oie! seja bem vinde a mais uma edição da makers. eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. na última edição da newsletter, compartilhei um gif confeccionado com bordado, que criei para expressar algumas inquietações que venho sentindo em relação a design e criatividade. hoje vou falar sobre o processo de criação do stop motion, em parceria com a Aprender Design. esse texto será dividido em duas partes: (1) planejamento & técnica e (2) execução e aprendizados. vamos?

planejamento & técnica

Até alguns meses atrás, admito que não tinha quase nenhum conhecimento sobre animação em geral, e todas as minhas tentativas de elaborar algum gif me rendiam movimentos rígidos e que não transmitiam o que eu queria. Por isso, pra começar esse projeto, usei uma ferramenta que se tornou uma das minhas preferidas: um framework para transformar atributos de marca em expressões de animação. Com ele, defini o que eu queria transmitir: a noção de fazer, de craft, e ao mesmo tempo a ideia de que o resultado físico das ações pode ser desfeito (mas não o efeito que a prática teve em mim, que me propus a realizá-la — falei mais sobre isso na última edição).

Isso me levou a duas decisões de animação: (1) a construção ponto por ponto da palavra até que apareça por completo na tela e (2) seu desmanche, sem revertê-la (pois a ação não pode ser realmente desfeita), pelo outro lado da tela, num movimento em looping, mas sempre progressivo.

Por outro lado, pensando nos aspectos técnicos, eu entendi por que minhas animações pareciam tão rígidas: eu não experimentava com a velocidade ou a aceleração, não só na duração dos frames, mas na sua forma também. Pensando nisso, para deixar meu gif mais rítmico, planejei o bordado considerando uma variação no tamanho dos pontos. Com os frames de construção da palavra todos com a mesma velocidade de quadro — 0,1 segundo — isso dá a impressão de que os mais longos são mais rápidos, criando variação. Também com a variação de velocidade em mente, para evitar uma animação muito longa, a construção foi ponto a ponto, mas o desmanche foi feito com aceleração e desaceleração: de um em um ponto, depois de dois em dois pontos, depois de três em três; e chegando ao final do gif, de dois em dois e de um em um novamente. Essas técnicas se chamam ease in (quando o objeto ganha velocidade) e ease out (perde velocidade), e eu as utilizei de forma cíclica já que meu gif é um looping. Mesmo assim, quando achei que podia ser mais fluido, deixei os frames do desmanche no meio mais curtos — 0,06 segundos — com cuidado para não criar um efeito de fim abrupto; por isso, depois que a palavra some, o ornamento restante se desmancha na velocidade padrão do gif, 1 frame a cada 0,1 segundo.

Tudo isso partiu do curso de Motion Design para Marcas, para o qual a escola Aprender Design me convidou há alguns meses. Essa experiência me ajudou muito a planejar e executar esse projeto.

Aqui preciso dizer que eu não tinha interesse em aprender especificamente a usar um software, e por isso esse curso foi ideal pra mim. Apesar de ter exercícios práticos toda aula, o que ajuda muito a desenvolver o pensamento por trás de cada animação, é muito mais um curso sobre movimento como linguagem: o que faz com que uma animação seja vista como divertida, dinâmica, orgânica; ou precisa, confiável e estável? E depois de identificar o quê, nos perguntamos: como?

O como pode ser aplicado em qualquer ferramenta. A professora Isadora Stevani, Motion Designer de Brand Foundations no Nubank, demonstrou alguns efeitos no After Effects, software dominante na indústria (e acredito que a maioria dos meus colegas também o utilizaram). Mas a espinha dorsal do curso foram efeitos visuais e suas semânticas, como bouncing, velocidade, fade in/out, ease in/out... E como qualquer outra habilidade, planejar e tomar decisões de animação são coisas que precisam ser praticadas.

Para comparação, vejam a primeira animação em stop motion que fiz, no primeiro exercício do curso: ela é mais lenta, menos fluida, até um pouco dura. Não tem frames o suficiente — tem 16, e a animação em bordado tem 110! Acredito que seja possível fazer animações interessantes com bem menos do que isso, mas mais frames me permitiram ter um maior controle sobre as variações de velocidade que deixam a animação com esse aspecto, de que está acontecendo agora.

execução & aprendizados

Não importa o quanto de planejamento seja feito, só a execução vai colocar as ideias à prova. No processo, algumas coisas podem mudar, e além de exercitar minhas habilidades de animação, também precisei lidar com minhas limitações no bordado. Abaixo vocês veem o lettering que eu queria criar, mas acho que pra que ficasse com traços tão suaves eu precisaria fazer muito mais pontos, o que (1) provavelmente deixaria minha animação mais fluida, mas eu não queria que ela fosse tão fluida, pra não perder a carinha de stop motion; e (2) talvez me fizesse gastar o dobro do tempo.

Sobre o tempo, aliás, não é sempre um problema: coisas bem feitas exigem uma dedicação extra; mas eu não estava criando só pelo resultado, estava criando para expressar um pensamento, uma situação criativa na qual eu já estava imersa. Prolongar demais esse momento não fazia tanto sentido.

De qualquer forma, o processo todo me custou cerca de sete horas: primeiro, desenhei meu rascunho, e depois começou a maratona: a cada ponto que eu dava, precisava escanear o tecido. Até tentei fazer isso com fotos, mas ando sem memória no celular e posicioná-lo de forma fixa seria difícil.

Depois de mais de 60 pontos escaneados, veio a segunda parte: desmanchar tudo. E, para não dificultar muito a sincronização dos frames, decidi desmanchar com o pano no scanner mesmo, puxando e cortando a linha pelo verso. Aliás, um toque especial que dei (e que vi em um dos exemplos que analisamos em aula na Aprender Design): como a linha está em movimento, a extremidade inicial começa a se desmanchar antes de parar de avançar na extremidade final. Isso evita um frame “central” completo, que poderia causar um efeito de congelamento na composição.

Por fim, todos os 110 frames escaneados, levei tudo para a linha do tempo do Photoshop. Encaixei os frames uns nos outros (afinal, tirar e colocar no scanner toda vez fazia ele se mexer muito), tratei as cores e exportei. Eis nosso resultado:

obrigada por ler até aqui! e você, já experimentou com animações digitais ou analógicas? como sempre, fique a vontade pra comentar ou responder esse e-mail se tiver alguma dúvida ou sugestão. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

Share makers gonna make

oie! seja bem vinde a mais uma edição da makers. eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. nessa edição vou compartilhar uma reflexão que venho desenvolvendo sobre processos, que vai de desenhos feitos com carvão ao uso de IA generativa para atividades “criativas”. o que pode transformar um processo criativo, e como ele pode nos transformar?

como voltar atrás?

Um dia desses, em uma aula de Design, Arte e Autoria Coletiva, uma amiga do mestrado comentou que vinha refletindo sobre as consequências do meio digital e do meio manual no fazer. Mais precisamente sobre o fato de que, no digital, temos mais possibilidades de voltar atrás sem deixar marcas. No desenho a lápis, é possível apagar um traço com borracha, mas pode ser que resquícios de grafite fiquem grudados no papel, ou a borracha pode criar muito atrito e acabar deixando uma nova marca. Se a mídia usada for a aquarela, especialmente cores mais escuras, reverter o efeito de um gesto errado ou impreciso pode ser bem mais difícil.

Já no digital, ainda que o desenho seja feito a mão (com uma mesa digitalizadora ou tablet, por exemplo), ferramentas como Photoshop ou Procreate nos permitem desfazer traços. Podemos usar Ctrl + Z, trabalhar em camadas, esconder e modificar elementos — e nós sabemos disso, o que nos permite trabalhar de forma até mais relaxada. Se essa ideia que escolhi desenvolver não ficar tão legal, voltar atrás não é tão custoso. Será?

Eu concordo que a facilidade de edição e outras características das tecnologias digitais nos tornam um pouco menos conscientes da importância das nossas decisões. É um pouco como escreve Richard Sennett em O Artífice, ao falar da utilização de programas CAD na arquitetura e no desenho arquitetônico:

Tendo em vista a capacidade da máquina de instantaneamente apagar e reconfigurar, o arquiteto Elliot Felix observa: “Cada ação é menos consequente do que seria no papel (...) cada uma delas será ponderada com menos cuidado.” (p. 52)

Mas se pensarmos na criação como um processo, essa reversibilidade deixa de existir: posso apagar um traço usando Ctrl + Z, mas não posso mudar o fato de que o desenhei em algum momento. Não posso mais ser uma pessoa que não fez aquele traço.

processos-fantasma

Em alguns tipos de técnica, a reversibilidade pode ser um jogo de vai e vem, e até se tornar uma linguagem. É o caso de William Kentridge, artista sul-africano conhecido por suas gravuras, desenhos e filmes de animação. Nos anos 1990, ele produziu uma série de animações feitas à mão, construídas a partir de um único desenho, como o vídeo acima mostra: Kentridge desenha, registra o desenho, apaga e modifica partes dele, registra de novo, e repete o processo até o fim da cena, de forma que cada alteração gera um frame. Os desenhos resultantes ficam cheios de vestígios, marcas fantasmagóricas, parecidos com palimpsestos, e depois são expostos junto aos filmes como obras finais.

Para mim, as marcas são um sinal dessa irreversibilidade da ação, e ao mesmo tempo, o próprio artista diz que gosta de trabalhar com o carvão por ele ser fácil de apagar e remanejar. A própria ideia de reversibilidade é posta em disputa.

Recentemente, tenho visto e acompanhado alguns artistas no Instagram que trabalham uma técnica parecida para criar animações curtas com giz pastel oleoso, como a Adelynn Rose. No uso desse material, assim como no carvão (talvez até mais), é a facilidade de mudança que ajuda a criar uma imagem em movimento, já que o pigmento pode ser redistribuído pelo papel.

Voltando à comparação entre analógico e digital, é verdade que, mesmo no digital, existe uma série de escolhas que é feita ao longo do processo e que acaba moldando as próximas. Talvez numa ilustração complexa com dezenas de camadas eu desfaça um traço, mas o traço que vai substituí-lo ainda vai estar de alguma forma submetido a todos os outros que foram feitos antes. Nesse caso, o processo em si também é difícil de reverter, já que nos comprometemos com ele a cada passo. Mas é claro que é possível abrir um novo arquivo, jogar uma folha de papel fora, recomeçar uma gravura em outra placa. Não precisamos ficar presos essas escolhas passadas.

No entanto, existe algo que não é reversível de maneira alguma e isso não é a obra feita pelo artista e sim o artista que é feito pela obra. Em “A Fábrica”, texto publicado em O Mundo Codificado, Vilém Flusser escreve que

“as coisas convertidas, transformadas, ou seja, o produto fabricado, reagem à investida do homem: um sapateiro não faz unicamente sapatos de couro, mas também, por meio de sua atividade, faz de si mesmo um sapateiro”. (p. 34)

É um pensamento próximo do que o antropólogo Tim Ingold chama de correspondência em seu livro Fazer: Antropologia, arqueologia, arte e arquitetura. Ele rejeita a ideia (muito comum entre designers e alguns artistas) de hilemorfismo, na qual um indivíduo seria capaz de impor certa forma a um material. Sobre o que um oleiro faz a partir da argila, ele escreve:

(…) não é (…) uma imposição de forma sobre a matéria, mas uma contraposição de forças iguais e opostas, imanentes respectivamente às mãos que gesticulam e à argila úmida, estabelecida graças às rotações do torno. Não é preciso, portanto, de argila para interagir com o torno, mas é preciso de um torno para corresponder com a argila. (…) Os movimentos corporais atentos do praticante, de um lado, e os fluxos e resistências do material, de outro, respondem um ao outro em contraponto. Como em qualquer dança, isso deve ser lido não lateralmente, de um lado para o outro, mas longitudinalmente, como um movimento em que os parceiros se revezam em conduzir e ser conduzidos (…). (p. 101)

Não podemos evitar de ser transformados pela nossa prática — talvez até mais do que transformamos o mundo com ela. E eu acredito que isso se aplica a tudo aquilo que fazemos, sobretudo o que fazemos de forma criativa. Cada processo gera um aprendizado, ainda que ele não seja localizável, apreensível, isolado ou útil. Mas tudo que nós fazemos de alguma forma informa tudo que será feito depois.

Sendo assim, não é possível reverter os efeitos de ter feito um desenho mesmo que ele possa ser apagado. Ainda que seja destruída, o resultado de uma obra nunca pode ser perdido, porque o resultado é maior do que a obra: ele é constituído da soma entre a obra e a perspectiva que o autor ganhou a partir de sua construção.

É por isso que eu acho que as inteligências artificiais generativas quebram esse ciclo de criação, muito mais do que outras tecnologias anteriores, já que, como vimos, o gesto construtivo se mantém presente no uso de algumas dessas tecnologias. Por outro lado, as IAs generativas encerram a correspondência entre gesto e resultado. Passamos a usar os mesmos movimentos para criar uma imagem, pagar contas e falar a amigos que os amamos.

Se as máquinas podem aprender, o perigo é que as pessoas gastem seu tempo ensinando-as e deixando de ensinar a si mesmas, de aprender com o gesto, com o corpo em movimento e com as respostas do mundo.

processos-problema

Tenho refletido bastante sobre a minha própria pesquisa e os caminhos estranhos aos quais ela me leva, e às vezes me sinto na contramão do que é esperado de uma designer. Mas na semana passada, enquanto estava completamente imersa nos pensamentos que coloquei até aqui, li o seguinte trecho em Making Design Theory, por Johan Redström:

Uma razão central pela qual gostamos tanto de dicotomias no design é que elas nos permitem lidar com conflito, colisão e contradição, abrindo com isso novas perspectivas e potenciais. É o que acontece aqui: perguntar do que é feita teoria do no contexto da pesquisa em design baseada na prática é procurar por problemas. E problema é justamente o que queremos.

É isso: eu estou atrás de problemas. Sentindo minha mente inundada por tudo isso, parti para a ação e criei uma animação em stop motion a partir de um lettering bordado. Posso desmanchar o que bordei, mas não posso deixar de ter bordado. Pretendo falar um pouquinho sobre o processo de executá-lo na próxima edição. Fiquem de olho!

ufa, obrigada por ler até aqui! essa edição foi mais teórica, mas a próxima vai falar (ainda mais) de processos; afinal, uma coisa não existe separada da outra. fique a vontade pra comentar ou responder esse e-mail se tiver alguma dúvida ou sugestão. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

Share makers gonna make

oie! seja bem vinde a mais uma edição da makers. eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. nessa edição vou contar um pouco sobre o processo de criação de um infográfico sobre meus hábitos de leitura, confeccionado de maneira analógica com ponto cruz. prepare-se para uma mistura de inspirações, teoria, jornada prática e as reflexões que vêm com ela. vamos?

Em 2023, publiquei na newsletter um conjunto de infográficos sobre uma viagem que fiz: uma trilha de mais de 100 km. Nessa época, para o projeto, eu li Storytelling com dados (2015), de Cole Nussbaumer Knaflic. Algo que gosto nesse livro é que ele defende (como o nome nos leva a intuir) que, ao apresentar uma série de dados ou estatísticas para alguém, é melhor entender a narrativa que esses dados criam, e apresentar uma história — e não apenas os números em si. Sendo assim, o primeiro passo do criador de gráficos seria explorar os seus números encontrar neles uma narrativa.

Aliás, no texto publicado em 2023, cheguei a dar um conselho: se você não tem uma história, espere até ter — ninguém merece um monte de enrolação só pra justificar um projeto. Até que, no mês passado, em uma disciplina do mestrado, fui desafiada a fazer algo diferente disso.

Dear Data é um livro de Giorgia Lupi e Stefanie Posavec, que reúne cartões postais produzidos e trocados ao longo de um ano. As duas designers conduziram um experimento que consistia em observar as próprias ações e entornos, registrar o que acontecia e depois desenhar manualmente visualizações em cartões postais, com foco em um tema por semana. Os temas variavam de coisas subjetivas, como emoções e risadas, a objetos ordinários, como relógios e portas.

