidney Lumet - 1957)
Network (Sidney Lumet - 1976)
Taxi Téhéran (Jafar Panahi - 2015)
Shrek (Andrew Adamon, Vicky Jenson - 2001)
A armes égales (Ridley Scott - 1997)
Un p’tit truc en plus (Artus - 2024)
Les Indestructibles 2 (Brad Bird - 2018)
Django Unchained (Quentin Tarantino - 2012)

Playlist du mois

Ce mois-ci, c’est encore le jeu vidéo qui sort du lot, comparé à une production sur les musiques du film qui n’arrivent plus à proposer des choses réellement marquantes. Côté pixels, Austin Wintory revient mais sans retrouver la flamme de Journey, c’est plutôt du côté de Airborne Empire et Paul Aubry qui déroule ses envolées symphoniques avec talent, tandis que sur le jeu People of Note, l’aspect musical du projet permet d’avoir des mélanges musicaux assez incroyables à écouter.

Côté cinéma, quelques séries ressortent du lot comme Imperfet Women ou Daredevil: Born Again, mais c’est surtout le score de Super Mario Galaxy Movie qui marque un peu plus. Comme pour le premier volet, Brian Tyler récupère des scories de la licence à sa sauce, et comme ici la base est l’excellente musique de Mario Galaxy, ça délivre, comme on dit.

La playlist 2026 est disponible sur une seule playlist Youtube, pour plus de simplicité, et sera mise à jour au fur et à mesure. La version Spotify est toujours disponible.

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Misc

Parce que Robert Pattinson, ça a bien bien changé depuis Twilight, Blow Up revient sur sa carrière prolifique

Retour sur le groupe Gorillaz et toute son histoire ainsi que celle des personnages fictifs qui ont habillé les différents clips et albums

Si Mission to Mars est l’oeuvre du grand Brian de Palma, c’est aussi l’un de ses films les plus critiqués, et Ecran Large revient sur les coulisses de fabrication

Toujours sur EcranLarge, à l’occasion du retour de la série Malcolm pour sa mini-série, la chaîne revient sur les raisons du succès de la série originale et pourquoi elle est si géniale

On a déjà évoqué la chose dans les différents Editos, et Bolchegeek revient sur les conséquences politiques indirectes sur rachat de Warner par Paramount

Vous avez tous vu des publicités un peu partout: enquête du côté de Arte sur la face cachée des spectacles “Shen Yun”

Encore une super vidéo de Toujours Thomas qui revient sur les différents jeux Splinter Cell et pourquoi ça a été pendant un temps (et c’est toujours) l’un des meilleurs jeux d’infiltration

Le 17 mars dernier, lors du Game Developer Conference, le patron de Nvidia Jensen Huang dévoile en grande pompe la nouvelle technologique qui va habiller les futures cartes graphiques du groupe: le DLSS 5. Le DLSS, ou Deep Learning Super Sampling, est une suite de technologies récente développée par Nvidia dans le but d’améliorer sensiblement la qualité des images à partir d’images de qualités inférieure. Grosso modo: à partir d’une image de moindre qualité, le DLSS va calculer en temps réel grâce à des algorithmes une image de meilleure résolution ou bien avec une meilleure fréquence, en compensant la puissance réelle de la carte par de la génération d’images, pour les cartes les plus récentes. Une technologie assez impressionnante, qui évite de devoir investir dans une carte graphique dernier cri pour faire tourner les plus gros jeux et avoir un rendu correct à moindre coût, pour peu que le jeu soit adapté à cette technologie et bénéficier d’une carte RTX. Une technologie évidemment propulsée par une IA capable de recréer ce qu’il manque à l’image, que ce soit du raytracing ou des images intermédiaires.

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Mais le DLSS version 5 passe une nouvelle étape, et pour beaucoup la limite qu’il ne fallait pas franchir. A travers une vidéo qui a déjà tourné un peu partout, elle montre l’impact de la nouvelle technologie, qui va être capable de recréer complètement les graphismes du jeu, et en particulier les visages des personnages qui deviennent au mieux des poupées de cire, au pire des personnages qui n’ont plus rien à voir avec leur modèle original. Le nouveau modèle d’IA prend cette fois-ci en compte les couleurs et les éléments visuels des personnages et grâce à un entrainement préalable fait pour reconnaître les matières, les peaux, les tissus ou autre, elle regénère un rendu en “l’améliorant”.

Si dans les faits la technologie est impressionnante, on ressort de la démonstration assez circonspect devant le résultat. Alors qu’on se retrouve envahi par les visuels IA partout autour de nous (sur des affiches, des publicités, les réseaux sociaux), avec souvent un “style IA” très artificiel notamment sur les visages, voilà que le DLSS 5 transforme les intentions artistiques de développeurs à travers une moulinette IA pour homogénéiser tout à la même sauce. Le rejet en masse des joueurs ne s’est pas fait attendre, il suffit d’aller piocher dans les nombreux détournements hilarants sur le DLSS 5 pour s’en convaincre. L’idée de se retrouver avec des jeux ayant tous la même tête, avec le mêmes visuels pour les personnages fait très peur pour l’avenir, surtout quand on voit à quel point les humains deviennent des poupées vivantes donnant l’impression d’avoir été éclairé en studio photo. On se retrouve même avec des décors où les jeux d’ombre disparaissent devant des choix de ré-éclairages franchement douteux.

Jensen Huang, le patron de Nvidia, tente dans un mouvement désespéré un malin “vous avez tort” aux joueurs, histoire de leur faire comprendre que personne n’a compris la technologique qu’il essaye d’imposer à tout le monde. Non, les gamer.euses, ce n’est pas de l’IA générative mais de l’IA générative influencé par le contenu. Ah oui, dans ce cas-là, aucune raison de s’inquiéter. On préfère ne pas parler d’IA mais de “rendu neuronal” et Huang tient à rappeler que chaque studio aura la main sur les paramètres de cette technologie. Encore faudrait-il expliquer pourquoi les studios des jeux qui faisaient partie de la présentation n’étaient même pas au courant que leurs productions allaient servir d’exemple à cette technologie.

La technologie devrait ne pas arriver avant l’automne 2026 et reste réservé à ceux qui pourront se payer les dernières cartes graphiques en date, la démonstration étant faite sur deux Geforce RTX 5090, une carte graphique qui coûte rien de moins que 3 500 euros. Il y a encore du chemin avant que le DLSS 5 arrive chez le joueur moyen, mais vu la vitesse à laquelle se développe la technologie, on va peut-être y avoir droit dans pas si longtemps, si le backlash subit par Nvidia ne modifie pas leurs plans à l’avenir.

[#film] - Alter Ego

Alex est un homme qui a réussi dans sa vie. En tout cas, selon lui. Il a une femme qui l’aime, un fils, un boulot stable et une maison. Une vie dans laquelle il se sent bien, jusqu’au jour où de nouveaux voisins débarquent dans la maison accolée à la sienne, où seule une haie minuscule sépare les deux habitations. Mais Alex se rend compte que quelque chose cloche: le mari du couple, Axel, lui ressemble comme deux gouttes d’eau, mais en mieux. Là où Alex est atteint d’une calvitie précoce et d’une forme sportive toute relative, Axel, lui, a tous ses cheveux, un sourire bright et de l’énergie à revendre. Une meilleure version de lui, en gros. Et le pire dans tout ça: sa famille ou ses amis ne voient pas qu’il lui ressemble, et sont forcément attirés par la vive sympathie de ce nouveau venu. Alex commence alors à observer son double pour tenter de voir si quelque chose cloche.