Inspirada no livro, a professora Doris Kosminsky pediu à minha turma para nos reunirmos em duplas e escolher uma mídia para criar um infográfico + um tema pra documentar ao longo de uma semana. Eu e meu colega, Lucas Tostes, escolhemos bordado ponto cruz como mídia e leitura como o nosso tema. O primeiro passo, naturalmente, era registrar dados sobre nossas leituras, e me peguei pensando em duas passagens de Dear Data sobre isso. Ao coletar dados sobre toque físico, Giorgia escreveu (p. 34-35):

“Esta semana acabou sendo a primeira semana de engajamento coletivo depois do início do Dear Data. Meus amigos e meu namorado me tocaram de formas inusitadas para fazer parte da minha coleta de dados — ou seja, estragar meus dados — e isso acrescentou um toque performático à semana. (Foi divertido!)”

Ou ainda, ao pensar na semana em que registraram desejos, Stefanie admite (p. 73) a vontade de registrar não apenas seus “desejos e vontades egocêntricos” e seus “poucos desejos em que eu não estava pensando só em mim mesma”, mas também “desejos mundanos e nobres FALSOS que, espero, farão eu parecer menos uma pessoa horrível”. Afinal, esses dados acabam dizendo algo sobre nós mesmos, não é?

Essa auto coleta de dados nos torna um pouco conscientes demais das nossas próprias ações, e precisamos nos segurar para não agir de forma diferente apenas para ter dados que nos fazem parecer melhores ou mais inteligentes; e ainda precisamos lidar com a possibilidade de atores externos influenciando e manchando nossa coleta — como o dia em que meu namorado me pediu para ler um livro em voz alta1 antes de dormir. Isso criou uma situação de leitura totalmente diferente das outras, e eu acabei incluindo isso no meu gráfico para ser precisa com a minha coleta. No fim, minha coleta ficou mais ou menos assim:

Coletei os dados sobre minhas leituras por sete dias, incluindo: data e horário; título e autor do texto; quantidade de páginas lidas; tempo de leitura; local; se eu estava fazendo outra coisa enquanto lia; gênero do autor; nacionalidade do autor; se eu estava fazendo anotações. Nem todos os dados coletados aparecem no gráfico final.

Coincidentemente, na mesma semana eu estava lendo outro texto da Giorgia Lupi, The New Aesthetic of Data Narrative, sobre a criação semanal de infográficos para o suplemento dominical La Lettura. No artigo, ela explica os oito passos que sua equipe percorre para chegar em gráficos informativos, que parecem interativos mesmo que sejam impressos, e que envolvem os leitores em um tema criando interesse e empatia. Esse método se chama layering, e constitui em empilhar camadas de significado nas quais o leitor pode entrar e sair. Os passos são, em resumo (bem resumido mesmo, hein):

1. Criar uma base/matriz/grid: usar múltiplos, células, etc.

2. Testar a base espalhando elementos por ela — normalmente pontos.

3. Construir polígonos ou formas com parâmetros qualitativos e quantitativos. São identificados por cores de acordo com as oportunidades de categorizá-los.

4. Elucidar relações entre elementos. Links, linhas, direções e qualificadores.

5. Adicionar labels e legendas.

6. Incluir itens extras que contextualizam os dados no mundo.

7. Criar uma explicação de como ler o gráfico + unidades de medida (isso é especialmente importante no trabalho para o jornal porque eles criam novas formas de visualização, sem se apoiar só em visualizações cristalizadas, como gráficos de barra, pizza etc. Por isso, precisam ensinar aos leitores como ler).

8. Fazer ajustes finos.

Dessa forma, apesar de não considerar uma semana de leitura um dado interessante por si só (como autora de Storytelling com Dados exigiria para a criação de um gráfico), decidi aceitar o desafio e criar o meu infográfico bordado seguindo o passo a passo de Giorgia.

Aliás, um comentário importante sobre mídia escolhida: acho o ponto cruz ainda mais interessante porque ele é feito em um tecido chamado etamine, que possui uma matriz geométrica intrínseca e visível em sua trama. Nessa técnica, é possível criar imagens pictóricas a partir dos pontos, formando uma espécie de pixel art; mas também há uma oportunidade de usar combinações abstratas diferentes para representar conceitos e parâmetros nas visualizações. Para o meu gráfico, escolhi essa segunda opção. Então, no passo 1 de Giorgia Lupi, onde ela fala sobre desenhar um grid ou matriz, eu meio que já tinha a minha — a estrutura do tecido e dos pontos.

Nesse mesmo artigo, a autora reforça que não adianta imaginar um gráfico e nem mesmo seguir o passo a passo de forma mental: é preciso desenhar para que o gráfico ganhe vida (p.79). E nos meus primeiros rascunhos ficou aparente que esses passos acontecem meio que todos ao mesmo tempo conforme organiza-se os dados.

“Isso fica ainda mais claro quando traduzido para o design visual: você não pode simplesmente imaginar o trabalho; é preciso colocar o lápis no papel para gerar e fixar ideias; é preciso esboçar ou desenhar as coisas para produzir e comunicar conhecimento.”

O primeiro rascunho ficou muito maior do que eu imaginava (no tamanho A2, praticamente)! Usei cores e as posições dos traços para codificar as informações. Cada “flor” fala do texto em si, autor, gênero, meio, etc. São posicionadas na grade de acordo com data/horário; e os traços abaixo dizem a quantidade de páginas vs. o tempo. Acima, pequenas linhas denotam se eu anotei o texto. Miçangas/brilhos dizem se finalizei o texto ou se li em voz alta.

Ao rascunhar a disposição dos dados e as legendas, percebi que nem todos os dados que coletei eram tão relevantes para manter, como a nacionalidade dos autores. Além das cores, quis que o formato também dissesse algo, para ajudar em uma primeira olhada.

No segundo rascunho, pensando na questão do tamanho final, diminuí a largura de cada coluna pela metade, dividindo a representação dos minutos (de 6 em uma linha para 3x2 linhas). Quando demoro mais de uma hora em uma leitura, ela “vaza” para a hora seguinte.

Esses rascunhos deram conta dos passos 2 (testar a base), 3 (criar formas e atribuir significados, inclusive com posição e cores) e 4 (tornar claras as relações entre os elementos: páginas vs. tempo, ordem em que as leituras aconteceram, etc).

Os passos seguintes eu realizei já na forma final do gráfico, o bordado. Criei legendas (passo 5) através das cores e da posição dos elementos, inclui itens extras para contexto ao juntar do lado esquerdo o total de minutos e páginas lidas na semana (passo 6) e essa legenda + título constituíram o passo 7, que informa ao leitor como ler o gráfico. O passo final (8) é fazer os ajustes finos, que acabei não registrando, mas sempre existem. E então temos o gráfico final:

Algumas coisas que percebi sobre minha leitura nessa semana, e que talvez eu não tivesse notado se não fosse a proposta de registrar os próprios dados:

• Na hora de criar as legendas iniciais, inclui os formatos livro físico, pdf impresso, computador ou kindle; e só depois percebi que não li nenhuma vez em mídia física na semana toda.

• Eu demoro muito pra ler se estou fichando o texto.

• Costumo ler por diversão aos fins de semana e antes de dormir; às vezes pego no sono tão rápido que leio menos de 20 páginas.

• Tento ler textos de trabalho e estudos de manhã ou de dia, quando tenho mais energia mental.

• Leio mais do que eu achava que lia! 300 páginas por semana não é pra qualquer um. Isso ou as pessoas estão arrumando coisas melhores pra fazer.

Cheguei a convidar o Lucas, meu parceiro nessa atividade, pra incluir o gráfico dele, mas até o momento de publicação ele não teve tempo de parar e organizar isso, então devo voltar nesse tema em algum momento pra mostrar o dele também — já adianto que ficou completamente diferente do meu, hihi. Queria aproveitar para perguntar: se eu propor um tema, alguém pilha coletar dados, criar o próprio gráfico e depois criar uma galeria com isso? 👀

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obrigada por ler até aqui! o que você achou das inspirações e do método? a Giorgia é uma grande referência pra mim, então foi muito legal mergulhar na teoria & na prática dela pra esse projeto. como sempre, fique a vontade pra comentar ou responder esse e-mail se tiver alguma dúvida ou sugestão. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

oie! seja bem vinde a mais uma edição da makers. eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. na edição de hoje vou falar sobre um assunto desconfortável para muitos criativos: até onde vai a nossa voz? podemos ser autorais em trabalhos feitos para clientes? já adianto que é um texto mais teórico, mas te convido a pegar um café e entrar nessa comigo. vamos?

Começo esse texto desviando do risco de cair em outra discussão: design é arte? Para todos os efeitos, vamos considerar nesse texto um tipo de design mais protocolar do que artístico. Embora certos profissionais tenham atuações com mais liberdade criativa do que outras, sabemos que a maioria ocupa suas horas de trabalho com peças pouco divertidas: posts para redes sociais, telas de aplicativo, apresentações institucionais e identidades de marca, por exemplo. Trabalhos comissionados por clientes, que envolvem um briefing e expectativas. Nesse caso, embora o designer seja a pessoa que realiza ou materializa uma peça, ele teoricamente abre mão da sua “autoria” para satisfazer as vontades ou necessidades do cliente, frequentemente ditadas pelo mercado em que está inserido e objetivos comerciais… ou não?

O que significa ser um autor?

A figura do autor é bem clara na literatura. É uma figura muito importante; mítica, quase — especialmente em tempos de autoficção. O fascínio envolve descobrir e revirar a vida pessoal do autor, identificar possíveis paralelos e segredos que este pode ter escondido em sua narrativa. Em 1967, em A morte do autor, Roland Barthes escreveu:

A imagem da literatura que se pode encontrar na cultura corrente está tiranicamente centralizada no autor, sua pessoa, sua história, seus gostos, suas paixões; a crítica consiste ainda, o mais das vezes, em dizer que a obra de Baudelaire é o fracasso do homem Baudelaire, a de Van Gogh é a loucura, a de Tchaikovski é o seu vício: a explicação da obra é sempre buscada do lado de quem a produziu, como se, através da alegoria mais ou menos transparente da ficção, fosse sempre afinal a voz de uma só e mesma pessoa, o autor, a revelar a sua “confidência”.

Mas o que Barthes propõem em seu ensaio é justamente que esse pêndulo de relevância se mova do autor para o leitor: ao publicar um texto, um autor faz uso da linguagem e é a linguagem que fica registrada. O leitor pode acessar apenas aquelas palavras, e não a intenção do autor. No fim, importa mais o que o leitor traz para o texto: suas referências, vivências e sua interpretação podem (e vão) se sobrepor a essa autoridade de quem escreveu. Não surpreende que tantas obras sejam recebidas de forma controversa pelo público, e desencadeiem discussões como: esse autor está criticando ou endossando uma ideia/sistema/situação? O que será que ele quis dizer? Isso importa?

O que isso tem a ver com design?

A princípio, essa discussão parece não fazer tanto sentido no campo do design, onde a ideia de autoria é frequentemente negada em favor das abordagens racionalistas, funcionalistas e objetivistas. “Design é resolver problemas” é uma das máximas da profissão, junto com “design não é arte”, “design não é estética, é funcionalidade”. O que contribui para essa linha de pensamento é o fato de o design ser frequentemente empregado no âmbito comercial — desenvolvimento de produtos ou publicidade sobre tais produtos —, mas será que podemos aceitar uma visão que nos coloca como meios para um fim?

Se na literatura a autoria é colocada como a origem de sentido de sua obra, no design ela aparece na busca por legitimar o campo. Em Designer como autor, texto de 1996, Michael Rock escreve que “para perder poder, você precisa já ter vestido o manto, e assim os designers tinham um certo dilema ao tentar derrubar um poder que talvez nunca tivessem possuído”; nos anos 1970, pouco depois de Barthes assassinar o autor na literatura, designers estavam reagindo e abandonando uma parte da abordagem cientificista que predominava há várias décadas. Mas há características do trabalho de design — como a mensagem pretendida pelo cliente e seu aspecto colaborativo, seja com o cliente ou com colegas de estúdio — que deixam a autoria de ideias meio obscura. Ainda, para Rock, “a pressão constante da tecnologia e da comunicação eletrônica só torna tudo ainda mais confuso.”

Legitimidade vs. tirania

Continuando o raciocínio, Rock declara que:

Por outro lado, a figura do autor implica um controle total sobre a atividade criativa e parecia um ingrediente essencial da alta arte. Se o nível relativo de genialidade era a medida final do sucesso artístico, atividades que não tivessem uma figura de autoridade central clara eram necessariamente desvalorizadas.

Mas quais designers (e quais projetos) são dignos desse tipo de atenção, que pressupõem uma genialidade individual? Será que ao fazer uma peneira entre designers-operadores e designers-autores não existe um certo viés, que legitima e eleva apenas uma parcela específica dos designers, como grandes escritórios europeus ou estadunidenses, que trabalham em grandes projetos para grandes empresas? Quais são os projetos que vemos sendo mais premiados, publicados, exaltados?

Apoiando-se na teoria do autor aplicada a diretores de cinema, desenvolvida por Andrew Sarris, Rock identifica uma tríade de fatores que podem classificar um designer como autor: a presença de (1) proficiência técnica, de (2) estilo próprio identificável em vários projetos ao longo de sua carreira e (3) a priorização de projetos que se encaixam em sua visão criativa interior, algo nem sempre explicável.

No contexto hiper-individualista, neoliberal atual, podemos até citar nomes: Paul Rand, Philipe Starck, Ellen Lupton, Paula Scher, David Carson… Seriam esses os designer autores? As semelhanças demográficas não são coincidência. Voltando a Rock, ele também se preocupa com essa possível tirania do autor, então propõem três alternativas:

Pensar o designer como tradutor entende que o trabalho dele é de clarificar ou remodelar um conteúdo de uma forma para outra — como transformar dados numéricos em um relatório ou visualização. “O objetivo final é a expressão de um dado conteúdo apresentado de uma forma que atinja um novo público. (...) O designer é o intermediário.”

Ou o designer como performer: ele não é autor da ideia/conteúdo/briefing, mas cada profissional vai trabalhar aquilo de uma forma específica e, sem ele, não existe expressão da ideia. Assim como cada ator tem sua interpretação de um texto, “o designer transforma e expressa o conteúdo por meio de recursos gráficos”.

Por fim, temos o designer como diretor. Afinal, em projetos grandes, alguém tem que mandar (e essa figura não pode existir em projetos pequenos). “Só em instalações em grande escala, campanhas publicitárias, revistas de distribuição massiva e livros muito grandes vemos evidência desse paradigma”, em que o designer direciona a prática de outros profissionais envolvidos.

Gosto dessa abordagem e até consigo relacionar a minha prática com esse esquema. Faço trabalhos comissionados para clientes no hele studio, alguns com menos liberdade criativa (onde sou uma tradutora), outros com mais (onde sou uma performer); em trabalhos maiores posso atuar como diretora, o que também acontece em projetos coletivos, como o Armadilhas ou a revista Navalha.

Por fim, tenho minha produção pessoal que fica na linha tênue entre arte e design mencionada no início do texto — é onde me vejo mais próxima de uma ideia de autoria, mas entendo que nem todo designer tem vontade ou tempo de manter projetos pessoais, e não acho que isso o torna um profissional sem assinatura. Rock diz que “na rejeição do papel de facilitador e no chamado à transcendência [em projetos autorais, onde o autor poderia incluir algo de si mesmo], está implícita a ideia de que o design autoral possui algum propósito mais elevado e puro”, o que é discutível.