Si ce concept absurde vous parle, c’est parce que le film est réalisé par Nicolas & Bruno, un duo de réalisateurs et scénaristes qui ont trouvé une certaine popularité grâce à leur programme court sur Canal+ en 1998, Message à caractère informatif. Des petites pastilles où les deux compères reprenaient des vieux films d’entreprise en les redoublant tout en créant une entreprise fictive, la COGIP. Il faudra attendre 2007 pour qu’ils tentent l’aventure du long-métrage avec La personne aux deux personnes, un film qui n’aura pas forcément trouvé son succès à sa sortie, mais a gagné petit à petit sa petite réputation. Après un autre film Le Grand méchant Loup et un autre détournement, cette fois avec des dialogues de films porno, A la recherche de l’ultra-sex, les deux réalisateurs reviennent avec ce nouveau film qui laisse la part belle à l’acteur principal, Laurent Lafitte, qui s’éclate à incarner deux rôles radicalement différents.

La principale qualité du film est évidemment Laurent Lafitte lui-même, qui est absolument parfait dans le rôle de ces deux personnages. D’un côté, un homme représentant une caricature de la famille moyenne, sans histoire, mais qui ne peut pas s’empêcher d’être jaloux de ce voisin qui lui renvoie sa propre image qu’il considère comme médiocre, quand bien même sa femme, incarnée par l’excellente Blanche Gardin, n’arrête pas de lui rappeler sa situation stable et l’amour qu’elle a pour lui. Evidemment, Alex bosse à la COGIP, afin d’enfoncer un peu plus sa vie dans une forme d’ennui, proposant en plus des seconds rôles savoureux comme Marc Fraize, génial en collègue de fortune qui va aider Alex dans son enquête sur Axel.

De l’autre côté, Axel, cette version “plus-plus” d’Alex, est incarné par un Laurent Lafitte tout aussi génial: un personnage agaçant dans sa perfection, où rien ne dépasse, avec une sympathie et une sociabilité qui peut énerver autant le spectateur qu’Alex lui-même, même si le bougre n’a en apparence rien à se reprocher. Nicolas & Bruno joue à fond la carte de cette compétition sociale basée sur la méritocratie en caricaturant à merveille tous les plus bas aspects. Les coups tordus, le voisinage qui se mêle de ce qui le regarde pas, le culte de l’image de soi, tout y passe dans cette histoire qui fait tout pour transformer cet univers banal en une ambiance étrange qui met le curseur de la fiction un tout petit peu plus haut que la réalité mais pas trop non plus pour en réussir le pastiche. Et voir Laurent Lafitte avec un seum monumental est un plaisir de chaque instant.

Le film aurait pu sombrer sur son concept, ou ne pas tenir la longueur, mais il y arrive grâce à plusieurs relances qui donnent envie de voir où toute cette histoire va aller. Les dynamiques arrivent à changer régulièrement, réussissant jusqu’au bout à tenir le comique de la situation, quitte à modifier l’atmosphère pour sombrer un peu plus dans l’étrange, mais sans jamais lâcher son postulat de base. Une vraie prouesse, qui fait que le film tient toutes ses promesses, alors qu’il est constamment sur le fil de l’angoisse et du malaise. Si vous aimez l’humour décalé et des acteurs.rices à leur meilleur, Alter Ego est une très bonne comédie.

Alter Ego / Réalisé par Nicolas et Bruno / Avec Laurent Lafitte, Laurent Lafitte, Blanche Gardin, Olga Kurylenko, Marc Fraize, Zabou Breitman / Sortie le 4 mars 2026

[#série] - One Piece

On ne présente plus One Piece, véritable morceau de bravoure dans l’histoire du manga. Avec 111 volumes et plus de 1000 épisodes diffusés en animation, c’est probablement l’un des shonen les plus populaires du moment, si ce n’est LE plus populaire. Ici, on ne va pas parler du manga ni de l’anime (ça pourra faire l’objet d’un article complet à part) mais plutôt de l’adaptation live faite par Netflix et dont la saison 2 vient de sortir tout récemment.

Se frotter à une adaptation live de ce monument de manga est clairement un projet qui avait tout pour s’écrouler avant même de commencer sa diffusion. Déjà parce qu’une adaptation live d’un animé est une chose compliquée, surtout de la part d’une grosse société de streaming américaine. On a déjà pu voir leurs premiers essais avec les adaptations de Death Note et surtout de Cowboy Bebop, des performances désastreuses que l’on préfère oublier. Ensuite, parce que One Piece est une oeuvre foisonnante avec une histoire déjà très longue, et il paraît assez évident que One Piece version Netflix aura beaucoup de mal à rattraper la parution du manga et d’aller jusqu’au bout de l’aventure, sauf si, comme l’atteste plusieurs rumeurs, Netflix ferait le choix de couper l’histoire à un certain moment. Eiichiro Oda, l’auteur original, a l’air très impliqué sur la production et pourrait réécrire l’histoire afin de s’adapter au format.

Enfin, One Piece, c’est une oeuvre somme qui rassemble absolument tout ce que l’on peut trouver dans la culture pop, se servant du fait que chaque île est différente pour créer un véritable melting pot qui ne devrait pas vraiment se croiser: on y croise des robots, des fantômes, des samouraïs, des animaux parlants, des anges qui surfent sur des nuages, des trains naviguant sur l’océan, sans parler de concepts idiots comme des téléphones qui sont en fait des escargots ou un personnage qui fait exploser ses crottes de nez (oui, voyez la saison 2). Des concepts qui fonctionnent en manga, mais qui pourraient s’avérer compliqué à reproduire en live. Et pourtant.

Si la saison 1 parvenait par on ne sait quel miracle à ne pas être fondamentalement nul, la saison 2 confirme que One Piece version Netflix est étonnament réussie dans ce qu’elle entreprend. Entendons-nous bien: ce n’est pas une grande série, elle possède énormément de défauts, principalement sa mise en scène pas toujours inspirée et abusant beaucoup trop de caméras à courte focale pour créer des cadres déformées afin, sans doute, de reprendre les perspectives parfois délirantes du dessin d’Oda. Mais au-delà de ça, cette version de One Piece possède l’élément crucial qui rend la série vraiment agréable à regarder: elle est faite par des passionnés. Elle est tellement à fond dans le respect de l’oeuvre originale que quasi chaque costume, chaque personnage, chaque morceau de bravoure qui aurait pu être coupée facilement restent présent dans la série. Il y a un respect du manga assez impressionnant qui ne refuse jamais d’aller au bout de l’idée originale, que ça soit la coiffure de Mr 3 arbordant fièrement un chiffre 3 ou cette coupe de cheveux en forme de croix qu’arbore le docteur Hiluluk dans l’arc de Drum. Une fois passé certains aspects cheap dans les costumes par exemple, on se laisse embarquer par le casting qui fonctionne étonnamment bien, à commencer par l’équipe du Chapeau de paille.