Autoria vs. presença

Pensando sobre o tema, consigo entender os dois lados. Talvez seja minha própria inserção em tempos tão individualistas, mas eu reconheço a legitimidade que vem com uma assinatura reconhecível. Fazemos isso com pintores o tempo todo, por que não conseguiríamos reconhecer designers — especialmente os que ousam brigar por um estilo próprio? Ao mesmo tempo, entendo que isso entra em conflito com a expectativa de atuação da profissão, ainda centrada no mercado/cliente/briefing; e que nesse contexto ter uma assinatura reconhecível ou mesmo um nome conhecido se torna um privilégio de poucos. Esse privilégio, inclusive, permite um aumento significativo de ganhos financeiros, e adiciona uma camada de hierarquia social entre profissionais da mesma área.

Posto tudo isso, proponho que, no lugar de autoria, falemos sobre presença. Algo que admite que as construções individuais e contextuais do designer influenciam na sua prática, sem que isso o torne um ser mítico, detentor de toda a autoridade sobre uma obra. Não podemos falar, por exemplo, em uma contaminação, um vazamento? A individualidade existe, seja no sentido de caráter/âmago, seja no sentido das especificidades socioeconômicas e culturais que vão influenciar a prática. É por isso que pessoas diferentes respondem a um mesmo briefing de formas diferentes, e algumas de forma mais parecida do que outras. Admitir isso não precisa implicar em uma figura única, principal ou genial do autor.

Entender que cada indivíduo se faz presente no trabalho que realiza é uma forma mais coletiva de entender a autoria, porque considera figuras além do designer — cujos desejos, expectativas e limitações também vão influenciar o resultado final, em maior ou menor nível. Pensei sobre isso pela primeira vez quando li Adrian Forty falando sobre as origens históricas do design, quando ele narra um pouco sobre a produção de cerâmicas no século XVIII:

Embora a cerâmica houvesse sido outrora uma indústria artesanal, no sentido de que um único indivíduo era responsável por todos os estágios da produção de um artigo, essa forma de produção já deixara de existir (…). A partir da década de 1730, senão antes, os ceramistas se haviam especializado em uma das etapas do negócio, tais como modelar ou tornear, ou fazer o vidrado e o acabamento. (…) Como vários artífices eram responsáveis pela produção de um único artigo, nenhum indivíduo era capaz de fazer alguma mudança importante no produto.

Mesmo assim, os operários de cada estágio ainda tinham certo controle sobre os resultados finais. Por exemplo: um operário empregado na aplicação de ornamentos moldados ao pote podia fazer pequenas variações nos produtos, enquanto um homem trabalhando na vitrificação podia causar mudanças maiores.

No fim, acho que é possível reconhecer uma certa autoria ou assinatura de um designer específico e, ao mesmo tempo, entender que há outros fatores que influenciam o resultado final para além de uma genialidade mítica; e principalmente podemos admitir que pouca coisa é feita de forma isolada — ainda que eu crie um livro do início ao fim, ao imprimir os exemplares estou sujeita a variações que dependem da gráfica, por exemplo. Um designer que cria conteúdos digitais está influenciado pelos designers que projetaram aquela rede social em que ele posta, e os formatos e proporções de imagens que ela aceita.

Não é uma linha reta de fatores, mas uma espiral, onde as coisas vão se influenciando. Uma forma de ver mais turva e, ainda sim, talvez mais capaz de expressar as complexidades do fazer criativo, seja ele comercial, pessoal ou qualquer coisa no meio.

Esse texto foi escrito a partir de duas leituras sugeridas na disciplina Design, Arte e Autoria coletiva: A morte do autor, de Roland Barthes, e Designer como Autor, de Michael Rock. A disciplina é ministrada pelo professor Pedro Sánchez no programa de mestrado em Design da Ufrj, do qual faço parte como aluna :)

obrigada por ler até aqui! o que você acha sobre o tema? se considera um designer autor ou autoral? como sempre, fique a vontade pra comentar ou responder esse e-mail se tiver alguma dúvida ou sugestão. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

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oie! seja bem vinde a mais uma edição da makers. eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. na edição de hoje vou costurar várias experiências que tive esse ano para falar de uma inquietação minha: sinto que criativos estão cada vez mais presos às suas próprias referências. é uma armadilha fácil de cair, principalmente com as redes sociais. vamos?

transportabilidade da imagem

Em “Imagens nos novos meios”, ensaio de O mundo codificado, Vilém Flusser descreve a seguinte progressão na forma como vemos imagens, levando em consideração sua “transportabilidade”. Se você quer ver uma pintura rupestre em uma caverna, essa imagem não é facilmente transportada, então você deve se deslocar. Os museus e outros espaços que concentram imagens em alguns cômodos, como as igrejas, possibilitam um meio termo: transporta-se a imagem até o museu e as pessoas se transportam até lá também. A viagem é bem aproveitada, já que vemos várias imagens de uma vez só. Flusser continua:

“Recentemente inventou-se algo novo: é possível produzir imagens incorpóreas, superfícies “puras”, e é possível traduzir (transcodificar) todas as imagens anteriores nesse tipo de imagem. Nesses casos, os receptores não são mais transportados: essas imagens podem ser reproduzidas à vontade e alcançar cada receptor isolado, onde quer que ele esteja. (…) E essa tendência é bastante clara: as imagens se tornam cada vez mais transportáveis, e os receptores cada vez mais imóveis, isto é, o espaço político se torna cada vez mais supérfluo.”

Então temos três situações: (1) a imagem está imóvel e a pessoa se desloca até ela; (2) tanto imagem quanto pessoa se deslocam; ou (3) a imagem se transporta (por meio de telas) e a pessoa pode permanecer imóvel. E permanece.

Já compartilhei, em uma edição antiga, minha inquietação com a ideia de curadoria como um fim em si mesma. Ter repertório não configura um trabalho criativo. Mas mesmo o “ter repertório” parece se precarizar quando as pessoas permanecem imóveis, se informando e se inspirando nos mesmos lugares: o Pinterest e as redes sociais. Isso vale para textos, trends, imagens, vídeos, roteiros… Fala-se muito da Chatgptização do mundo, e de fato essa ferramenta tem uma tendência pasteurizadora, mas a comunicação online já era bem homogênea desde antes dela, justamente porque todo mundo está buscando referências nos mesmos projetos, nas mesmas marcas.

Entendo que selecionar referências e criar moodboards são atividades que fazem parte do trabalho criativo (principalmente os comissionados, feitos para clientes). A solução não pode ser simplesmente parar de fazê-los, então como podemos ampliar nossas referências? Adianto: não vai ser um novo site ou aplicativo que vai nos salvar.

Em toda cidade que vou, tento visitar museus. Mesmo que não seja um lugar tipicamente conhecido por isso ou eu tenha pouco tempo por lá. Como quando estive de passagem em Campinas por um dia no ano passado fui ao museu de Arte Moderna da cidade, gosto de ir assim, sem saber o que está exposto e descobrir por lá. Faço isso porque gosto de arte, gosto de Design e gosto de ver coisas bonitas e que me movem. E principalmente faço isso porque quero ver imagens que, por regra, estão distantes de mim. Quando me desloco em direção a essas possibilidades de inspiração, passo por todo um caminho que, por si só, também é capaz de inspirar.

Em Terra Arrasada, Johnathan Crary escreve que na internet podemos encontrar poemas, mas não poesia. Isso porque há uma

“incompatibilidade irremediável entre as operações on-line e a amizade, o amor, a comunidade, a compaixão, o livre desenrolar do desejo ou o compartilhamento da dúvida e da dor. Muitas dessas manifestações desaparecem ou são reformuladas em simulações esvaziadas, drenadas de singularidade e inefabilidade, permeadas pela ausência e pela superficialidade”.

Ao mesmo tempo que ligar um computador nos permite acessar imagens incorpóreas transcodificadas de uma infinidade de pinturas, esculturas, paisagens, é importante que não haja uma substituição, que não deixemos de sair de casa para vê-las (ou ver outras coisas, for that matter).

Na semana passada, trabalhei em um conceito de identidade visual maximalista, geométrico e colorido — pedidos do cliente no briefing. Eu até poderia ter me deparado com o trabalho de Rubem Valentim em minhas pesquisas digitais, mas por algum motivo (talvez recortes colonialistas dos mecanismos de busca?) outras referências foram privilegiadas. Em vez disso, conheci sua obra ao acaso, sem um objetivo em mente, ao fazer uma visita ao MAM no domingo passado. Lá, pude conhecer não apenas suas obras mais famosas, mas também o início de seu trabalho; rascunhos, estudos, peças que ele criou tendo como referência outros artistas.

Esse é um outro ponto: dependendo de onde as imagens estão, temos acesso a mais ou menos contexto. Em um museu podemos aprender sobre autoria, sobre a técnica usada e, dependendo do trabalho de curadoria do museu, a obra pode até mesmo estar inserida em uma coleção de várias obras de um mesmo artista. Enquanto no Pinterest é praticamente impossível rastrear a autoria de um pin com milhões de visualizações, ou no Instagram contas de “curadoria” repostam arte de artistas sem os devidos créditos. Essa inviabilização da autoria torna as cópias muito confortáveis, ou mesmo imperceptíveis: a gente vê tantas vezes a mesma coisa ou coisas muito parecidas que nosso inconsciente puxa exatamente aquelas coordenadas visuais quando vamos criar.

ver o mundo em construção

Em 2024 tive a oportunidade de ver, no Museu Picasso em Paris, a exposição “Pollock: The early years”, que não apenas reúne obras com um recorte histórico mas também destacava em detalhes de que forma o trabalho de Pollock foi influenciado pelo de Picasso. Apresentar esse tipo de processo é muito menos provável em um ambiente tão acelerado e fragmentado como a internet — captar esse tipo de processo exige, muitas vezes, deslocar-se até as imagens e, respeitando o esforço feito para chegar até ali, demorar-se diante delas.

Quase que ciclicamente, em 2026, no museu Picasso em Barcelona, visitei uma sala dedicada à série que Picasso fez de As Meninas, de Velázquez. São muitas obras, e me fizeram pensar sobre como tantos de nós admiramos certos artistas e nos censuramos porque não conseguimos fazer como eles. E se a gente nem tentasse fazer como eles, nunca? E se tentássemos outra coisa a partir deles?

Logo na sala seguinte no museu, pinturas de uma janela com pombos, que Picasso fazia quando se cansava das meninas: ele olhava pela janela e pintava outra coisa para se distrair. Mas quando, scrollando pela internet, eu pensaria em pesquisar o que Picasso pintava quando precisava variar seus temas? Especialmente hoje em dia, quando os algoritmos funcionam por semelhança visual: se você olha muito uma coisa, vai acabar olhando pra ela mais ainda. Colocar-se propositalmente em lugares distantes e novos para inspiração nos permite um outro tipo de descoberta.

Com o deslanche das ferramentas generativas, “processo” pode se tornar uma nova buzzword. Cooptada, embalada e comercializada. Mas por enquanto gostaria de aproveitá-la: ah, os processos. Quando a gente se baseia nas coisas prontas nós não aproveitamos o caminho, seja o caminho que o artista fez para chegar até ali, seja o nosso caminho. Na tarde do último domingo, para o almoço entre as exposições que escolhi visitar, pude caminhar pelo centro olhando os restaurantes e bares no caminho, vendo o que as pessoas estavam pedindo. Livre arbítrio de parar ali e tomar uma cerveja, se quisesse. Ou ir para o próximo museu, ou para um lugar com música, ou esbarrar com amigos (isso aconteceu).

Que mundo é esse com o qual estamos concordando em participar, onde na maior parte do tempo permanecemos imóveis e permitimos que a informação circule, matando o espaço público compartilhado, nosso senso de comunidade? Um mundo onde os gestos que usamos para pagar contas, registrar reclamações no Procon, fazer pesquisa artística e declarar nosso amor por alguém são os mesmos — digitar e clicar. Completa desconexão entre gesto e objetivo.

No mínimo, sair de casa te obriga a voltar. E quem sabe na volta você não vê algo incrível?

Em tempo, estou pensando em criar um clube de leitura e estudos sobre design. Meu lema tem sido “vá e veja”, então pensei que seria legal criar um ambiente pra isso: ler, tirar as próprias conclusões e conversar, não só reproduzir o que se fala por aí sobre teoria na área criativa. Criei um forms curtinho pra mapear o interesse e ver se temos quórum, hehe

eu quero!

obrigada por ler até aqui! essa foi uma edição mais curtinha e leve, e sempre tenho receio de trazer experiências pessoais - mas às vezes o que falta é mesmo a experiência, não é? como sempre, fique a vontade pra comentar ou responder esse e-mail se tiver alguma dúvida ou sugestão. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

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oie! seja bem vinde a mais uma edição da makers. eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. estive m.i.a. por alguns meses, eu sei! estava me dedicando ao processo seletivo do mestrado em Design & Cultura que (felizmente) começo no mês de agosto. tinha um volume muito alto de leitura pra fazer em pouco tempo, e acabei dando uma pausa.. mas temos parte boa: saio desse processo com muitas anotações prontas pra serem transformadas em textos pra makers, além de um projeto de pesquisa fresquinho pra compartilhar com vocês nos próximos dois anos, e é disso que vou falar na edição de hoje. vamos?

um pouco de contexto

Ao longo dos últimos anos venho compartilhando através da makers gonna make e das minhas outras redes sociais minha pesquisa pessoal em Design, tanto pesquisas feitas de modo informal quanto trechos dos meus trabalhos acadêmicos. Meus principais interesses são o processo e o pensamento projetual; a relação entre design e escrita; história e participação das mulheres no design; incorporação de técnicas e atividades analógicas no design; e produção doméstica ou informal de objetos.

Em 2024 me formei em Design pela Esdi/Uerj e, no meu TCC, pesquisei a relação entre a escrita e o pensamento projetual. Questionei: será que diante da crescente automação, IA e ferramentas digitais pré-formatadas, a prática do design não está passando por uma alienação entre pensar e fazer? Se ferramentas geradoras de imagens, fluxos de usabilidade, vídeos e etc sempre enfatizam uma redução significativa no tempo de trabalho, teremos tempo suficiente para amadurecer as ideias e efetivamente pensar sobre o que está sendo realizado? Essas dúvidas me levaram a…

qual o tema do meu mestrado? eu vou continuar a pesquisa que comecei com o Glifo?

Quase. Na graduação, considerei que a escrita pode ser uma boa ferramenta para desacelerar o pensamento projetual e incentivar decisões de design mais deliberadas. Mas outros insights surgiram do trabalho. Publiquei “Glifo por Glifo – Escrever e Pensar sobre Design”, cujo projeto gráfico foi desenvolvido também por mim. Nesse processo, decidi explorar processos analógicos – como colagens, letraset, carimbos e caligrafia – cujo tempo mais lento se assemelha ao tempo da escrita. A partir disso, surgiu um novo problema, que pretendo explorar na próxima pesquisa: como o “fazer” pode influenciar o “projetar”, e, principalmente, como pensar a reaproximação entre projetar e fazer no design hoje, diante das novas condições impostas pelo contexto tecnológico?

Gosto muito de tudo o que construí a partir da minha pesquisa de graduação: a própria makers, as três tiragens do Glifo por Glifo, oficinas de escrita online e presenciais e muitos textos e zines que foram pro mundo. Mas eu diria que dentro do tema escrita e pensamento projetual o meu interesse está no pensamento projetual e não tanto na escrita em si; mas sim nos fatores e nas atividades que podem influenciar como alguém projeta, ou seja, como alguém exerce o design.

Escrever e publicar o Glifo envolveu alguns processos não relacionados diretamente a escrita, como o projeto gráfico, uma combinação de processos analógicos e digitais. Me apaixonei por essa forma de trabalhar e, desde então, venho aplicando esse mix de mídias no meu trabalho autoral e para clientes.

No ano passado, comecei uma produção autoral na hele press onde frequentemente sou responsável não só pelo projeto gráfico de publicações, mas também pela diagramação, impressão, montagem e costura delas; também tenho uma apreço muito grande pela história das mulheres e da produção feminina, frequentemente doméstica e classificada como “não-design”. Esses temas foram circundando um ao outro numa espiral, um vórtex, e no centro estavam as particularidades cognitivas de projetar de uma forma que não antecede a produção dos objetos, na qual projeto e produção se influenciam mutuamente. Minha pesquisa é intitulada Pensar com as mãos: automação, prática manual e formação do pensamento projetual.

Acho importante deixar claro que meu foco não é em IA, mesmo porque a automação pode existir através de diversas ferramentas e, embora minha pesquisa esteja situada no tempo-espaço, quero que ela produza teoria aplicável a diferentes contextos. Não quis dedicar anos de pesquisa a um tema que odeio, então decidi focar no outro lado do espectro: o que se transforma quando escolhemos técnicas, analógicas ou digitais, que aumentam o nosso engajamento com a criatividade ao invés de diminuí-lo?

finalmente, sobre o meu tema

O historiador Adrian Forty situa o surgimento do design como disciplina a partir da separação entre projetar – uma etapa pré-produção que constitui na elaboração de instruções – e produzir um artefato. O designer seria alguém com uma visão, responsável por enunciar uma imagem mental do objeto; e a materialização dele seria delegada para máquinas ou operários. Com a popularização de ferramentas de IAgen, essa separação se acentua: basta que o designer (ou qualquer outro) seja capaz de enunciar suas instruções para que a máquina as realize. Podemos argumentar infinitamente sobre a qualidade dos resultados, mas para além disso, me interessa a qualidade do processo.

Autores que já citei por aqui ao falar de criatividade e realização, Richard Sennett e Tim Ingold, chamam atenção para o que perdemos quando o designer está tão afastado dos processos produtivos: sensibilidade, imaginação e um importante engajamento com os materiais.

Quero considerar a contribuição desses autores para entender a influência do fazer manual no ato projetivo (o pensar), e investigar a relação entre fazer e projetar no design, articulando o impacto das produções artísticas, artesanais e manuais no processo projetual. Quero proporcionar um entendimento mais claro de como a participação do designer em processos de produção pode influenciar o seu pensamento projetual; por exemplo, como costurar as zines que eu projeto influencia nas decisões que eu tomo no próprio projeto?

Com uma educação cada vez mais mediada por telas, muitos de nós nem temos muito contato com materiais (desde papéis até madeiras, metais, etc) na graduação. Como posso projetar algo sem conhecer a matriz de trabalho? Sem conhecer as máquinas, seu funcionamento, como e por quem são operadas?

É claro que essa discussão esbarra em outra (que também já citei por aqui): a da hierarquia entre fazer e projetar. Gurus de Design enchem a boca pra chamar designers com menos estudo formal e renda menor de “apertadores de botão”, ignorando que sim, há potencial de aprendizado na realização de tarefas repetitivas; e ignorando também que muitos processos mediados por máquinas não dão conta apenas de tarefas repetitivas, mas também de trabalhos de conceitualização, craição e etc. Como diz Sennett:

Na linguagem corrente, o que é “mecânico” se equipara a uma repetição de natureza estática. Graças à revolução da microinformática, contudo, a maquinaria moderna não é estática; através dos circuitos de retroalimentação, as máquinas podem aprender com a própria experiência. Mas as máquinas são mal empregadas quando impedem que as próprias pessoas aprendam com a repetição. A máquina inteligente pode separar o entendimento mental humano do aprendizado repetitivo, instrutivo, com a mão na massa. Quando isso acontece, as faculdades conceituais humanas se perdem.

Já Tim Ingold, retomando o antropólogo Leroi-Gourhan, descreve uma progressão tecnológica na história da técnica humana que parte da manipulação direta com as mãos e chega ao gesto de simplesmente apertar um botão para acionar um processo pré-programado. Nesse percurso, algo se perde: sem precisar “pensar com os dedos”, o praticante se desconecta gradualmente da correspondência sensível entre gesto e resultado – o que Leroi-Gourhan chamou de “demanualização” da técnica.

Ingold imagina, então, se seria possível conceber ferramentas que, em vez de substituir o engajamento corporal com os materiais, o ampliem. É mais ou menos por aí que se encontram minhas maiores inquietações. Diante desse avanço de ferramentas pré-formatadas (templates, trends, etc) e das IAs generativas no cotidiano do designer – capazes de gerar imagens, vetores e animações a partir de instruções ou um “projeto” –, até que ponto esse contexto tecnológico aprofunda a cisão entre projetar e fazer? Será que existem práticas e ferramentas capazes de reaproximar o designer do seu próprio processo criativo? :0

como eu escolhi a instituição e minha orientadora?

Sendo bem sincera, minha vontade de pesquisar o que me interessa é maior do que a minha vontade de “fazer um mestrado”, então o principal pra mim foi encontrar um programa com uma linha de pesquisa alinhada aos meus interesses aqui no Rio (não estou disposta a me mudar de cidade por isso). Dentro da linha Design & Cultura da Ufrj há alguns professores que focam nesse lado mais cognitivo e culturalmente situado do ato de projetar, e conversei com amigos da área (hello e Daniel Bicho) que conheciam os professores e fuxiquei os Lattes pra ver quem tinha mais a ver. Depois disso, troquei uma ideia com a Julie Pires, professora cuja pesquisa mais me interessou pra ver se, de fato, minha ideia fazia sentido dentro do programa e se ela tinha interesse em orientar o projeto.

Mandei um e-mail me apresentando e explicando os caminhos que pensava em seguir. Ela se interessou e disse pra eu estudar bastante pra prova escrita (sim, fiquei desesperada depois dessa) e foi isso! Acho que nesse sentido, não tem certo ou errado, só questões de afinidade.

Para todas as questões que envolvem escolhas (de tema, orientador, programa, modalidade) eu recomendo conversar com pessoas que já passaram pela instituição.

como eu pretendo conduzir a minha pesquisa?

Embora a inscrição para o mestrado exija que o candidato apresente um plano de pesquisa, incluindo um cronograma e métodos que se pretende usar para investigar a questão proposta, eu não estou muito presa ao que propus.

Dei o meu melhor pra produzir uma pesquisa séria e bem embasada no TCC, mas entendo o mestrado como o início da minha carreira formal como pesquisadora, então me parece que ainda vou descobrir a melhor forma de abordar tudo isso. Posso adiantar que o programa que vou cursar tem uma abordagem teórico-prática, o que quer dizer que minha pesquisa deve envolver a realização ou aplicação de exercícios, oficinas ou coisas assim — em contraste com o Glifo no qual eu fiz entrevistas que, apesar de muito ricas, ficam no nível mais teórico-declarativo da coisa. Sei que quero entrar em contato com novos autores, novas correntes de pensamento, testar coisas novas e repetir coisas conhecidas que eu sei que gosto.

por que escolhi cursar um mestrado presencial, e não uma pós graduação ou outro modelo de curso?

Basicamente porque me identifico com o modelo acadêmico e quero ter um espaço e tempo na minha rotina dedicados a uma pesquisa mais aprofundada em Design, embora reconheça que o mestrado não é a única forma de fazer isso, hehe.

Eu acho que esse movimento vale a pena quando considero meus planos de longo prazo, o jeito que gosto de estudar — de forma profunda e com a orientação de professores —, o fato de que sou acostumada a ler e escrever bastante, que tenho a oportunidade de estudar minha área de interesse na cidade em que moro. Eu não faria um mestrado em um tema muito diferente desse, e a linha de pesquisa de cada universidade influencia muito. Sei que não é pra qualquer um.

Além disso, o fato de cursar o mestrado não anula meu interesse em outros tipos de estudo. No momento, por exemplo, estou fazendo um curso de Motion para marcas, que incorpora aspectos que eu disse que gosto (como o acompanhamento de perto de um professor), mas é online, de curta duração e focado em uma habilidade específica que quero desenvolver para trabalhar melhor como freelancer. Também não anula meu interesse em outros temas de pesquisa — eu não vou ter uma abordagem focada em gênero, mas não quer dizer que o recorte deixa de existir ou que passo a ignorá-lo. Enfim, estou muito animada pra essa nova fase <3

O que me leva ao último convite dessa edição: caso você tenha interesse em cursar um mestrado e esteja se sentindo perdido, fala comigo! Não digo isso como uma guru só porque fui aprovada em um programa, e sim porque contei com a ajuda de amigos, professores e até desconhecidos no meu processo. Nem sempre temos pessoas próximas com recursos pra nos ajudar, então temos que recorrer às menos próximas, mas que ainda estão dispostas a ajudar hehe contem comigo :)

ufa, obrigada por ler até aqui! por incrível que pareça, esse tema foi votado para essa edição, então espero que tenha valido a pena. fique a vontade pra comentar ou responder esse e-mail se tiver alguma dúvida ou sugestão. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

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oie! seja bem-vinde a mais uma edição da makers :) eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. já tem uns meses que um tópico específico fica surgindo nas minhas conversas com colegas do design e das artes: o que diferencia uma pessoa muito criativa de uma pessoa que faz acontecer? pessoalmente, sou muito focada em colocar projetos no mundo, mas sei que essa é a parte mais assustadora. é assustadora pra mim, também, mas eu considero um inegociável da vida criativa. vamos?

afinal, o que é ser uma pessoa criativa?

Criatividade é um conceito difícil de definir, principalmente porque sua expressão prática muda de acordo com o contexto. Uma pessoa pode ser criativa em níveis diferentes (que não são mutuamente exclusivos):

• Criativa em um trabalho criativo: profissionais como designers, ilustradoras e escritoras precisam ter ideias para se sustentar

• Criativa em um trabalho não criativo: um advogado tributário, à primeira vista, pode não parecer o profissional mais criativo do mundo, mas certamente se beneficiaria da capacidade de pensar em diferentes brechas na lei para que seus clientes paguem menos impostos

• Criativa por lazer: quando a pessoa investe tempo não monetizado em atividades criativas, como pintura, escrita, etc

• Criativa no dia a dia: alguém capaz de criar receitas novas com o que tem na geladeira, por exemplo

Devem ter outros níveis, claro, mas não é o que estou tentando estruturar aqui. O que todos os níveis têm em comum, e se apresenta na maioria das definições de criatividade aceitas na academia, é a noção de que criatividade é a capacidade de ter várias ideias diferentes. Isso vem de uma tradição de estudos da psicologia iniciada por J. P. Guilford nos anos 1950, focada exclusivamente no pensamento e nos processos cognitivos da criatividade; e pouco (ou nada) na dimensão prática da criação. De acordo com a matéria Como aumentar sua criatividade, segundo a ciência, publicada na revista Superinteressante:

Guilford propôs que o raciocínio humano se divide em dois tipos: o convergente e o divergente. (...) O pensamento divergente (…) explora diversas ideias diferentes ao mesmo tempo, muitas vezes misturando as soluções e conectando-as de maneiras pouco óbvias. É o tipo de raciocínio típico dos brainstormings, por exemplo. Para Guilford, a criatividade é um produto direto da nossa capacidade de pensar de forma divergente. Ao fazer conexões entre coisas aparentemente desconexas, criamos ideias inéditas. Até hoje, essa explicação é a mais aceita pelos cientistas.

É nesse ponto que reside meu incômodo: acredito que a criatividade não existe sem a etapa da realização. Nem toda ideia, boa ou ruim, se materializa — mas é importante que algumas se materializem para que a criatividade exista.

Por isso (ok, não só por isso, mas) a popularização de ferramentas generativas é tão irritante. Quem trabalha com criatividade sabe que mesmo pré inteligência artificial generativa já existiam geradores de logo, geradores de nome, softwares baseados em templates pré-prontos editáveis. Esse tipo de ferramenta pode ser útil e interessante para o mercado, whatever, mas um prejuízo para a humanidade é o quanto isso infla o ego de pessoas que não estão dispostas a fazer nada, mas querem se denominar criativas. Um exemplo é o caso de Natália Beauty, que usa o ChatGPT para gerar sua coluna na Folha e argumenta que textos são feitos de ideias, e as ideias são dela, mas não. Textos são feitos de palavras, e encontrar as palavras — escrever — é ser criativo. Desenhos são feitos não da sua imagem final, mas de gestos, de traços. Com esses geradores, cresce o discurso falacioso da “democratização”: qualquer um pode criar qualquer coisa, basta ter boas ideias. É a evolução do “eu poderia ter pintado esse quadro” — bom, e por que não pintou? Faz aí, começa agora, eu te desafio.

But I digress! Meu ponto é: pessoas geniais e pessoas idiotas podem ter a mesma quantidade de ideias e até a mesma ideia, e o que as diferencia muitas vezes é a execução. Ter ideias é muito natural — treinável e ampliável, sim, mas é a parte que vem fácil. Crianças têm ideias toda hora mesmo com significativamente menos repertório e ferramentas do que adultos. Mas essa criatividade é só potencial e corre o risco de nunca chegar ao mundo. O que nos leva ao próximo ponto:

existem muito mais pessoas criativas do que realizadoras

Todo mundo conhece alguém que está sempre na fase do “vem aí”, tendo ideias, mas nunca lança nada. Acho normal ter uma taxa de desistência, mas se isso acontece com todas as suas ideias, o que você anda pondo em prática?

Christopher Petty, editor da Trek, da Universidade de British Columbia, abre a primeira edição da revista escrevendo:

Por que um ser humano olha para o céu noturno e se pergunta o que faz as estrelas brilharem e a Terra girar? O que leva alguém a observar outra pessoa trabalhando e depois sair para construir uma ferramenta que torne a tarefa mais fácil? O que move outra pessoa a reunir pigmentos e sentar-se ao ar livre, ao entardecer, para capturar imagens da luz que se dissipa? De onde vêm as ideias?

O que nos separa das outras criaturas da Terra é a nossa capacidade de inventar. Algumas criaturas usam gravetos como ferramentas, e outras constroem estruturas incrivelmente complexas para armazenar alimento ou defender seus lares. Muitas parecem ter sociedades tão complexas quanto as nossas, e outras demonstram sutilezas nas relações que nós, humanos, só podemos invejar.

Mas somos as únicas criaturas que parecem capazes de invenção espontânea, de criar algo a partir do nada, de imaginar algo e torná-lo real.

De imaginar algo e torná-lo real. Em O Artífice, Richard Senett faz um levantamento histórico sobre o trabalho manual de artesãos (artífices, como o título entrega) de diversas áreas, como a ourivesaria e a confecção de instrumentos musicais, buscando compreender o que emerge da interação entre a concepção intelectual e a materialidade do fazer. Como escrevi duas edições atrás, desde a separação das etapas de planejamento e execução, “ter ideias” é associado a inteligência, enquanto “executar” passa a ser visto como um trabalho menos refinado. Isso é algo que Senett também vai criticar, ao escrever que “(...) o entendimento técnico se desenvolve através da força da imaginação”, mas também que “(...) as habilidades, até mesmo as mais abstratas, tem início como práticas corporais”. Uma coisa não se sustenta sem a outra. Então por que ter ideias é tão mais atraente do que colocá-las em prática?

Ao contrário do que muitos cursos de Design e práticas artísticas nos ensinam, nós não somos mestres comandando materiais1. Papel absorve tinta de formas diversas, e a única forma de saber como algo vai ficar depois de impresso é imprimindo; caixas projetadas podem ser mais ou menos difíceis de montar; vários materiais, como o plástico e o papel, podem romper no processo de modelagem; pigmentos podem reagir de maneira inesperada entre si, criando uma cor surpresa em uma pintura; ao fazer um bordado, sua linha pode arrebentar ou se emaranhar; mesmo no campo digital, uma animação projetada para celulares pode ficar horrorosa na escala de um desktop, e você simplesmente não sabe como cada pessoa no mundo usa telas. Mesmo em situações em que o criador parece ter todo o controle, como em uma fábrica com processos muito automatizados, as máquinas vão exigir manutenção periódica, porque seu contato com os materiais não é uma via de mão única. Os materiais são transformados e transformam de volta.