Inaki Godoy incarne un Luffy parfait, qui retranscrit à merveille sa bêtise naïve et sa passion communicative. Son énergie démesurée, couplée avec le stoïsme de Zoro ou la lucidité de Nami, rendent l’équipage immédiatement attachant. Mention spéciale à Jacob Gibson qui incarne un Usopp parfait, entre frousse naturelle et petit sourire de frimeur. Evidemment, on croise beaucoup de personnages dans One Piece, tous ne sont pas réussis, mais ils réussissent chacun à exister. L’arrivée de Chopper sur cette saison 2 aurait pu être foireuse mais l’incarnation CGI reste acceptable dans le cadre de la série, si on excepte l’une de ses transformations presque gênante. Mais tout ceci est vite rattrapé par l’épisode de son flashback qui parvient à nous arracher une petite larme. Si bon nombre de décors sont fabriqués en dur, il reste beaucoup d’effets visuels en CGI qui sont loin d’être tous réussis. Mais lorsque l’on voit tout ce que la série doit envoyer en effet différent au sein d’un seul épisode, qui ne sera le plus souvent pas repris sur l’épisode suivant, (il faut gérer autant les personnages avec des pouvoirs que des îles avec des géants et des dinosaures), c’est déjà un miracle que la production de la série ait réussi à ne rien laisser de côté par rapport au manga original.

Difficile de recommander la série à ceux qui ne connaissent rien à l’oeuvre original, parce qu’il y a de fortes chances que ce public n’y voit qu’une grande kermesse du n’importe quoi qui se déroule devant leurs yeux. Pour les autres, cela dépendra de votre tolérance à voir toutes ces choses dessinées en manga être incarnés à l’écran, avec un aplomb véritable. Est-ce qu’une adaptation live de One Piece était vraiment nécessaire ? Bien sûr que non, comme bon nombre d’adaptations/remakes/suites que l’on voit depuis bien trop longtemps dans le paysage culturel. Mais ce paysage n’étant qu’un recyclage éternel de choses que l’on a déjà vu, quand cela est fait inévitablement, voir une adaptation géré par une troupe de passionnés, qui aiment le manga et veulent donner la plus fidèle adaptation possible est ce que l’on pouvait espérer de mieux. Il y a un vrai plaisir à découvrir une nouvelle interprétation d’aventures que l’on a lu il y a (déjà) vingt ans. Et mine de rien, une oeuvre qui mise sans cynisme sur le positivisme et l’amitié sans faille de ses personnages, ça fait plaisir. On espère que ça durera aussi longtemps que possible.

One Piece / Créée par Matt Owens, Steven Maeda / Avec Inaki Godoy, Emily Rudd, Mackenyu, Jacob Gibson, Taz Skylar / Deux saisons (16 épisodes) disponible sur Netflix

[#jeu vidéo] - The Drifter

Il y a quelques années, le studio australien Powerhoof s’est un peu démarqué de la mêlée par leur jeu asymétrique multijoueur Crawl. Trois joueurs incarnaient les héros d’une descente dans un donjon tandis que le quatrième se réincarnait dans les mobs ou pièges afin de les arrêter, jusqu’à incarner le boss du niveau et tenter de les occire. Si le titre pourtant fun n’a pas marqué les esprits, on a surtout noté l’excellente réalisation en pixel art, dominé par des couleurs franches et des animations très inspirés. Ça tombe bien: pour The Drifter, Powerhoof ressort ses vieux pixels pour les mettre au service d’un jeu d’aventure point’n click du plus bel effet.

The Drifter raconte l’histoire de Mick Carter dans les années 90, vagabond qui vivote entre plusieurs villes d’Australie après avoir quitté celle où il habitait après un drame familial. Il est obligé d’y revenir suite au décès de sa mère pour assister aux funérailles et renouer avec son passé. Voyageant à bord d’un convoi de marchandises de façon illégale, il arrive à bon port mais est accueilli immédiatement par des mystérieux militaires qui lui tirent dessus sans sommation. Il va alors découvrir petit à petit pourquoi ces hommes l’ont attaqué, pourquoi les SDF du coin disparaissent mystérieusement et qui est cet homme barbu qu’il croise à plusieurs reprises ?

Dès le début, The Drifter accroche le joueur par une intrigue qui mélange du X-Files avec les légendes urbaines et autres histoires de conspirations cachant de lourds secrets. Très surprenante, l’intrigue va emmener le personnage dans des perspecives inattendues, jouant à fond la carte des révélations et des changements de perspectives pour mieux diversifier le contexte de l’aventure. On est dans du pur récit pulp mené tambour battant, sans jamais oublier de creuser le passé du personnage et ses relations avec sa soeur et son ex-femme qu’il recroise durant l’aventure. Le mélange des genres fonctionne à merveille, et jusqu’au bout The Drifter tient la route. Les amateurs de science-fiction et d’histoire paranoïaques seront aux anges.

L’autre point fort du jeu est clairement de l’ordre visuel. A l’instar de la grande époque des point’n click des années 90, quand LucasArts proposait des merveilles comme Monkey Island ou Day of Tentacle, The Drifter s’en inspire sans se cacher, en conservant un nombre limité de pixels pour jouer avec l’interprétation du joueur, mais avec quelques touches modernes commes des jeux de lumières dynamiques, afin de justifier ce choix en 2026. L’animation est très soigné, il y a quelques moments de mises en scène réussies (même si certaines passent par un écran noir, une voix off et l’imagination du joueur) et un casting vocal vraiment qualitatif pour incarner chaque personnage au poil et leur donner une vraie couleur. Ce parfait mélange donne une impression cinématographique assez forte malgré la limite de pixels et c’est un vrai plaisir de parcourir l’aventure.

Mais surtout, le gameplay s’autorise à moderniser la formule pour rendre le jeu accessible sans jamais dénaturer le genre. Si sur PC on pourra jouer avec la souris et retrouver les sensations d’antan, le jeu est complètement jouable à la manette, grâce à sa gestion des sticks. L’un permet de diriger le personnage tandis que l’autre permet d’afficher un petit cercle au pied de Mick et montrer les éléments accessibles tout autour de lui, dans un rayon limité. D’une pression sur la gâchette, on pourra alors juste lire le descriptif, utiliser l’élément sélectionné ou alors piocher dans son inventaire afin d’interagir avec. Plus question de perdre du temps à passer sa souris sur tous les éléments d’un décor pour chercher LE bout de pixel qu’on avait loupé afin de résoudre les énigmes. Ici, tout est clair, on a très vite un aperçu de ce qui est interactif ou non et c’est un confort indéniable, qui n’enlève pas la complexité du genre. On reste toujours sur des énigmes à base d’objets à récupérer que l’on doit utiliser au bon endroit, d’observation du décor et parfois des allers-retours avec le bon objet ou le bon indice pour débloquer la situation. On retrouve le plaisir du déblocage en cascade: “oh si j’utilise la poulie ici, ça me débloque un baton, qui va me servir de levier pour ouvrir la porte du garage dans l’autre décor, et je vais enfin récupérer le mot de passe afin d’accéder à l’ordinateur qui” et ainsi de suite.

L’une des petites originalités par rapport au genre est de placer parfois le joueur dans une séquence en temps limité pour le mettre sous pression et ainsi chercher le bon enchainement logique afin de se sortir d’une situation dangereuse. C’est vraiment bien fichu et jamais trop frustrant parce que le nombre d’actions reste limité et, avec le système expliqué plus haut, on est quasi sûr de ne pas louper un élément du décor. Tous ces éléments font de The Drifter un vrai petit bijou de point’n click rétro-moderne comme on en avait pas vu depuis longtemps. Réussir à retrouver une esthétique digne des meilleurs jeux LucasArts tout en le modernisant juste ce qu’il faut pour corriger les lourdeurs des jeux à l’ancienne, voilà une vraie petite prouesse qui fait de The Drifter un indispensable pour les fans du genre, surtout quand l’histoire est aussi réussie que celle-ci.

The Drifter / Développé par Powerhoof / Sortie le 17 juillet 2025 / Disponible sur Switch et PC / Prix: 20 euros

Les films gratos du mois

Ce mois-ci: quelques petites pépites, dont certaines qu’on a tendance à oublier comme Dallas Buyers Club ou le Souvenirs goutte à goutte de Takahata, film méconnu de sa filmographie. Je vous trouve très beau rend hommage à l’actrice Isabelle Mergault qui nous a quitté le mois dernier, tandis que Le Limier sur Arte sera l’occasion de voir Michael Caine d’une classe imparable dans ce classique des années 70.

Les filles du Dr March (Greta Gerwig - 2019)
Dallas Buyers Club (Jean-Marc Vallée - 2013)
Victoria (Justine Triet - 2016)
Je vous trouve très beau (Isabelle Mergault - 2005)
Souvenirs goutte à goutte (Isao Takahata - 1991)
Women Talking (Sarah Polley - 2022)
Le limiter Joseph L. Mankiewicz - 1972)
La momie (Alex Kurtzman - 2017)
Barbie (Greta Gerwig - 2023)
Jurassic World: Fallen Kingdom (J.A Bayona - 2018)
Fist of Legend (Gordon Chan - 1994)

Playlist du mois

Ce mois-ci, beaucoup de “bips” côté jeu vidéo, désolé pour ceux qui voudraient de l’orchestral. On rajoute quelques morceaux de Marathon, le jeu multi de Bungie qui sort enfin ses albums complets, tandis que Anamanaguchi revient en force sur Scott Pilgrim EX avec son style rétro inimitable. Et le jeu de course surprise Screamer conviendra à ceux qui cherchent des morceaux bien nerveux.

Côté ciné, le retour de Daniel Pemberton n’est pas passé inaperçu sur le film Projet Dernière Chance, le chouette film de science-fiction avec Ryan Gosling. On notera une petite inspiration côté Interstellar mais le bonhomme arrive encore à apposer sa patte. Et quelques morceaux côté One Piece dont une chanson spéciale dédiée à Chopper.

La playlist 2026 est disponible sur une seule playlist Youtube, pour plus de simplicité, et sera mise à jour au fur et à mesure. La version Spotify est toujours disponible.

» Accéder à la playlist Spotify de 2026

Playlist Youtube accessible en cliquant sur l’image

Misc

Jim Carrey était à l’honneur lors de la dernière cérémonie des Césars, il était normal que Blow Up revienne (encore) sur sa carrière

Le fameux trope du “Women in refrigerators" est une tendance dans la culture populaire arrivé dans les comics et Bolchegeek apporte sa lumière dessus avec talent

Quand on pense à l’horreur japonaise, on pense à Ring, mais Dark Water est pas loin derrière. Ecran large revient sur ce petit chef d’oeuvre

Retour sur l’actrice Maggie Cheung, figure majeure du cinéma chinois qui a marqué les esprits dans In the mood for Love de Wong Kar-Wai

Documentaire passionnant sur Arte qui remonte les origines du phénomène K-pop et analyse l’impact de cette culture dans le monde entier

Petite curiosité: la chaîne youtube d’Adam Savage, artisan réputé dans le domaine des effets spéciaux au cinéma. Il montre ici les coulisses de la création de l’intérieur du vaisseau pour le film Projet Dernière Chance

On pourrait en faire un feuilleton de ce qu’il se passe autour de l’éditeur Ubisoft, tant les retournements de situations sont légion. Ubisoft avait déjà annoncé en octobre dernier la création de Vantage Studios, afin de séparer les grosses franchises qui marchent (Far Cry, Assassin’s Creed, Rainbow Six) du reste - d’aucuns parleraient de séparer les torchons et les serviettes. Une décision particulière, qui intervient dans l’espoir de relancer un éditeur qui a de plus en plus de mal à assurer les succès. Toujours au top du management, Ubisoft avait aussi tenté une réduction de la voilure côté télétravail afin de remettre tout le monde en présentiel, parce que tout le monde le sait, on bosse vachement mieux quand on est tous là, c’est prouvé (non). Tout ceci avait évidemment conduit à un mouvement de grève.

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Ce qui nous nous amène à ce 21 janvier 2026, lorsque Ubisoft annonce via un communiqué officiel une “refonte majeure de son organisation (…) afin de retrouver son leadership créatif et une croissance durable”. Une manière fort élégante de dire qu’il va falloir se secouer les puces si on veut pas que le navire des Guillemot coule au fond de l’océan. L’idée est de gérer Ubisoft en plusieurs “Creative Houses”. On aura donc Vantage Studios, le joyau de la couronne, suivi de plusieurs Creative Houses où seront regroupés des pôles de jeux spécifiques. CH2 sera dédiées aux jeux de tirs compétitifs et coops (Splinter Cell, The Division, etc), CH3 concerne les jeux services fourre-tout (The Crew, For Honor…), CH4 sera dédiées aux jeux narratifs et fantastiques (BG&E 2, Rayman) et CH5 sera consacrée aux jeux mobiles et casuals (Just Dance).

Mais ce n’est que la partie restructuration de l’actualité du moment chez l’éditeur. Le reste des annonces est encore plus triste, puisque ce sont pas moins de six jeux qui sont purement et simplement annulés. Le plus symbolique reste le remake du Prince of Persia: Sands of Time, arlésienne en développement depuis plusieurs années (le premier trailer date de 2020 avec une sortie prévue pour 2021), mais avec une production relancée au studio de Montréal en 2022. Même si on pensait que les nouvelles étaient rassurantes, la coupe est brutale et tout le travail de plusieurs années jeté à la poubelle.

Pour le reste des jeux annulés, on parle de deux jeux Assassin’s Creed (Rebellion et Singularity), des projets annexes dont l’un sur mobile, et trois autres projets nouveaux: Ether, Pathfinder et Crest - un jeu de tir d’extraction pendant la Seconde Guerre. Toutes ces annulations conduisent à la fermeture de deux studios - Halifax et Stockholm - poursuivant ces coupes budgétaires, ainsi qu’un plan de départs volontaires de 200 personnes. Ces coupes ne sont pas une surprise, et les différents témoignages au sein de l’entreprise parle d’un cruel manque de transparence de la part de la direction et d’une confiance brisée qui va être difficile à reconstruire. Tout ceci aura conduit les employés à trois jours de grève en février pour protester contre les conditions de cette réorganisation.

Il va être difficile pour Ubisoft de remonter la pente. Avec une chute de 30% en Bourse, la société sacrifie ses employés pour pouvoir sauver le navire du naufrage. En 2026, on peut pas dire qu’il y ait une foule de jeux au portillon. Entre le paresseux Rayman: 30th Anniversary Edition et un accès anticipé sur le prochain Heroes of Might and Magic, le futur line-up d’Ubisoft est sacrément pauvre sur cette année, sauf surprises. Certains parlent d’un retour de Rayman avec un remake - d’où l’édition 30ème anniversaire - d’autres tablent sur des nouvelles pour un nouveau Splinter Cell, enfin. Des nouveaux Assassin’s Creed et Ghost Recon sont déjà sur les rails, ainsi qu’un nouveau Far Cry, mais difficile de dire si l’éditeur garde des cartouches dans sa manche pour des sorties en fin d’année, surtout quand un certain GTA VI est déjà assuré de faire main basse sur cette période.