Isso é enlouquecedor. Você pode fazer um projeto editorial todo certinho e quando receber o projeto impresso não curtir o resultado, como aconteceu comigo na primeira impressão do Glifo: a tinta rosa flúor é muito mais clara que as outras e, sem experiência prática em risografia, no meu projeto ela ficou aguada — sobrou pra corrigir na segunda tiragem. Isso se você tiver sorte de fazer o projeto todo certinho, já que outro dia imprimi 12 zines pra, na montagem, perceber uma repetição de palavra no texto. Sabe onde essa zine não tinha nenhum erro? Na minha mente.

Realizar é difícil porque estamos sujeitos à realidade material, aos nossos erros de execução e aos imprevistos, tudo ao mesmo tempo. A única forma de corrigir ou contornar esses erros2 que fazem parte do processo é continuar, fazer um novo projeto, seguir criando. Eu poderia tentar te convencer de que, com prática o suficiente, os problemas diminuem ou somem, mas ao sair da própria cabeça entramos no mundo. Realizar projetos envolve lidar com fornecedores, ouvir feedback, se deparar com limites técnicos, pedir ajuda; envolve depender de outras pessoas e de contextos que não estão sob controle. Realizar também é uma prática relacional e isso é desconfortável, fazer o que? Vamos deixar de criar por isso?

o espectro do fracasso te assombra

Por último, no âmbito da realização, o esforço não garante um bom resultado. Me lembro de ver um gif da Beyoncé no falecido tumblr, retirado de seu documentário de 2013, em que ela diz: “you can work super hard, give everything you have, and lose”, e que bom que internalizei isso logo. Às vezes a gente se dedica muito, faz tudo com cuidado, investe tempo, energia e dinheiro, e mesmo assim não dá certo. Mesmo assim, se pra você a criatividade é uma fonte de satisfação pessoal ou parte de um projeto profissional, é preciso se expor e tentar porque só assim existe a chance de colher frutos.

Se eu pudesse dar um conselho sobre se tornar uma pessoa realizadora, se você não está disposto a apostar alto, seria o seguinte:

é importante se colocar continuamente em situações de aprendizagem,

mesmo quando elas não têm relação direta com o trabalho ou o projeto que você sonha em tirar do papel. Aprender técnicas novas, se permitir ser ruim e começar projetos sem garantia de resultado. Isso mostra pro seu cérebro que você é capaz de tentar, de começar, de colocar algo no mundo por bem ou por mal. Com o tempo, você se acostuma com o gesto de iniciar e praticar, e isso diminui o medo diante dos projetos “de verdade”.

double trouble!! zine nova + pré-venda da terceira tiragem do Glifo por glifo disponíveis na minha loja :)

• A edição #113 da makers deu origem a uma zine ilustrada em ponto cruz. O projeto gráfico inclui bordados meus (capa + capitulares) e das minhas duas avós :) a publicação é costurada à mão com a mesma linha usada na capa.

• A pré-venda do Glifo por glifo encerra essa semana!! O Glifo é um livro para designers e outros profissionais criativos que desejam explorar a escrita como uma extensão do próprio processo de criação. Em 32 páginas impressas em risografia, o livro oferece teoria, reflexões e exercícios práticos para desenvolver a escrita livre e autoral, especialmente para quem está começando.

obrigada por ler até aqui! como sempre, fique a vontade pra comentar ou responder esse e-mail se tiver alguma dúvida ou sugestão. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

Share makers gonna make

oie! seja bem-vinde a mais uma edição da makers :) eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. na semana passada eu e a lançamos uma chamada aberta para textos sobre design & memória. estamos organizando uma revista coletiva e, quando compartilhei a chamada com alguns amigos e colegas designers, a resposta da maioria deles foi: “vou tentar, mas eu escrevo tão mal…”. além de insegurança (que é uma coisa normal), esse pensamento reflete uma noção bastante difundida entre designers e artistas: a de que são “seres visuais”, e não verbais. nessa edição, comento sobre porque discordo completamente dessa visão e ainda compartilho os livros e referências que me ajudaram a desenvolver a minha própria prática de escrita. vamos?

Medo de escrever

Assim como a criatividade e outras habilidades que designers usam no dia a dia, como criar layouts para publicidade ou desenvolver telas para aplicativos, a boa escrita requer estudo e prática. Os dois se complementam. Sou uma grande defensora de que a escrita privada, como em notas ou diários, já é muito benéfica: ajuda a organizar o pensamento, refletir sobre o aprendizado e explorar novas ideias. Mesmo que não exista uma preocupação com a forma final do texto, a tendência é que as habilidades de escrita melhorem através da prática.

Mas, no caso do receio de submeter um texto “ruim” para um processo seletivo, estamos falando também da dificuldade de escrever para os outros e, principalmente, o medo de falhar, de escrever “mal”. Isso leva muitos designers a criarem uma resistência com a escrita. Em geral, esse sentimento vem da percepção de que se expressar através da linguagem verbal escrita deveria ser fácil. Afinal, não somos alfabetizados? Isso não deveria bastar? Então, diante das primeiras dificuldades para escrever, a pessoa se frustra e assume que não foi feita para isso.

No livro Inspiring Writing in Art and Design – Taking a Line for a Write, Pat Francis explora alguns dos principais motivos pelos quais estudantes de cursos de Artes e Design sentem dificuldade de escrever, seja em relação a requerimentos acadêmicos ou como ferramenta de reflexão pessoal. Contra a ideia de que escrever deveria ser fácil, ela argumenta:

“Não escrevemos instantaneamente de forma profunda e reflexiva; temos que construir gradualmente. Knight e Yorke argumentam que “a aprendizagem complexa é quase invariavelmente uma aprendizagem lenta, demorando mais para crescer do que dura a maioria dos módulos [de ensino]”. Assim, a escrita deve fazer parte do processo contínuo: não presa às partes, mas percorrendo o todo.”

Há alguns anos, eu te diria: “se você deixa de escrever porque é ruim nisso, a tendência é que você continue ruim”. Em 2026, quando é possível se esquivar completamente da prática da escrita “pedindo para o Chatgpt organizar pensamentos”, trago notícias piores: se você deixa de escrever porque é ruim nisso, você vai piorar. Sendo assim, é hora de fazer uma escolha: bancar ser ruim no início e conquistar essa habilidade ou desistir e deixar que outros pensem por você, como diz Natália Ilyin em Writing for the Design Mind:

“Muitas pessoas passam a vida sem conseguir definir os pensamentos por si mesmas. Como não aprenderam como fazê-lo, não têm escolha senão deixar o pensamento claro para os outros. Como não conseguem argumentar ou persuadir ao escrever, abdicam do seu poder verbal. Quando você aprende a escrever bem, você entra na vida mais profundamente, porque pode refletir sobre um problema, expor um ponto de vista, traçar uma experiência, inventar um mundo – e comunicá-lo.”

É — ou deveria ser — do interesse de toda a classe de criativos ser capaz de se comunicar com clareza para desafiar estruturas dominantes e protestar diante de situações precarizadoras, antiéticas ou até desumanizantes no nosso mercado. De fato, muitos fazem isso na dimensão da comunicação visual, mas isso não deveria ser um fator de exclusão para a boa comunicação escrita.

Seres visuais e verbais

O medo de escrever também pode ser atribuído a uma crença rasa de que designers são “seres visuais” e que, de alguma forma, ser visual se opõe a ser verbal, tornando designers inerentemente inaptos à escrita. As duas autoras que acabei de citar atacam esse argumento (que veremos, não têm base científica) com abordagens diferentes.

Pat Francis se baseia na matriz de Riding e Rayner de estilos cognitivos, que opõe em um espectro a aprendizagem através da linguagem verbal e a aprendizagem através das imagens. Partindo da ideia de que há uma distância entre os estilos cognitivos, a autora opta por alternar entre eles nos materiais didáticos que produz, além de incorporar exercícios considerados mais visuais em suas propostas de exercícios de escrita.

“Esboçar e rabiscar na escrita, não apenas no trabalho visual, e encontrar metáforas visuais para ideias, algo que é proposto ao longo deste livro, está relacionado ao extremo visual da escala de Riding e Rayner, enquanto o trabalho em ensaios e dissertações é geralmente visto como puramente pertencente ao reino do verbal. O extremo verbal da escala é muitas vezes a parte assustadora para muitos escritores relutantes/medrosos e, portanto, ao abordar as tarefas a partir da forma preferida de absorver o material [visual], espera-se que as estratégias sejam fortalecidas e todas as áreas de trabalho sejam beneficiadas.”

Já Natalia Ilyin desconsidera completamente a ideia de oposição entre os modos de aprendizagem visual e verbal, atribuindo a popularização dessa divisão a uma mera tendência na educação escolar há algumas décadas; e argumenta que embora existam estilos cognitivos diversos, a afinidade com um não pode significar completa inaptidão em relação ao outro:

“Acontece que “criaturas visuais” têm muito mais em comum com escritores, físicos teóricos e engenheiros do que muitas pessoas poderiam imaginar. O pensamento sistêmico, uma área de exploração nas ciências e nas humanidades, é mais eficaz para descrever a mente criativa do que abordagens de tudo ou nada, preto e branco. Artistas, designers e escritores possuem mentes afinadas para reconhecer padrões e criar sistemas de significado, e eles entendem esses sistemas de muitas das mesmas maneiras que engenheiros e físicos. Se você é atraído por ser um designer, é provável que tenha uma afinidade pelo pensamento sistêmico e, sem perceber, tenha passado sua vida treinando sua mente para aproveitar essa afinidade. (...)

Descrever pessoas como inadequadas para um tipo particular de pensamento desvaloriza elas e suas contribuições para a cultura.”

Seja qual for a abordagem preferida — entender aprendizagem visual e verbal como distintas e opostas, mas se propor a misturá-las; ou então desconsiderar tal oposição — não há um motivo pelo qual a inclinação aos processos criativos visuais deva impedir que se tenha resultados satisfatórios em processos criativos verbais.

O que nos leva a seção final: as recomendações.

Por onde começar a aprender sobre escrita?

Primeiro de tudo, além de livros sobre escrita, para escrever bem é importante ler bastante e ler de tudo. Vai aumentar seu repertório e seu vocabulário, só cuidado pra não usar a leitura e o estudo como procrastinação. Então use as recomendações com cuidado, viu? Esses são livros que me ajudaram desde que comecei a newsletter, em 2022:

• Manual de sobrevivência na escrita, por Ana Rüsche e George Amaral

• Como escrever bem, por William Zinsser

• Confissões de um jovem romancista, por Umberto Eco

Por último, não posso deixar de recomendar Glifo por Glifo, um workbook de escrita para designers e outros profissionais criativos que desejam explorar a escrita como uma extensão do próprio processo de criação. Em 32 páginas impressas em risografia, o livro oferece teoria, reflexões e nove exercícios práticos para desenvolver a escrita livre e autoral, especialmente para quem está começando. As duas primeiras tiragens esgotaram e a terceira está em pré-venda! Os 20 primeiros a comprar ganham um poster exclusivo.

Garanta o seu exemplar :)

Escrever é uma coisa que ninguém pode fazer por você — e que bom :)

obrigada por ler até aqui! se você é um fã muito hardcore dessa newsletter, vai perceber alguns trechos do meu tcc nessa edição, hehe. mas ainda não tinha trazido a questão de “por que designers escrevem pouco”, e achei que a chamada aberta + a pré-venda eram boas desculpas pra isso. como sempre, fique a vontade pra comentar ou responder esse e-mail se tiver alguma dúvida ou sugestão. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

Share makers gonna make

oie! seja bem-vinde a mais uma edição da makers :) eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. essa edição traz uma reflexão sobre design, gênero e sistemas de dominação. não quero enrolar demais introduzindo. vamos?

No ano passado, fui ao lançamento do livro Design no Patriarcado (Clube do Livro do Design, 2025) que aconteceu na Esdi/Uerj, universidade onde me formei. Houve uma apresentação do livro por Bibiana Serpa e Tereza Bettinardi e, depois, uma roda de conversa.

Estar no campus depois de formada me faz lembrar do início: quando entrei para a faculdade de Design, corri para ler livros sobre a história do campo e ouvir podcasts de entrevistas com Designers De Verdade, saber de suas experiências. Eu queria tanto, tanto me aproximar daquele universo que me fascinava, mas do qual eu não sabia nada. Bom — eu achava que não sabia nada.

Sou filha e neta (e sobrinha, e prima, e sobrinha-neta) de artesãs e sempre estive rodeada pela idealização e produção de artefatos dos mais diversos. Bandejas, toalhinhas de mesa, tapetes enormes, até algumas peças de roupa. Guardando no bolso por um momento as concepções mais caretas sobre Design, que derivam exclusivamente da industrialização, hoje consigo ver que sempre estive rodeada dos princípios do Design: a inventividade, o planejamento, a técnica, a reprodução (ainda que manual), a harmonia, a boa usabilidade.

Tive que chegar a essa conclusão por mim mesma porque, logo no primeiro ano de faculdade, presenciei um professor dando a maior bronca em um aluno porque o trabalho dele era “de artesanato, não de design”, e desse ponto o professor começou a falar de forma extremamente condescendente sobre como artesanato é muito bonitinho, muito nobre, muito fofinho, mas não é design. Afinal, se ele, um homem-branco-hétero-cis-velho era um designer, certas pessoas não poderiam ser, não é? Não — só ele pode ser. A minha avó não pode, a minha mãe não pode.

Felizmente, temos pessoas indo contra essa corrente, e foi bom estar na Esdi para celebrar isso por uma noite. Design no Patriarcado aborda a questão: quais objetos “merecem” espaço no campo do Design (com D maiúsculo)? Quais artefatos são dignos de ter sua produção observada, estudada, celebrada? Quem os escolhe? Cheryl Buckley escreve:

Em que medida, então, o patriarcado cria a estrutura que formata o papel das mulheres como designers? Em um patriarcado, as atividades dos homens têm mais valor que as das mulheres. Considera-se, por exemplo, que o design industrial tem um status mais elevado que tecidos tricotados. (p.41)

Essa diferenciação não ocorre apenas por conta da técnica empregada (industrial vs. manual), mas também por conta da finalidade do artefato, a situação cultural de sua produção (em casa, às vezes coletiva) e seu valor percebido:

Para agravar essa desvalorização do trabalho de designers mulheres, entende-se que os trabalhos de design criados por mulheres no ambiente doméstico (seu espaço natural, num patriarcado) possuem um valor de uso, e não um valor de troca. O design produzido por mulheres em um ambiente doméstico (bordado, tricô e appliqués) é usado pela família em casa, em vez de ser trocado visando o lucro no mercado capitalista. Nesse momento, capitalismo e patriarcado interagem para desvalorizar esse tipo de design; em resumo, esse trabalho foi feito no lugar errado — o lar, e para o mercado errado — a família. (p.43)

Comprei o livro no lançamento, então ainda não tinha passado por esses trechos no início daquela noite. De volta à roda de conversa com Bibiana e Tereza, algumas pessoas estavam compartilhando suas visões iniciais sobre o livro e algumas experiências pessoais. Senti no meu coração que era o momento de compartilhar minha angústia, a confusão que senti tentando entender o lugar do artesanato na minha vida. Algo que eu admirava muito, mas era ridicularizado por profissionais e professores tão experientes. Compartilhei brevemente sobre o professor e sua bronca, sobre o trabalho das mulheres na minha família e minha vontade de me aprofundar na intersecção entre design e artesanato; de explorar essa divisão tão marcada pelo gênero.