[#jeu vidéo] - Cairn

Il y a dix ans sortait Furi des petits frenchies de The Game Bakers. Véritable lettre d’amour au beat’em all, introduisant un univers de combattants atypiques avec Takashi Okazaki (Afro Samurai) à la DA, Furi est un boss rush énervé et exigeant qui a su trouver son public. En 2020, le studio sort Haven, un jeu d’un tout autre genre, plaçant le joueur dans la peau de Yu et Kay, un couple contraint de fuir sur une planète inhabitée, proposant de traverser la vie quotidienne du couple. Un titre qui aura bien plus de mal à trouver son public. Enfin en 2026 sort enfin Cairn, le jeu qui nous intéresse. Exit le boss rush ou les histoires romantiques, Cairn vous place dans la peau d’Aava, une alpiniste chevronnée qui part à la conquête du mont Kami et de son sommet que personne n’a jamais atteint.

Si Cairn est un jeu qui mise beaucoup sur la solitude du personnage, Aava ne sera pas seule puisqu’elle sera accompagné d’un climbot, un petit robot qui l’accompagne dans son ascension afin de récupérer les pitons laissés sur la paroi ou de dérouler la corde qui permet à la grimpeuse de se sécuriser. Si la perspective d’avoir un jeu uniquement focalisée sur l’escalade d’une montagne n’est pas foncièrement nouvelle, surtout après un Jusant qui avait su tirer son épingle du jeu il y a déjà deux ans, Cairn ne prend pas du tout la même direction. Jusant jouait sur la découverte de son univers et ressemblait plus à un jeu de plate-forme, et Cairn lorgne du côté de la simulation. Lorsque qu’Aava est au sol, elle marche avec son sac à dos et peut accélérer la marche au prix d’un peu d’énergie, et même prendre son élan pour sauter devant elle. Lorsque le joueur commence à grimper la paroi, c’est là que le coeur du jeu commence.

Car le gameplay de Cairn se base sur quatre points d’accroches du personnage: ses deux mains et ses deux pieds. Le jeu ne demande pas au joueur de bouger le personnage mais ses quatre membres afin d’avancer, et ce, l’un après l’autre. Le système fait que le choix automatique de chaque membre se fait de façon optimale afin que la montée soit la plus fluide et logique possible: par exemple, si le pied gauche est le plus tendu après avoir posé la main droite, il y a de fortes chances que ce soit le suivant à bouger, afin d’offrir à Aava la posture la plus stable possible. Le jeu donne la possibilité de choisir quel membre bouger par une gâchette mais c’est au prix d’un délai supplémentaire qui pourrait causer la chute du personnage. Car c’est le principal danger de Cairn: grimper la paroi coûte de l’énergie et de l’endurance, et si le personnage n’en a plus, c’est le gros coup de fatigue conduisant à la chute, souvent fatale pour peu qu’on n’ait pas pensé à planter un piton un peu plus bas afin de s’assurer. Pour éviter cela, The Game Bakers a conçu les niveaux comme une multitude d’itinéraires symbolisés par des creux, des légers rebords et des fines crevasses qui paraissent souvent dérisoires mais suffisent à y placer son pied ou sa main.

Dès lors, le jeu demandera au joueur d’analyser la paroi devant lui afin de trouver la meilleure voie possible en anticipant les prises qui seront sur son chemin. Certaines sont plus techniques que d’autres, et ce sera au joueur d’observer attentivement grâce à une caméra libre accessible à tout moment afin de jauger, de contourner un surplomb dangereux, voire même de redescendre de quelques mètres pour atteindre une voie plus tranquille. Les sensations sont excellentes, et si le personnage pourra avoir des à-coups étranges et désarticulés, on sent vraiment le poids du personnage et l’importance d’une position stable qui lui assure de récupérer de l’endurance après un passage difficile. On a la sensation de tenir sa vie à un fil à chaque mouvement, et on prend son temps pour bien positionner chaque membre sur les prises. On a même la possibilité d’annuler sa prise afin de placer son membre ailleurs, évitant ainsi quelques imprécisions. On prend le temps de savoir où placer ses pitons en amont de passages compliqués, et d’user de la magnésie au maximum pour bénéficier d’une super adhérence, un vrai bonus sur des endroits délicats. D’autres paramètres rentrent en jeu, comme des bourrasques qui peuvent déséquilibrer ou de la pluie pour atténuer l’adhérence - même si ces deux éléments sont loin d’être les plus contraignants une fois en jeu.

Ce sont les autres aspects qui vont demander bien plus d’attention, puisque trois facteurs sont au coeur de la survie du personnage: la faim, la soif et le froid. Si le dernier intervient surtout dans la dernière partie du jeu, les deux autres baissent très vite au fil du temps. Il faudra alors prendre le temps de bivouaquer aux points de sauvegarde afin de reprendre de l’énergie et de cuisiner ce que l’on a dans le sac. Si les deux tablettes de chocolat avec lesquelles on commence passe vite à la casserole, c’est en explorant la montagne, notamment dans d’anciennes habitations ou sur le cadavre de grimpeurs qui n’ont pas eu de chance, que l’on trouvera de quoi survivre. On accumule alors des recettes spéciales conférant des bonus temporaires, avec la possibilité de conserver certains breuvages dans sa gourde à la place de l’eau, puisqu’en cours de grimpe, seule sa gourde, ses pitons et sa magnésie seront accessibles à portée de main. Pour accéder au contenu de son sac, il faudra alors planter un piton et se vacher afin de récupérer le reste de purée que l’on a cuisiné la veille et tenir la distance.

Et si Cairn a déjà un système de jeu très poussé et vraiment réussi, parvenant à capter les sensations d’escalade et de danger permanent que l’on pourrait avoir dans cette situation (chaque paroi franchie demande tellement de concentration que l’on profite à fond de chaque bivouac), The Game Bakers n’a pas pour autant laissé de côté la narration, afin de dérouler une véritable histoire de dépassement de soi et de sacrifice. La splendide direction artistique du jeu a été confié à Mathieu Bablet, connu pour ses bandes dessinées comme Silent Jenny, ce qui donne des panoramas aux couleurs sublimes, même si on sera un peu plus divisé sur le design des personnages particuliers. Mais l’auteur s’est également occupé de l’histoire, et il faut dire qu’elle parvient à toucher une corde que l’on ne soupçonnait pas.

De la même manière que Le Sommet des Dieux explorait les raisons délirantes de ces personnes qui risquent tout pour atteindre un sommet inatteignable, Cairn est aussi de cette trempe, grâce à une Aava qui ne parle quasiment jamais pendant son ascension, crie de rage quand elle chute ou exprime un soupir de satisfaction exténué lorsque sa prise est excellente. Le climbot faisant également office de radio, elle captera des messages de ses proches, permettant de construire de plus en plus le personnage et d’en apprendre plus sur sa démarche et ses motivations. Elle fera aussi quelques rencontres, mais c’est dans la construction du lore du jeu que Cairn brille également, car on comprend vite, à la manière de Jusant, qu’une population troglodyte a habité dans cette montagne. Cela donne des architectures étonnantes, faites de statues gigantesques, de puits de lumière à escalader et de multiples grottes offrant parfois de précieuses ressources voire même des raccourcis ou des objets bonus qui s’avèreront indispensables. On prend plaisir à lire les notes laissés ici et là, soit pour trouver certaines voies plus simples, soit pour enrichir l’histoire et confronter Aava à sa propre vie et ses choix. Cairn parvient à trouver le juste milieu entre narration environnementale et préserver le silence assourdissant du mont Kami, véritable monstre qui paraît infranchissable.

Jusque dans ses dernières secondes, Cairn arrive à maintenir ses qualités évidentes, que ce soit dans son gameplay exigeant mais incroyablement satisfaisant, dans l’histoire du personnage d’Aava ou dans la construction de son univers qui ne demande qu’à être découvrir. Avec un jeu aussi méticuleux dans son level design, il reste quelques défauts, comme de vraies imprécisions par endroits et quelques passages où Aava perd l’équilibre sans raison. Des imprécisions compensés par de multiples options d’accessibilité pour faciliter la progression. Car ces quelques défauts n’entachent pas l’expérience assez unique proposée par Cairn. Jamais un jeu d’escalade n’était parvenu à retranscrire ces sensations à ce point, tout en apposant une patte artistique et narrative indéniable. Cairn est un titre marquant et qui le restera sans doute sur cette année 2026.

Cairn / Développé par The Game Bakers / Sortie le 29 janvier 2026 / Disponible sur PS5 et PC / Prix: 30 euros

[#film] - Ma frère

Le duo de réalisatrices Lise Akoka et Romane Guéret n’en sont pas à leur premier long-métrage et aura déjà marqué le cinéma français avec Les Pires en 2022. Après avoir exploré l’adolescence à travers leur web-série Tu préfères sur Arte, elles décident de prolonger cette exploration avec leur dernier film, Ma Frère, récupérant au passage une partie du casting de leur web-série, notamment Fanta Kebe et Shirel Nataf, afin de reprendre les mêmes personnages mais de les explorer dans un autre contexte. On retrouve alors Djeneba et Shaï, deux copines de quartiers populaires qui se connaissent depuis l’enfance et qui vont s’embarquer dans une colo d’enfants en vacances pour camper dans la Drôme. Djeneba galère à gagner sa vie pour s’occuper de son petit frère que sa mère abandonne à la moindre occasion, tandis que Shaï profite de d’une belle histoire d’amour avec insouciance.

Si le pitch peut rappeler un film comme Nos Jours Heureux, le film va s’orienter vers une approche presque documentaire, dans la manière de croquer des petites histoires du quotidien et alterner très souvent les points de vues des animateurs et celui des enfants. Et très vite, la magie opère: on est séduit par cette espèce de spontanéité solaire qui émane des personnages, surtout celle des enfants, entre petites histoires d’amour, découverte des joies du camping et langages souvent vulgaires mais sincères. La force de Ma Frère, c’est de réussir à conserver une vraie fraîcheur sur toute la longueur du film, et surtout de proposer un vrai point de vue contemporain sur cette jeunesse qui s’apprête à découvrir la société moderne, à la fois à travers l’innocence des enfants et de ces jeunes adultes qui prennent ça en pleine face. Le film parvient aisément à faire le parallèle entre la vision naïve des enfants et celle de ces jeunes adultes, portés par un langage soutenu représentatif de notre époque.

Evidémment, avec un film de colonie de vacances, il fallait un casting impeccable pour tenir sur la durée. On sent parfois le manque d’expérience, mais tous les personnages sont impeccables, aussi bien les adultes que les enfants, qui sont impressionnants de sincérité et de justesse pour retranscrire ces petits dramas du quotidien ou ces moments de franches rigolades. Côté animateurs.rices, ici aussi c’est du solide. On notera une Amel Bent en cheffe de camp parfaite pour maintenir l’ordre quand il faut et faire preuve de tendresse dans les moments délicats. Si Shirel Nataf en Shaï est très bien dans cette jeune adulte portée par des illusions amoureuses, c’est vraiment Fanta Kebe dans le rôle de Djeneba qui apparaît comme une vraie révélation, alternant avec beaucoup de justesse une confiance en soi et une vraie sensibilité.

Ma frère apparaît comme une vraie bonne surprise, le genre de film feel good et ensoleillé qu’on gardera sous le coude en cas de coup de mou tellement le film emporte tout par son énergie et son ton rafraîchissant. On sourit d’un air béat devant les frasques des enfants et on est émus par ces adultes qui se confrontent à peine à la réalité de la vie, et on observe ces deux groupes se porter mutuellement afin de grandir chacun à leur façon. Un magnifique coup de coeur.

Ma Frère / Réalisé parLisa Akoka & Romane Guéret / Avec Fanta Kebe, Shirel Nataf, Amel Bent / Sortie le 7 janvier 2026

[#série] - Ça: Bienvenue à Derry

Dans l’écosystème infinie de la plate-forme HBO Max apparaissent des séries qui sont là pour remplir la grille des programmes, comblant les trous de productions plus prestigieuses comme Game of Thrones ou Euphoria. HBO appartenant à Warner, il est logique de voir bon nombres de séries dérivées de licence à la qualité variable pulluler en streaming, comme Dune Prophecy, Peacemaker ou récemment The Penguin, qui a su s’imposer par son casting et sa narration solide. Ça: Bienvenue à Derry est un peu particulier puisqu’il vient prolonger l’expérience cinématographique sortie en salle en deux parties (respectivement en 2017 et en 2019), et débarque plusieurs années après sur la plate-forme, affichant son lien fort avec les deux films puisque le réalisateur Andrés Muschietti est de retour à la barre, ainsi que son protagoniste principal, Bill Skarsgård, qui a marqué les esprits dans l’interprétation du clown psychopathe.

Dans le roman original (et par ricochet dans les films), il est dit que Ça est un monstre qui rôde dans la petite ville de Derry et qu’il sort tous les 27 ans pour se repaître de jeunes enfants en plongeant les habitants dans la peur. La série Bienvenue à Derry prend le pari de raconter les événements antérieurs au roman, et plus précisément remonter de plus en plus le temps au fil des saisons (trois seraient prévues), afin de créer une espèce d’anthologie où chaque saison serait concentrée sur une seule période. Le premier film se déroulant en 1989, il était donc logique de remonter 27 ans plus tôt jusqu’à 1962 et c’est donc durant cette année que prennent place les événéments de la série. On y suit alors quatre enfants vivant à Derry et partant à la recherche d’un de leur camarade qui a mystérieusement disparu, tandis qu’une base militaire américaine s’intéresse de près aux forces maléfiques qui entourent la ville de Derry.

Pour les fans du roman de Stephen King, certains événements relatés dans la série n’auront rien de surprenant puisqu’ils sont évoqués comme des faits dans le passé de la ville de Derry que découvre les personnages du roman original, comme ce qu’il se passe autour d’un bâtiment nommé le Black Spot. Là où la série se révèle plutôt maligne, c’est dans sa manière de tisser son histoire autour de ces quelques bribes d’informations afin d’élargir l’univers du livre, dont certaines intrigues développant bien les origines du monstre. On y avait déjà appris bon nombre de choses dans le roman et les deux films, mais la série Bienvenue à Derry prolonge tout ça en allant chercher encore plus loin, aussi bien dans l’importance des amérindiens déjà présents sur place depuis des générations que dans la raison pour cette créature d’incarner Pennywise, le fameux clown dansant. Et à travers ces huit épisodes, Muschietti et ses équipes en profitent pour faire ce que King faisait déjà dans ses romans en liant certaines oeuvres entre elles - on ne sera donc pas surpris de croiser la route d’un personnage de Shining par exemple.

Mais la période utilisée - les sixties - est aussi une opportunité de développer la vision d’une Amérique plongée dans une certaine paranoïa de l’autre. Ça étant l’incarnation de la peur avec une propension à créer une atmosphère terrifiante à chacune de ses apparitions, la série en profite pour parler de thématiques bien plus réelles: la peur du nucléaire, le racisme ambiant et même des peurs plus enfantines en ce qui concerne le casting des enfants. Bienvenue à Derry est étonnamment riche et profite de cette libération du roman original pour vraiment développer tout ceci avec une réelle intelligence, que l’on n’aurait pas soupçonnait.