Em Destinos do Feminismo (Boitempo, 2024), Nancy Fraser fala sobre como a desigualdade de gênero atua em duas dimensões articuladas: a da distribuição e a do reconhecimento. Na primeira, o gênero aparece como uma diferenciação enraizada na estrutura econômica, organizando a divisão social do trabalho entre setores valorizados e desvalorizados. Homens concentram-se nas ocupações industriais, técnicas e profissionais mais bem remuneradas; de outro, as mulheres são empurradas para o trabalho doméstico, reprodutivo e para os chamados empregos de “colarinho rosa”, ligados ao cuidado e aos serviços, normalmente com menor remuneração e prestígio. Essa organização produz injustiça distributiva. Já na segunda dimensão, o gênero opera como uma hierarquia de status, sustentada por padrões culturais androcêntricos que privilegiam atributos associados à masculinidade e desvalorizam o que é codificado como feminino, gerando estigmatização, exclusão simbólica e negação de reconhecimento social (p. 1251). Embora a autora não seja do campo do design ou das artes, sua linha de pensamento é bastante aplicável: se uma mulher faz, é artesanato; se um homem faz, é Design — e a diferenciação pode ser observada na distribuição (valorização monetária, remuneração pelo trabalho) e no reconhecimento (quem é considerado designer).

Depois da roda de conversa, houve a venda e autógrafo de livros e um pequeno happy hour. Em um momento de distração, fui puxada de lado por dois caras que estavam no evento, e eles começaram a me ✨iluminar✨: me explicaram que, ao contar do professor misógino, eu estava usando uma historinha isolada para fingir que estava diante de uma questão global. Que X teórico de sei lá onde já falou que artesanato é design sim, e eu estava reclamando de, essencialmente, nada. Ficaram falando por uns 15 minutos, sem me passar a palavra, até que eu disse que estavam me chamando em outro lugar e meti o pé.

Minutos antes estávamos em uma roda de conversa. Por que os dois não pediram a palavra em público, por que me procurar sozinha? Como o fator anedótico diminui a gravidade do que relatei? Que um professor respeitado, de uma das mais importantes instituições de design do país e da América Latina estava, no ano de 2022, falando de artesanato como se fosse um trabalho inferior, sem nenhum constrangimento, para uma turma inteira e ainda humilhando um aluno?

Essa interação, logo no lançamento de Design no Patriarcado, me assombra porque sei que esses caras não são exceção. Muitos homens (e algumas mulheres) acreditam que o fato de termos tido progresso em relação às questões de gênero no design significa que o problema acabou e, portanto, pode ser deixado pra lá. Além de uma má vontade bem aparente de compreender as nuances da questão de gênero, esses dois homens reproduzem um pensamento típico do feminismo liberal: a ideia de que, como algumas reformas institucionais foram feitas e algumas mulheres alcançaram posições antes inacessíveis (cargos de chefia, carreiras acadêmicas), a desigualdade estaria superada. Como escreveu bell hooks em Teoria Feminista: Da Margem Ao Centro (Perspectiva, 2019):

O impacto positivo das reformas liberais na vida das mulheres não deve ser confundido com a erradicação do sistema de dominação. Em nenhuma parte dessas reivindicações se encontra a proposta de erradicação da política de dominação, e ela seria certamente rejeitada, se fosse incluída. Essa falta de preocupação com a dominação é coerente com a crença do feminismo liberal de que a mulher pode se igualar socialmente aos homens sem desafiar e modificar a base cultural da opressão de grupo. É essa crença que torna improvável que o radicalismo potencial do feminismo liberal possa um dia vir à tona. (p. 51)

Nessa lógica, progresso feito na dimensão do reconhecimento é usado como distração para minimizar a insuficiência de progresso na dimensão da distribuição. (Não vou nem me aprofundar na escolha deles de fingir que há consenso na academia em relação a temas como recorte de gênero no design, representatividade ou a relação entre artesanato e design, quando esse consenso não existe e provavelmente nunca existirá. Visões misóginas ainda circulam na academia, ostentando seu status de teoria, dentro e fora de sala de aula).

Homens como esses veem algumas mulheres de sucesso (enquanto eles mesmos não encontram muito, que pena) e se convencem de que a desigualdade acabou, que as mulheres devem até ter mais direitos do que os homens agora, não é? Não consideram (ou acham mais confortável negar) que a opressão de gênero existe em várias dimensões, e se expressa de formas e intensidades diferentes em cada ambiente. Que cada mulher vai sofrer com a opressão de acordo com o ambiente em que está (academia, mercado de trabalho ou mesmo o lar), sua classe social, sua raça, idade e trajetória pessoal. E que, como o capitalismo e as outras estruturas de opressão que se sustentam mutuamente, o patriarcado opera sobre todas as áreas da vida, influenciando, inclusive, o que é considerado design e o que não é.

Aliás, a diferenciação baseada no gênero pode ser traçada à própria origem do design enquanto disciplina. Em Objetos de Desejo (Cosac Naify, 2007), Adrian Forty localiza esse marco inicial por volta de 1750, com a divisão da produção em várias etapas realizadas por operários, quando surge a necessidade de um estágio distinto para preparar instruções (p. 43).

Configurou-se rapidamente uma relação de superioridade entre projetar e executar. Quanto mais artigos eram produzidos a partir de um mesmo modelo, maior o valor monetário dele para o empregador de um designer (ou modelador, como eram chamados na indústria de cerâmica), já que de certa forma ele podia ser calculado como a soma de todas as frações do trabalho que antes era responsabilidade dos artesãos, mas só precisava ser executado uma vez. Os modeladores eram os trabalhadores mais bem pagos das cerâmicas, e o mesmo acontecia em outros setores, como o têxtil.

Existia a noção de que o projetar era uma atividade mais inteligente do que o fazer; e que, se o designer fosse instruído o suficiente, os executores de seus modelos poderiam ser proporcionalmente menos qualificados. Forty afirma que “(...) era desnecessário que os artesãos tivessem talento para o design, uma vez que tudo o que a produção fabril exigia deles era a capacidade de executar os designs que recebiam” (p. 43). Em movimentos contrários, mas complementares, na indústria inglesa cresceu a contratação de trabalhadores sem instrução, inclusive mulheres e crianças, que recebiam salários menores — reforçando a hierarquia social — e, ao mesmo tempo, o Estado inglês preocupou-se em estabelecer escolas de design para aumentar a qualidade dos serviços projetuais.

Além de mulheres serem empregadas nas fábricas como operárias, pouco especializadas e mal pagas, foi na mesma época que novos significados foram atribuídos ao espaço doméstico e os trabalhos manuais (incluindo atividades têxteis) se tornaram “coisa de dona de casa”. Enquanto na esfera pública — tida como um domínio masculino — o ramo têxtil se mecanizava, as mulheres se dedicavam ao fazer manual na esfera privada, o lar.

Como explica Claudia Zacar em Relações de gênero nas artes, no design e na moda (Editora UFPR, 2022), ao longo do século XIX surgem diversas publicações que traziam receitas (projetos) para a confecção de adornos para decorar o ambiente doméstico. Mas, enquanto o design têxtil fabril recebia investimentos e incentivos educacionais a partir da criação de escolas de design, para as mulheres o cenário era outro. Zacar afirma que

A criação artística, naquele contexto, era então entendida como um dom inerentemente feminino, sendo o talento decorativo visto como uma expressão intuitiva da personalidade. Sendo assim, considerava-se que não era necessária uma formação profissional, mas apenas uma educação que permitisse desabrochar tais talentos. (p. 21).

Então, posto tudo isso, embora eu entenda que uma ou duas anedotas não possam dar conta de uma complexa relação de dominação perpetuada e refinada por séculos, não vou me permitir constranger por aqueles que tentam negar a validade de experiências pessoais em debates literários e acadêmicos.

Desde o início dos movimentos feministas, mulheres ao redor do mundo vem conquistando direitos civis, patrimoniais, reprodutivos e tudo o mais. Eu sou grata às que vieram antes de mim por isso, mas admito: em tempos como os nossos, não tenho paz. Sei que cada conquista é temporária, como disse, em 1974, Simone de Beauvoir: “basta uma crise política, econômica e religiosa para que os direitos das mulheres sejam questionados”. Acrescento: é preciso muito menos. A mera noção — ilusória — de que estamos “conquistando direitos demais” é suficiente para alimentar retrocessos. Precisamos seguir contando nossas histórias, as histórias das mulheres que vieram antes de nós. Precisamos ser “as chatas”, as que reclamam de tudo — porque está tudo errado mesmo. Também precisamos que os homens, principais responsáveis pela opressão misógina, participem do debate; mas participem de verdade, nas rodas de conversa, nos espaços públicos, e não apenas no tête-à-tête onde se sentem mais confortáveis para falar qualquer coisa. Ainda temos um longo caminho pela frente.

Não costumo listar referências ao final de cada newsletter porque prefiro incorporá-las no texto, mas nesse, especificamente, quis citar as páginas e trazer a lista de referências porque incentivo que todos busquem conhecer mais da obra de cada autora que citei.

Design no Patriarcado (Clube do Livro do Design, 2025), de Cheryl Buckley

Destinos do Feminismo (Boitempo, 2024), de Nancy Fraser

Teoria Feminista: Da Margem Ao Centro (Perspectiva, 2019), de bell hooks

Relações de gênero nas artes, no design e na moda (Editora UFPR, 2022) é uma coletânea, e o texto que citei é de Claudia Zacar

Ah, antes de encerrar! Eu e a querida estamos organizando uma publicação coletiva sobre Design, a revista Navalha. O tema da primeira edição é MEMÓRIA e a submissão de textos está aberta. Confira mais informações no post no insta :)

ei, obrigada por ler até aqui, sei que foi um caminho longo, mas espero que tenha valido a pena. fique a vontade pra comentar ou responder esse e-mail se tiver alguma dúvida ou sugestão. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

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oie! seja bem-vinde a mais uma edição da makers :) eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. imagina uma coisa comigo: é terça-feira, você acabou de encerrar o expediente. se trabalha home office, desliga o computador. se é presencial, talvez encare algumas horas de transporte público até chegar em casa. depois de jantar e fazer suas coisinhas, você pode finalmente descansar. mas como? pra muitas pessoas (eu inclusa), descansar pós-trabalho quer dizer assistir streamings ou usar o celular até pegar no sono. eu desconfio que esse tipo de descanso não é suficiente para sustentar uma vida criativa feliz, e daí surgiu esse texto. vamos?

A armadilha do descanso produtivo

Estamos numa época, como diz Byung Chul Han, do “sujeito de desempenho”. Um indivíduo autoexplorador, incapaz de descansar porque está sempre se otimizando:

“(...) o sujeito de desempenho se entrega à liberdade coercitiva ou à livre coerção de maximizar o desempenho. O excesso de trabalho e desempenho agudiza-se numa autoexploração. Essa é mais eficiente que uma exploração do outro, pois caminha de mãos dadas com o sentimento de liberdade. O explorador é ao mesmo tempo o explorado. Agressor e vítima não podem mais ser distinguidos. Essa autorreferencialidade gera uma liberdade paradoxal que, em virtude das estruturas coercitivas que lhe são inerentes, se transforma em violência. Os adoecimentos psíquicos da sociedade de desempenho são precisamente as manifestações patológicas dessa liberdade paradoxal.”

Esse cara de quem Byung Chul Han fala escuta podcast de finanças e desenvolvimento pessoal enquanto corre na esteira; esse cara lê ficção porque faz bem para o cérebro, e não por puro prazer. É um indivíduo que otimiza o descanso, e, embora o autor o descreva em tom crítico e horrorizado, na vida real esse cara é celebrado nas redes sociais como alguém que aproveita cada minuto e cada oportunidade de crescer.

Como uma pessoa que trabalha com criatividade e também se diverte com criatividade, conheço bem o peso que o cansaço pode ter na imaginação. Ao falar sobre um descanso “certo”, proponho uma noção de descanso desotimizante (embora, a longo prazo, ela possa contribuir para a produção criativa). Um tipo de descanso pleno, prazeroso e até mesmo planejado, porque é importante e precisa ser, em algum nível, um compromisso consigo mesmo. Ainda que eu só possa falar por mim, esse texto é um convite para que cada pessoa repense seus momentos de descanso.

Para começar, precisamos avaliar o que é considerado descanso. Como mencionei na introdução, por muito tempo as três atividades que preenchiam minha noção de descanso eram dormir, consumir séries ou filmes e scrollar nas redes sociais; acredito que seja assim para a maioria das pessoas.

Essa rotina de desligar o computador e pegar o celular criava um problema: esse “descanso” só me recarregava o suficiente para trabalhar no dia seguinte. Era muito desafiador encontrar energia para ser criativa nos meus projetos pessoais ou mesmo escrever a newsletter. Desafiador não quer dizer impossível, mas o cansaço só se acumulava.

De forma não relacionada, em setembro de 2023 eu vivenciei, pela primeira vez, a experiência de uma peregrinação (contei um pouco sobre isso na edição 56). A empreitada de caminhar uma média de 25km por dia em lugares remotos e sem internet desbloqueou em mim um sentimento até então inédito. Eu passei tantos dias sem abrir o computador, sem ver redes sociais e sem me cobrar de fazer as coisas que… eu senti vontade de fazer. Aliás, foi algo além de vontade: eu me senti pronta para criar algo.

(Aqui precisamos temer a literalidade: não estou dizendo que caminhar mais de 100km sem internet torna alguém mais criativo; mas o meu corpo e o meu cérebro atingiram um estado de descanso mental que abriu espaço para que eu sentisse empolgação (e não medo ou pressão) ao pensar em criar).

Nem todo cansaço se resolve dormindo

Saundra Dalton-Smith é a criadora do conceito de “7 tipos de descanso”. Para a médica e pesquisadora, muito além de dormir (uma parte do descanso físico), precisamos buscar outras seis formas de repousar o corpo e a mente. Além do livro Sacred Rest, ela tem um TedTalk sobre o assunto, mas vou resumir aqui quais atividades compõem cada tipo de descanso:

• FÍSICO: dormir (o suficiente e bem), tirar sonecas, ter dias de descanso na rotina de academia

• EMOCIONAL: fazer terapia, conversar com amigos, escrever um diário

• SOCIAL: estar sozinho, curtir a própria companhia

• SENSORIAL: estar ao ar livre, ficar em silêncio, meditar

• CRIATIVO: contemplar a natureza/o mundo ao seu redor, criar sem objetivos, se inspirar

• ESPIRITUAL: se conectar com as práticas espirituais de sua preferência, meditar

Acho que pela lista dá pra perceber que os tipos de descanso se complementam e, às vezes, se sobrepõem. Na minha peregrinação eu passei boa parte do tempo sozinha, em silêncio, contemplando a natureza e, apesar da longa caminhada, entre um dia e outro eu tive ótimas noites de sono.

Ir dormir bem cansado ou se distrair com entretenimento bobinho são formas de descanso válidas, mas contemplam apenas duas das sete formas de descanso (física e emocional). Isso gera um acúmulo do cansaço residual referente aos tipos de descanso negligenciados. Quando foi a última vez que você ficou em completo silêncio no fim do dia, sem usar o celular? Quando foi a última vez que planejou passar um dia ao ar livre? Alcançar os outros tipos de descanso é desafiador por alguns motivos.

O principal — voltamos a Byung Chul Han — é a produtivização de todos os momentos associada a precarização da vida humana. Perdemos muito tempo trabalhando e quando não estamos ativamente no trabalho, estamos nos cobrando outras realizações. Não ajuda que a maioria da população perde tanto tempo no transporte público, ou que a crise climática e o racismo ambiental dificultam a realização de um programa que deveria ser muito simples, como passar a tarde em um parque.

Mas além disso, mesmo quando temos condições de planejar descansos mais diversos, relutamos. Fomos ensinados (alguns pela religião, outros por pais da classe trabalhadora que ralaram muito a vida toda) que descansar demais é ser preguiçoso; é pecado e imoral. Somos ensinados que descanso é um privilégio conquistado através da exaustão; um luxo, if you will, e se é assim, nem todos podem dar-se ao luxo do descanso.