Et niveau horreur, ça donne quoi ? Ici aussi, la série en donne pour son argent. Ça, c’est l’occasion de mettre en scène des séquences marquantes où les enfants se retrouvent confrontés à leur pire cauchemar, et la série ne lésine pas sur les moyens pour y aller à fond. Si Pennywise n’apparaît pas tout de suite, ses apparitions sont toujours l’occasion de montrer que Bill Skarsgård est un choix de casting parfait pour l’incarner. On se souviendra de cet épisode 1 qui est clairement une note d’intention assez claire et donnera le ton de la série. On sent que la série a eu les moyens de ses ambitions, et se révèle être une excellente surprise. On pourra même aller au-delà de ça: en s’extirpant des obligations du roman original, Bienvenue à Derry se révèle finalement bien plus intéressant que les deux films récents, réussissant à la fois à développer son univers, exploiter son horreur graphique pour y amener des thématiques différentes et s’amuser avec des idées très graphiques sans être contraint par le matériau original. Une excellente pioche donc, en plus d’avoir une histoire auto-contenue.

Ça: Bienvenue à Derry / Créée par Andrés Muschietti & Jason Fuchs / Avec Bill Skarsgård, ClaraStack, Taylour Paige, Jovan Adepo, James Remar / Une saison (8 épisodes) disponible sur HBO Max

[#bd] - Terre ou Lune

Avant d’être autrice de bande dessinée, Jade Khoo est une artiste qui a suivi un cursus dans le cinéma d’animation avec à la clé la réalisation d’un court-métrage, Colza. Très vite, elle s’oriente vers la bande dessinée avec un premier album en 2022, Zoc, racontant l’histoire d’une jeune fille dotée d’un pouvoir étrange, celui de pouvoir capter l’eau avec ses cheveux et de la transporter ou bon lui semble. La BD est déjà remarquée par bon nombre de critiques qui saluent la beauté graphique du livre. Quatre ans plus tard, Jade Khoo revient chez le tout jeune éditeur Morgen pour le premier tome d’un diptyque, Terre ou Lune.

L’histoire prend place dans un endroit ressemblant à une campagne française du nom de Magny-les-Alcoz. Othello est un jeune garçon passionné par les oiseaux qui passe son temps libre à les observer et à les reconnaître, pressé de rejoindre avec son ami Ange le club d’ornithologie de son école. Mais un drame familial va bousculer tout ça et forcer Othello à rejoindre un foyer pour jeunes. Quelques années plus tard, il va retrouver ses amis du club qui ont décroché un poste pour préserver les espèces d’oiseaux dans une réserve naturelle. Othello va apprendre à les côtoyer mais aussi à découvrir ce qui se cache derrière les origines de sa famille.

Ce qui frappe immédiatement en ouvrant le livre, c’est la beauté des planches. Jade Khoo profite de cet espace bucolique teinté de SF pour peindre de somptueuses ambiances campagnardes, avec un luxe de détails vraiment impressionnant. Rien que dans les cadrages de chaque case on sent l’expérience du storyboard et du cinéma d’animation pour créer l’illusion du mouvement, preuve qu’il en est que la BD et le cinéma d’animation peuvent créer un mélange superbe. Il y a un vrai travail de clarté dans chaque case, pour capter les personnages dans ces décors grandioses, et un boulot sur le rythme de l’histoire impressionnant, qui alterne les moments de contemplations et de révélations scénaristiques, qui font que les près de 300 pages de ce premier tome passent à une vitesse folle. On est presque tenté d’y retourner immédiatement pour profiter en détail de ces cases magnifiques.

On aurait pu croire que la BD verse uniquement dans un élan écologique autour du passage à l’âge adulte de ses personnages, mais peu à peu, l’histoire embrasse complètement son aspect science-fiction, qui devrait être encore plus présent dans le second tome vu ce qui est amorcé dans ce premier volume. Si les thématiques autour de la nature ne sont là qu’en filigrane et permettent d’asseoir toute la qualité graphique de l’autrice, c’est vraiment pour mieux se concentrer sur le drame familial autour du personnage d’Othello, dont son enquête lui permet de découvrir peu à peu l’univers qui nous est dépeint et que l’on découvre avec lui. Une vraie merveille de bande dessinée, dont on voit le cap qualitatif avec Zoc, sa première BD. Il ne reste plus qu’à attendre la suite et fin de cette histoire, dont la sortie est déjà prévue pour septembre 2027.

Terre ou Lune / Jade Khoo / Morgen / Premier tome (sur deux) / 304 pages / 28 euros

Les films gratos du mois

Ce mois-ci: France.tv nous lâche quelques films récents, notamment avec Yannick (quel merveilleux prénom, non ?) de Dupieux, Illusions perdues ou Le livre des solutions. La famille Asada ravira ceux qui veulent de l’émotion et Les Noces Rebelles sera parfait pour ceux qui veulent une suite imaginaire de Titanic, avec Dicaprio et Winslet.

Yannick (Quentin Dupieux - 2023)
Ma Loute (Bruno Dumont - 2016)
Illusions perdues (Xavier Giannoli - 2021)
Va, vis et deviens (Radu Mihaileanu - 2005)
Le livre des solutions (Michel Gondry - 2023)
La famille Asada (Ryota Nakano - 2020)
Les noces rebelles (Sam Mendes - 2008)
Gosford Park (Robert Altman - 2001)
Tout sauf toi (Will Gluck - 2023)
Ocean’s Eleven (Steven Soderbergh - 2001)
Jours de Tonnerre (Tony Scott - 1990)
Forrest Gump (Robert Zemeckis - 1994)

Playlist du mois

Ce mois-ci, le jeu vidéo revient en force avec beaucoup d’excellentes soundtracks et des styles variés. Cairn est obligé de passer dans la playlist avec la présence de Toxic Avenger à la composition, mais le jeu de cambriole africain Relooted promet aussi une bande-son atypique et réellement qualitative. En dehors de ça, Mewgenics vous proposera des chansons un peu… spéciales et Lumines Arise ravira les amateurs d’électro.

Sur le cinéma, Marty Supreme marquera les esprits avec sa bande-son très racée qui rappellera une tonalité presque surréaliste, et la BO de la dernière série Marvel, Wonder Man, s’avère plutôt qualitative sans non plus de révolutions.

La playlist 2026 est disponible sur une seule playlist Youtube, pour plus de simplicité, et sera mise à jour au fur et à mesure. La version Spotify est toujours disponible.

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Playlist Youtube accessible en cliquant sur l’image

Misc

Retour sur le phénomène chinois Nezha 2 par Ciné Skope, qui analyse pourquoi ce film d’animation a été le plus gros succès de l’année dernière au cinéma en passant quasiment inaperçu chez le public occidental

A travers les deux épisodes de Super Mario Galaxy, Toujours Thomas revient sur la série des Super Mario épisode par épisode

Vous pensiez que Dirty Dancing n’est qu’un film de comédie romantique avec de la danse ? C’est le cas, oui, mais il cache bien plus de choses qu’il ne le laisse penser

Retour de l’année 1980 chez Blow Up au cinéma

Retour sur Spider-Man 2 de Sam Raimi et de la construction d’une de ses séquences d’action la plus connue, et pourquoi encore aujourd’hui elle met la misère aux autres films du genre

Archipel revient sur Mahiro Maeda, bonhomme de l’animation japonaise qui aura collaboré avec des grands noms et sur de grandes oeuvres comme Evangelion ou The Animatrix (sous-titres anglais uniquement)

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Difficile début d’année que voilà, avec un mois de janvier particulièrement compliqué sur l’actualité mondiale. On ne va pas se mentir: parler de culture quand tout a l’air de foutre le camp autour de nous donne un sentiment très étrange, comme si le monde continuait de tourner sans capter qu’il part en vrille, et que les angoisses qui peuvent jaillir sur nous ne représentent rien à l’échelle mondiale. Si l’art est toujours présent et reste capable de nous enrichir voire même d’élargir l’esprit, c’est aussi parce qu’il est capable de retranscrire les choses que nous vivons, afin de nous en faire prendre conscience voire même tirer un minimum de positivité. L’art peut faire du bien, peut développer notre point de vue et amener une vraie émotion collective positive. Ça ne sauvera pas le monde mais ça permet de ne pas sombrer dans la déprime.

Et s’il y a bien une chose qui peut interférer avec l’art aujourd’hui, c’est bien l’intelligence artificielle, clairement dans beaucoup de discussions actuelles. La fameuse pub du Loup d’Intermarché sorti à Noël dernier a justement été source de vives discussions sur l’intérêt de l’IA pour générer des images, quand on voit la qualité de ce court-métrage qui, au fond, n’est qu’une commande marketing d’un groupe de grande distribution. On pourra y voir le côté positif d’un tel engouement: que le grand public capte la puissance créatrice et narrative d’un groupe d’individus autour d’un projet sans avoir recours à de l’IA. On pourra aussi observer avec un certain cynisme que l’IA a tellement fait du dégâts dans la perception d’oeuvres illustratives qu’on se retrouve à aduler une publicité parce qu’elle est faite par les humains. Au moins, le studio a profité de cet engouement pour lancer son propre film d’animation.

Et l’année 2026 n’ira pas en s’arrangeant, jusqu’à impacter nos habitudes technologiques. Peut-être que vous le savez déjà, mais les barrettes de RAM ont vu leur prix augmenté de façon stratosphérique ces dernières semaines. Dans le monde, il y a trois fabricants principaux de RAM: Micron (explosion), Samsung et Hynix. Début décembre, Micron a fait une annonce choc: l’entreprise se retire du marché grand public pour fournir intégralement ses ressources de production vers les clients qui donnent le plus d’argent. Qui sont-ils, me direz-vous ? Les datas centers, en pleine croissance depuis quelques temps, qui ont besoin de cette RAM pour assurer le fonctionnement des IAs. Les deux autres fabricants ont aussi obtenu de gros accords comme Samsung avec OpenAI pour redirigé leur productions vers ces infrastructures. Autant dire qu’il faudra attendre une régulation économique potentielle pour éviter une inflation démesurée.

Qu’est-ce que cela signifie ? Et bien disons que nombre de nos appareils grand public ont besoin de RAM pour fonctionner, et que si son prix augmenter, cela va de facto augmenter le coût de productions des smartphones, des PC, des consoles de jeux et autres machines technologiques. L’offre deviendra plus faible que la demande, et il y a de fortes chances que les prix augmentent cette année, notamment sur les produits dont les marges sont les plus faibles avec des coûts difficiles à absorber. Même avant l’annonce de Micron, les prix des barrettes avaient fortement augmenté: une barrette DDR5 32 Go qui coûtait 190 euros en septembre a bondi à 390 euros en novembre.

Certains spécialistes parlent d’une crise qui pourrait durer jusqu’à 2028. Si vous avez un besoin technologique comme un nouveau smartphone, il faudra donc ne pas trop traîner pour se retrouver avec des prix exhorbitants. Steam, qui a annoncé dernièrement de nouvelles machines et casques VR pour sortir cette année, n’a pas mis encore de prix sur ses produits, probablement pour attendre de voir comment la situation évolue. Certains pensent aussi que l’IA est dans une bulle économique qui pourrait bien éclater cette année. Dans tous les cas, les habitudes des férus de technologies seront impactés par tout ça.

[#film] - Le maître du kabuki

Comme chaque année, les prétendants à l’Oscar du meilleur film étranger se bousculent pour décrocher la statuette et le Japon aura son champion en 2026, avec Le maître du kabuki. Petit phénomène dans son pays natal sorti en juin dernier, le film aura su trouver son public avec une hausse de la fréquentation après la première semaine, signe que le film arrive à toucher un public bien plus large que sur ses premières estimations. Le film atteindra les 12 millions de spectateurs au Japon. Le maître du kabuki est l’oeuvre de Lee Sang-il, réalisateur japonais d’origine coréenne qui aura fait quelques films comme Rage ou Unforgiven - oui, c’est un remake du film de Clint Eastwood avec Ken Watanabe dans le rôle titre.

Le maître du kabuki se déroule en 1964 à Nagasaki. On y suit alors Kikuo, âgé de seulement 14 ans et fils d’un chef de yakuza, qui est un passionné de kabuki, ce célèbre art de théâtre japonais traditionnel qui combine la danse et le chant. La particularité de cet art est de mettre en scène des acteurs masculins jouant souvent des rôles féminins, avec un focus sur le maquillage et les costumes. Lors d’une soirée, le père de Kikuo se fait tuer et il est alors récupéré par un célèbre acteur de kabuki, Hanai Hankiro, pour apprendre son art en compagnie de son fils et élève, Shunsuke. Les deux enfants vont alors grandir ensemble, développer leur art et évoluer dans leur carrière du kabuki avec chacun leurs envies de grandeur et de célébrité.

L’une des forces du Maître du kabuki, c’est son ampleur. L’histoire s’étend sur plusieurs décennies et ambitionne de brosser le portrait de deux personnages sur cette longue durée, avec l’idée de créer une fresque sur cet art théâtral. On pensera forcément au Adieu ma concubine de Chen Kaige qui portait lui aussi une certaine ambition pour raconter l’art du théâtre chinois. Mais si ce dernier brossait également le portrait d’une Chine en pleine révolution culturelle, arbordant frontalement l’aspect politique, Le maître du kabuki n’a pas cette prétention et préfère parler de l’art lui-même, et de ce que l’on doit endurer pour en être légitime. Les deux personnages sont diamétralement opposés sur leur caractère: Kikuo est un fils de yakuza, qui n’a aucun lien filial avec le kabuki mais son talent inné et l’acharnement de son travail vont le porter très haut. Shunsuke, quant à lui, n’a peut-être pas autant de talent que son camarade, mais possède le nom de son père qui va l’aider à propulser sa carrière.

Ces deux personnages sont développés en parallèle afin de brosser un large portrait de cet univers et les thématiques liées, comme la persévérance de son art, la reconnaissance, vouloir prouver qu’on est légitime même si on ne vient pas d’une famille du kabuki, mais aussi l’idée de devoir garder la réputation familiale intacte à cause de la pression sociale imposée par une société japonaise conservatrice. Et au milieu de tout ça, le kabuki apparaît comme une oasis de beauté, de délicatesse et de sensualité. Même sans connaître le kabuki, on reste subjugué par les séquences de théâtre, devant ces magnifiques costumes, ces mouvements gracieux qui nous subjuguent autant que le public du film. La prouesse des personnages et leur volonté de proposer le meilleur spectacle embarque le spectateur dans cette performance, mûe par des ambitions diverses: prouver sa valeur à soi, à son père, voire même sans passion quand on réalise que cet art n’est plus que la seule voie qu’il reste. Le kabuki devient alors un rôle où on s’enferme et où on s’exhibe en changeant de sexe, dans toute sa démesure pour satisfaire un public avide de spectacle, mais sans jamais renier la poésie qui se dégage de cet art. La dernière séquence, la plus belle, est peut-être celle qui représente à merveille ce que le film veut raconter.