Como pessoas trabalhadoras, podemos ter dificuldade de imaginar programas como marcar uma massagem e depois almoçar uma comida gostosa; tanto prazer parece fútil, coisa de playboy. E realmente, ir a um spa ou comer fora podem ser coisas caras (infelizmente), daí a importância de também planejar o descanso. Não apenas observar enquanto as horas de descanso passam, ansiosos com as tarefas inevitáveis do próximo dia útil, mas escolher intencionalmente quais atividades de repouso ou prazer vão preencher nossas folgas.

O prazer como produtor de arte

Entre as ideias de William Morris está a noção do prazer como instrumento artístico; e, como explicam Valter Costa e Daniel Portugal no artigo quase homônimo:

“A arte não é uma atividade individual, pautada em algum inescrutável “dom” artístico, mas o efeito de certo modo de vida no qual as forças humanas não estão aprisionadas nem pela necessidade nem pelo imperativo produtivista, podendo operar de maneira “livre”, isto é, de acordo com o que Morris considera serem suas propensões naturais.(...)Isso é expresso, por exemplo, quando Morris afirma que a arte que ele vislumbra é a “expressão espontânea do prazer na vida inato em todo o povo”, definindo uma arte “fundada no bem-estar das pessoas”. O “trabalho alegre” seria o responsável por tornar belos os “arredores comuns da vida”: a beleza é o efeito da alegria no trabalho, pois o trabalho alegre é este no qual a força do trabalhador se orienta a fins adequados e opera na medida adequada — ou seja, não é desperdiçada pelas exigências biológicas (trabalho apenas para a subsistência) ou pelas exigências do capital (trabalho apenas para geração de lucro). Essas formas de desperdício da força de trabalho são sinônimos de uma infelicidade coletiva, responsável pela ausência de beleza na vida comum.”

Talvez o principal motivo de ter começado esse texto é porque, em desacordo total com a figura do artista torturado, eu vejo a arte como uma consequência do prazer e de uma vida boa. Boa arte pode ser produzida a partir do sofrimento e de uma vida difícil, de lutas; mas também pode ser produzida a partir do prazer, da tranquilidade, da indulgência.

Em 2024 eu passei por algumas transformações pessoais e profissionais que impactaram profundamente a minha rotina e, numa tentativa de amenizar as dores que vem com as mudanças, criei o que chamo de dia perfeito. Um dia perfeito é raro (você logo vai ver o motivo, lol), mas importante de encaixar algumas vezes no ano. Ele pode ser planejado para contrabalancear um dia péssimo ou só para aflorar minha criatividade. Pra mim, funciona assim, como uma receita: em um dia perfeito,

• Passo o dia sozinha :)

• Se eu me sentir descansada fisicamente, começo com uma atividade física para cansar o corpo e descansar a mente. Bônus se for feita sem fones de ouvido e ao ar livre.

• Se estiver cansada ou com dor, começo com uma atividade relaxante, como meditação ou, se eu estiver tentando contrabalancear algo muito horrível, vou além: uma massagem.

• Depois faço algo que eu sei que gosto muito, como ir à praia ou ao cinema (largue! o! celular!). Adoro testar coisas novas, mas novidades são cansativas, então algo familiar funciona melhor.

• Me atento a outros tipos de prazer físico: estou comendo comidas gostosas? Minha roupa é o mais confortável que pode ser? A temperatura está agradável?

• Termino o dia com uma atividade mais contemplativa, como ouvir música (só, sem outra tarefa) ou um período longo e concentrado de leitura.

É nos dias perfeitos que fico sentada com meus pensamentos e me sinto reconectada comigo mesma. Eu não sabia quando comecei, mas um dia perfeito me proporciona todos os sete tipos de descanso e é por isso que me sinto tão revigorada. Muitas vezes depois de um dia como esse fico cheia de ideias; esse texto mesmo surgiu na minha mente em um dia de passeio, e foi rascunhado no meu restaurante preferido, no caderninho que levo na bolsa.

Um “dia perfeito” vai ser diferente para cada pessoa, e o ponto é que para ser mais criativo você deve incluir prazer e intenção nos seus momentos de descanso porque, com o tempo, sentimentos bons e relaxamento podem se tornar inspiração e empolgação.

Caso você não consiga pensar no que fazer em um dia de descanso planejado, eu sugiro praticar o ócio total. Nas suas próximas férias ou feriado prolongado (estamos entrando no Carnaval!) experimente passar um ou dois dias sem fazer absolutamente nada. Resista ao impulso de sair para “aproveitar a vida” ou de arrumar alguma coisa, adiantar alguma demanda; apenas tente não fazer nada. Partindo desse absoluto nada, é mais fácil ouvir suas vontades. Ao invés de pensar “meu deus, eu devia estar me dedicando àquele texto novo” (culpa, urgência), pode surgir na sua mente “nossa, que vontade de escrever” (vontade, expectativa de curtir o processo).

No fim, o que quero dizer é que descansar não é suficiente para sustentar uma vida criativa se esse “descanso” é inundado por conteúdos brain rot, estímulos exagerados, telas e ansiedade. Eu poderia tentar amenizar meu discurso dizendo que “se você não pode tirar um dia de descanso, você pode parar 10 minutinhos entre uma reunião e outra, tomar um banho relaxante, etc” mas não é sobre isso. É o contrário disso. O corpo humano exige descansos prolongados e plenos. Eu acredito que toda pessoa merece sim ter um dia completo de descanso pleno, seja ela uma pessoa trabalhadora, uma mãe, alguém sobrecarregado etc. É mais desafiador, e nesses momentos fatores externos entram na equação — rede de apoio, privilégios — mas o descanso feito aos poucos e de qualquer jeito mata a criatividade e motivação de muitas pessoas geniais dia após dia.

Nós ficamos bons naquilo que fazemos com frequência e a criatividade não é uma exceção; mas, como em um romance, é bom sentir saudades às vezes.

Descansar é resistir1 :)

ei, obrigada por ler até aqui! sempre fico relutante de trazer recortes mais pessoais, mas os leitores me perguntam bastante sobre processos criativos, como ser mais criativo etc; e o descanso e a indulgência são pontos essenciais no meu processo. fique a vontade pra comentar ou responder esse e-mail se tiver alguma dúvida ou sugestão. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

Share makers gonna make

oie! seja bem-vinde a primeira edição da makers do ano :) eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. se você está vivo, talvez sinta com alguma frequência que não tem tempo o suficiente para fazer tudo o que gostaria. eu sinto o mesmo, e nessa posição é difícil não ser seduzida por ferramentas que prometem “economizar” tempo. o problema é que não consegui descobrir ainda pra onde vão esses minutos que eu economizo. esse texto nasceu dessa busca. vamos?

— E esta é a lavadora ultrassônica de louça e de roupas — informou Dodge. — Som em alta frequência passa através da água para eliminar sujeira e gordura em questão de segundos. É mergulhar e tirar. Bingo! Está pronto!

— E o que a mulher faz depois disso? — perguntou Khashdrahr.

— Depois ela coloca as roupas ou a louça nesta secadora, que seca tudo em questão de segundos e, para mim esse é um belo truque, deixa as roupas com um cheirinho natural de limpeza, de ar livre, como se tivessem secado ao sol. Tudo com esta pequena lâmpada de ozônio bem aqui, estão vendo?

— E depois? — perguntou Khashdrahr.

— Ela insere as roupas neste passador, que, em três minutos, cuida do que antes da guerra, com um ferro de passar, levava uma hora. Bingo!

— E depois, o que ela faz? — perguntou Khashdrahr.

— Depois está tudo pronto.

— E depois, o que ela faz?

Trecho de Piano Mecânico (1952), de Kurt Vonnegut

Há algumas semanas eu estava conversando com uma amiga — via WhatsApp, um detalhe importante — sobre a virada do ano. Ela me contou como foi a passagem dela, eu contei como foi a minha, yada yada yada. Enquanto digitava minha mensagem percebi que havia um novo ícone naquela interface, um lápis com um brilhinho ao lado. Aquele brilhinho que toda empresa usa agora pra sinalizar ferramentas de IA, numa tentativa de associar a tecnologia com mágica. Você sabe: ✏️✨

Eu não sei porque ainda me surpreendo; o Gmail já vem empurrando a possibilidade de escrever e resumir e-mails há alguns meses, e a opção de uma caixa de entrada inteligente agora vem ativada por padrão. Mas eu não converso com amigas por e-mail. Muitas empresas e profissionais usam o WhatsApp como meio de comunicação pra trabalho, mas temos que concordar que aqui a linha começa a ficar um pouco borrada, porque não é uma exclusividade. Conversas longas de amigos, famílias, tudo isso agora pode ser resumido caso você não esteja com tempo sobrando. E quem está?

Em um vídeo de 24 minutos que assisti enquanto tomava café da manhã, o youtuber James Pumphrey testa seis engenhocas que prometem economizar horas da sua vida; elas são bem diversas, de um boneco inflável pra desamassar roupas a um cortador de legumes a um dispositivo pra escovar os dentes em 20 segundos. É um vídeo divertido no qual, pra mim, independente do resultado, o primeiro pensamento sempre é “não deve funcionar direito” — porque, desde cozinhar até escovar os dentes, eu costumo achar que fazer as coisas de forma bem feita exige atenção e não combina com pressa.

A maior parte das pessoas parece concordar com isso, especialmente diante de dispositivos tão… parafernálicos. A materialidade desses objetos causa estranheza, algo que esse vídeo ressalta na thumbnail: vale a pena colocar um objeto estranho na boca pra economizar menos de dois minutos?1

Mas talvez as mesmas pessoas não questionem o fato de big techs incorporarem ferramentas de IA para ler, resumir e redigir e-mails ou mensagens pessoais em nome da produtividade e economia de tempo. A minha melhor hipótese é que a ausência de materialidade dessas ferramentas as torna mais fáceis de empurrar pro nosso dia a dia. Diferente dos trambolhos que Pumphrey examina em seu vídeo, elas surgem de forma silenciosa, gratuita (por enquanto2) e amigável (✨). Repare como a palavra “ajuda” está sempre por perto: “receba ajuda pra criar a mensagem perfeita, e-xa-ta-men-te como você quer”.

Depois de uns meses, é fácil e confortável publicar resultados de pesquisa que inflam a importância dessa tecnologia, dizendo que a maioria da população brasileira adota ferramentas de IA no dia a dia. O WhatsApp está instalado em 99% dos celulares no Brasil e conta com 147 milhões de usuários no país. A Meta AI vem sendo gradualmente incorporada não só ao WhatsApp mas também ao Facebook, Instagram e Messenger e os novos botões são convenientemente posicionados onde já havia outros botões que faziam outras coisas. A lógica é convencer as pessoas a usarem o dispositivo, e depois “comprovar” que ele é essencial pra sociedade e agora já foi adotado por todos, oh, é tarde demais.

Para Jonathan Crary, questão é mais profunda e dramática: as interações online por si só já nos dessensibilizam em algum nível. Ele escreve que

“Conforme o complexo internético se expande e se acumula, mais facetas de nossas vidas são canalizadas para dentro dos protocolos das redes digitais. O desastre está na incompatibilidade irremediável entre as operações on-line e a amizade, o amor, a comunidade, a compaixão, o livre desenrolar do desejo ou o compartilhamento da dúvida e da dor. Muitas dessas manifestações desaparecem ou são reformuladas em simulações esvaziadas (…).”

Terra Arrasada (2023), Jonathan Crary

Não há voz, entonação, nem calor humano em mensagens de texto (e mensagens de áudio podem ser transcritas ou aceleradas), então qual é o mal em usar outros recursos? O autor reforça ao longo do livro que, embora mensagens via internet possam ser úteis para trocar informações e marcar encontros, o que acontece muitas vezes é que cria-se um falso senso de proximidade e comunidade no qual as interações digitais substituem as interações presenciais, levando a uma desumanização de todos nós.

Em Telescope, música da banda Cage the Elephant, Matt Shultz canta que o tempo é como uma folha no vento, não importa se foi bem gasto ou desperdiçado. Economizar tempo é uma falácia. O tempo vai passar de qualquer forma, então acho que prefiro que ele passe enquanto eu realmente escuto uma história contada por alguém que amo.

E se eu tivesse tempo sobrando, o que faria com ele? Se eu economizar 15 minutos de leitura de mensagens, será que consigo adiantar alguma tarefa de trabalho? Ou será que posso aproveitar pra aumentar meu tempo diário no TikTok? Pumphrey finaliza o vídeo das resenhas dizendo que mais importante do que o tempo que economizamos é como escolhemos gastá-lo.

Também tem a questão do impacto real dessa economia de tempo, tipo uma curva ABC. Poucas tarefas grandes (provavelmente trabalho, tarefas de casa) consomem a maior parte do nosso tempo, e pequenas tarefinhas (cuidar dos gatos, responder mensagens) ocupam o restante. De que adianta liberar esses minutinhos? Tempo livre de verdade é adquirido com divisão justa de tarefas domésticas, melhores condições de transporte (ou mais oportunidades de trabalho remotas que não consumam a vida do trabalhador), jornadas de trabalho menores, remuneração justa e férias. Tempo livre para descansar, se divertir, aprender algo ou mesmo investir em um novo negócio ou carreira são dias livres e não frações de hora salpicados em dias lotados. Essas promessas fragmentam a atenção e redistribuem minutos irrelevantes, enquanto mantêm intactas as estruturas que produzem escassez de tempo.

Alguns remanejamentos de tempo no dia a dia podem trazer conforto e são compreensíveis. Cozinhar pode ser ótimo, uma forma de se conectar com seus sentidos, mas também pode ser uma tarefa que sobrecarrega uma mulher já exausta. Nesse sentido, não me incomoda tanto a ideia de que o processo seja otimizado, terceirizado ou até eliminado. Mesmo que alguém tenha tempo, talvez só não queira fazer isso naquele momento (eu sei que eu nunca quero 🤪). Agora… conversar? Mesmo que você não queira conversar naquele momento, manter amizades exige algum esforço de ambas as partes. Nem que seja o esforço de compreensão quando uma resposta demora a chegar.

Aliás, acho que a terceirização da comunicação me incomoda mesmo nos e-mails corporativos. O papel deles é informar as partes envolvidas, garantir que todos estejam a par de tudo e alinhados. Agora estamos evitando tomar conhecimento sobre aquilo que nos compete? Eu não gosto da ideia de resumir um e-mail com IA porque eu me importo o suficiente com meus projetos pra querer saber o que foi dito.

Existe uma diferença entre tempo desperdiçado, economizado ou vivido. Se eu prestei atenção no que estava fazendo, se eu fiquei feliz ou orgulhosa, se eu aprendi algo… mesmo que eu pudesse ter feito isso em menos tempo, não sinto que foi desperdiçado, foi vivido.

Quero fechar a edição com uma trend que achei reconfortante: a analog bag. Uma bolsa recheada de coisas analógicas pra evitar o scroll infinito, seja em dias livres ou não. Porque no fim das contas, esses minutos soltos existem: as filas, os atrasos, as pequenas pausas que conseguimos cavar em dias lotados. O silêncio nem sempre é confortável (ou possível), então por que não preencher de forma mais intencional? O tempo vai passar de qualquer forma :)

ei, obrigada por ler até aqui! estou voltando aos poucos de um recesso (necessário) na newsletter, e gosto de misturar experiências pessoais com teoria sobre design e tecnologia. adoraria saber o que você acha desse formato, então fique a vontade pra comentar ou responder esse e-mail se tiver alguma dúvida ou sugestão. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

Share makers gonna make

oie! seja bem-vinde a mais uma edição da makers :) eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. o ano de 2025 está perto do fim e nessa edição resolvi fazer uma recapitulação do ano + compartilhar algumas expectativas e metas pro ano de 2026. como sou alguém que não só trabalha como designer mas também escreve sobre o campo e acompanha os principais movimentos do mercado, essa edição traz a análise num nível geral e pessoal/profissional — inclusive, vou adorar saber de vocês também! pra mim, esse ano foi atravessado por 3 macrotemas: inteligência artificial, trabalho e a tensão entre online e offline. vamos?

inteligência artificial em 2025: grandes lançamentos e movimentos críticos

Vamos começar tirando o elefante da sala? Repetindo o que aconteceu nos últimos dois ou três anos, 2025 foi marcado por grandes lançamentos ou integrações de ferramentas de IA generativa por grandes players do mercado. Como já destaquei aqui na newsletter, incluir essas ferramentas em softwares já previamente adotados pelos profissionais do mercado de design é uma ótima estratégia para fomentar o uso delas — afinal, elas já estão ali mesmo! Acho que o movimento mais bold foi o do Figma, que em outubro adquiriu a plataforma Weavy e lançou o Figma Weave, uma espécie de hub de IA nativo:

“A Weavy reúne os principais modelos de IA do mundo com ferramentas de edição profissional em uma única tela baseada no navegador. Com a Weavy, você pode escolher o modelo ideal para cada tarefa (por exemplo: Seedance, Sora e Veo para vídeos cinematográficos; Flux e Ideogram para realismo; e Nano-Banana ou Seedream para precisão) e compor elementos poderosos usando saídas de IA generativa combinadas com edições manuais (como ajustar iluminação, mascarar um objeto ou fazer a correção de cor de uma cena).”

Embora o Figma adote um discurso mais moderado sobre o uso de IA vs. criatividade humana (do mesmo texto: “acreditamos que o primeiro prompt é apenas o ponto de partida criativo, não o destino final. (...) Se você quer se destacar, precisa ir além do prompt para chegar a algo realmente excelente”), o caminho é bastante similar ao dos concorrentes. No mesmo mês, o Canva anunciou “uma geração de IA criada especificamente para a área criativa, capaz de entender a lógica do design e criar conteúdo editável em segundos”; e a Adobe passou o ano todo atualizando e expandindo o Adobe Firefly e incorporando ferramentas ao Illustrator e ao Photoshop.

Outro lançamento que deu uma chacoalhada na gente foi o Nano Banana Pro, do Google, um modelo generativo de imagens com resultados (aparentemente, embora eu mesma não tenha testado) bastante realistas. O que nos leva a uma importante mudança de paradigma desse ano: antes, presumíamos que imagens e vídeos eram reais e depois descobríamos que eram IA. Agora e daqui pra frente, é razoável presumir que qualquer conteúdo online tenha uso de IA a menos que seja explícito e sinalizado o contrário.

Plataformas como o Instagram e o TikTok têm adotado, desde o ano passado, rótulos para conteúdos gerados por IA, mas nem sempre eles se mostram eficientes ou claros o suficiente; até legendas automáticas podem acabar rotuladas como material de IA, o que não é tecnicamente incorreto, mas é bem diferente de vídeos e imagens completamente falsos — que por sinal, muitas vezes acabam nem sendo rotulados quando os metadados se perdem ou são removidos. Parece que como lidar com o problema da desinformação é uma pauta que está sendo deixada pra depois da adoção em massa de ferramentas generativas.

Voltando para o mercado de Design, o estúdio Môre Design e o Instituto Brasileiro de Pesquisa e Análise de Dados lançaram um report sobre o uso de IA por designers brasileiros que trouxe o impressionante marco de 94% de adotantes; mas, quando olhamos a pesquisa com mais cuidado, vemos que o principal uso é para escrita e revisão — o que, vamos combinar, designers já faziam pouco mesmo antes do ChatGPT. Também senti falta de desdobramentos sobre o uso. Por exemplo, 48% usa para gerar imagens, mas será em todos os trabalhos? Será que sempre chegam em um resultado satisfatório? Já atendi clientes que queriam muito usar imagens de IA, mas nem sempre o resultado preenche os requisitos da campanha. Talvez 2025 tenha sido o ano da quantidade, e não da qualidade. Será que em 2026 isso vai mudar?

2025 também foi um ano de questionamento e posicionamento crítico em relação a esses movimentos. Vimos denúncias públicas pelo treinamento ilegal de modelos de IA com dados de usuários e movimentos como o Unidad organizando debates e promovendo discussões sobre a regulamentação da tecnologia no país. Foi um ano em que gostei muito de acompanhar pesquisadores sérios, como a Catharina Doria, falando sobre os perigos relacionados à desinformação e privacidade nas redes sociais. E também foi o ano em que organizei a coletânea Armadilhas, com sete textos sobre a relação entre design e automação.

será que a comunidade criativa está voltando a ser uma comunidade?

Esse ano me tornei freelancer em tempo integral e, como todo profissional nos primeiros meses de estúdio solo, em alguns momentos me vi com mais tempo do que clientes, e aproveitei a oportunidade para investir na minha produção autoral. Esse caminho me levou a participar de feiras de arte impressa como expositoras e uau! Que surpresa boa ver os eventos tão cheios. Conversando com organizadores desses eventos, dá pra notar que nossa ressaca coletiva de encontros digitais da pandemia ainda não passou completamente. Feiras como a Delícia Impressa, a Miolos, a Motim e a Mamute seguem lotando, criando um ambiente incrível pra conhecer outros criadores e fomentar financeiramente o campo dos impressos.

Também tive a oportunidade de participar de alguns eventos em universidades aqui no Rio, como a Puc e a Ufrj, e foi legal perceber os alunos engajados em entender o que os aguarda no futuro próximo. Ouvi muitas perguntas e discussões sobre o mercado de trabalho, não só no sentido de oportunidades e remuneração mas também sobre novas (e velhas) tecnologias, regulamentação da profissão, manutenção e busca por mais direitos trabalhistas… Questões que às vezes parecem ofuscadas por “revoluções de mercado”.

A impressão que eu tenho — e pode ser uma bolha, mas acho que vale a menção — é que estamos deixando um pouco de lado a competitividade tão acirrada impulsionada pelo liberalismo e as narrativas de sucesso individual para compreender que, mesmo quando trabalhamos como autônomos, dependemos dos nossos pares. Seja porque cada um tem o seu papel em uma longa cadeia criativa — de quem organiza os eventos a quem frequenta — ou porque está ficando claro que pra melhorar as perspectivas individuais precisamos atuar de forma coletiva enquanto classe criativa.

perspectivas para 2026

Transparência e ética em IA

Olhando pra tudo isso, tenho algumas expectativas (espero que não sejam apenas wishful thinking!) para o ano que vem. Não gosto da ideia de que tecnologias sejam inexoráveis, mas precisamos ser realistas e concordar que empresas bilionárias vão continuar investindo na disseminação de IA; acredito que movimentos questionadores precisam e vão surgir.

Conforme o debate sobre privacidade e desinformação vier a tona — porque ele vai se tornar inevitável — profissionais e clientes podem buscar mais transparência em relação às ferramentas. Se elas vão ser incorporadas, é importante saber como são desenvolvidas, como são treinadas e principalmente quais são os princípios éticos norteadores. Aliás, qual dessas empresas de software que mencionamos têm um comitê ativo de ética e responsabilidade social? Será que não é a hora de cobrar essa responsabilização da parte delas, e não apenas dos usuários?

Busca pela própria linguagem, curadoria e a vida online

Também acho que muitos profissionais e marcas vão precisar encontrar (ou reencontrar) a própria linguagem no meio de um mercado saturado de coisas muito parecidas e genéricas, geradas por IA ou não. Isso vai valer tanto pra trabalho quanto pra conteúdo na internet: nunca houve tantas pessoas e portais para acompanhar, e em 2026 vamos nos perguntar: o que eu ganho seguindo esse criador/portal/marca? O que estou trazendo da internet pra minha vida? Dois extremos de conteúdo baseados na curadoria devem ganhar força: os “giros de notícia”, conteúdos curtos e pouco aprofundados com foco na atualização geral sobre algum tema; e os conteúdos mais aprofundados e longos sobre temas específicos, incluindo podcasts e plataformas como o próprio Substack. Em ambos os casos, a figura do autor, curador ou fonte deve se fortalecer. Em quem podemos confiar numa época como essa?

Aprendizado contínuo

Nessa mesma linha de se informar melhor, acho que o life-long learning vai seguir forte; essa ideia de que a formação profissional não acaba nunca e nem se mantém necessariamente dentro da academia. Pode parecer uma corrida sem fim, uma linha de chegada inalcançável — mas criatividade é prática, e seja pra acatar ou rejeitar as tendências do mercado, precisamos nos manter em movimento. Em 2025, quis voltar minha energia de aprendizado para as soft skills: comecei um curso de oratória porque notei, nas palestras que fui convidada a ministrar, que posso melhorar minha auto expressão, além de que comunicação é uma habilidade útil pra todo mundo. Também me reconectei com práticas manuais e comecei a pintar bauernmalerei, como minha mãe e minha avó. Não é um aprendizado que levo diretamente pro meu trabalho, mas a criatividade é um bichinho que exige uma dieta variada, e trabalhar a paciência e as escolhas técnicas dentro da pintura abriu minha mente pra novas possibilidades dentro do design.

Já para o ano que vem, tenho outros planos: focar um pouco mais em habilidades técnicas, as hard skills. Desde que abri o hele studio em maio, percebi o quanto é importante dominar ferramentas e processos diversos, não só para elevar a qualidade do trabalho autoral, mas para conseguir colaborar melhor, delegar e entender toda a cadeia de produção de um projeto.

É por isso que escolhi voltar a estudar com a Aprender Design :) A agenda de 2026 já está no ar com turmas confirmadas de Direção de Arte 101, Design de Produtos Digitais, Direção e Produção de Ilustrações… e muitos outros cursos que ajudam a construir esse arcabouço criativo. No link você pode conferir mais detalhes sobre os cursos, como turmas disponíveis, conteúdo dos cursos e quem são os professores.

Confira a agenda completa

Gosto muito da abordagem da escola: os cursos são ao vivo, o que evita de ficar procrastinando de assistir, cria um senso real de comunidade e favorece o ✨networking✨. Todos os cursos estão com 20% de desconto até 31 de dezembro, perfeito pra incluir nas metas do ano que vem. Ah, e eles ainda vão confirmar mais turmas! Pessoalmente, estou muito animada para fazer o Animando Marcas e Produtos, já imaginando vários projetinhos de motion combinando técnicas analógicas. No ano que vem volto pra compartilhar como foi a experiência com o curso! Obrigada Aprender Design por patrocinar esse trecho da newsletter :)

Bem-estar profissional no mercado criativo

Fechando as expectativas pra 2026, acho que profissionais da indústria criativa querem trabalhar melhor, ganhar melhor, mas continuar gostando do que fazem; afinal, se fosse pra odiar meu trabalho, eu seria advogada e não designer e artista multimídia. Vejo debates aumentando em torno de tópicos como precificação mais justa, limites mais claros, contratos e negociação com clientes, além de mais conversas abertas sobre trabalho, dinheiro e burnout.

E você, quer compartilhar alguma percepção sobre 2025 ou expectativa pra 2026?

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obrigada por ler até aqui! se você sentiu falta de um apanhado de melhores do ano, como livros e cases, calma que essa edição está no forno! nessa edição quis focar em movimentos do mercado porque no ano passado vi poucas análises desse tipo e é algo que sinto falta. como sempre, fique a vontade pra comentar ou responder esse e-mail se tiver alguma dúvida ou sugestão. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

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oie! seja bem-vinde a mais uma edição da makers :) eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. se você estava sentindo falta de uma edição da makers onde eu falo mal de designers, objetos e do capitalismo, essa edição é pra você! em 2025, uma das maiores questões da minha vida foi dormir bem, e assim nasceu essa edição. vamos?

Eu nunca dormi bem: quando era criança tinha medo de escuro e adolescente— sei lá, adolescente dorme tarde. Na fase adulta, tendo que acordar cedo pra estudar e trabalhar eu passei um bom período dormindo direitinho, até porque não tinha muita opção — só tinha insônia quando ficava nervosa pra algum evento. Mas em 2025, no processo de me tornar 100% autônoma e lançar projetos autorais, questões relacionadas a ansiedade acabaram com a capacidade do meu cérebro de adormecer. Desesperada, eu fiz o que qualquer pessoa com um celular na mão faria: pesquisei no TikTok como dormir melhor, como ter uma boa noite de sono e outras variações.

Foi aí que descobri a ✨indústria do sono✨. “hele, você encontrou vídeos sobre colchões e travesseiros caríssimos? Ou sobre cortinas blackout?” Pior que não, caro leitor. Pior que não. Conheci aplicativos que monitoram seu sono (desde que você tenha um smartwatch); suplementos de melatonina que, apesar da ausência de comprovação científica, são vendidos em qualquer formato e sabor; sprays de travesseiro; pílulas de magnésio; óculos que bloqueiam a luz azul; máscaras com fones de ouvido embutidos; máscaras de lavanda (oi?); um alarme-luminária que imita o sol nascendo pra te acordar; e até um headband que, hm, muda suas ondas cerebrais e te faz dormir, algo assim.

como o design anda resolvendo nossos problemas?

Nas mais diversas formações em Design, aprendemos que o objetivo da disciplina é identificar e resolver problemas das pessoas. Quando eu estava nos primeiros períodos da faculdade cheguei a acreditar nisso: que profissionais criavam produtos com o bem-estar da população em mente. Aliás, o mesmo discurso corre solto no ramo da publicidade: “identifique a dor do seu consumidor e ofereça uma solução”! Olhando para esse ecossistema de produtos e marcas que prometem “resolver” nossos problemas de sono, me pergunto: que soluções são essas, e a quem elas realmente servem?

As principais causas de insônia são a ansiedade e o estresse. Você consegue pensar em que motivos causam ansiedade e estresse para um cidadão brasileiro médio? Precarização do trabalho, longas jornadas, insegurança financeira, incerteza em relação ao futuro, frustração em saber que só vai dormir por cinco ou seis horas e depois precisa enfrentar mais um dia cheio. Em alguns casos, um familiar doente (e talvez você não tenha acesso a um tratamento com a urgência necessária) ou o luto (que muitas pessoas vivem sozinhas, e sem poder parar o próprio corre para processar). Sono e estresse são concorrentes, e de acordo com o Ministério da Saúde, a insônia é mais prevalente na população de menor poder socioeconômico. Então como borrifar spray no travesseiro, ler e consumir chá superfaturado vai resolver alguma coisa?

Conforto físico é importante para uma boa noite de sono. Uma cama confortável, um quarto escuro e silencioso e sim, pequenos hábitos como largar o celular um pouco antes de ir deitar ou tomar uma bebida quente podem ajudar. Não é que esses produtos sejam uma farsa, eles devem servir pra alguma coisa; mas existe todo um mercado focado em tratar o sintoma e não as causas reais. O ato de comprar, além de um hobby, também é apontado como a solução para um problema gerado pelo próprio modelo que exige que a gente continue consumindo.

Esses produtos são cuidadosamente projetados para transformar desconfortos estruturais em uma questão de “melhoramento pessoal”. Nesse contexto, o design e a publicidade criam a sensação de que a solução está a uma compra de distância. Repare como esses gadgets e marcas têm em geral uma estética limpa (o termo clean girl já caiu em desuso?), calmante, quase científica; uma linguagem visual feita para comunicar credibilidade e autocuidado, independentemente da eficácia.

mais uma coisa pra você ser ruim

Pior do que os gadgets esquisitos, eu também descobri que existe toda uma comunidade online centrada na performance e na otimização do sono. Palavras que normalmente associamos a trabalho ou, no máximo, a esportes, agora estão acompanhando o descanso. Dormir pode até ser algo comum, mas dormir bem, bem de verdade, se tornou um símbolo de status.

Lidando com meus próprios problemas pra dormir e mergulhada nesse universo, na primeira metade do ano eu acabei um pouco obcecada em mudar (“melhorar”) o gráfico no meu relógio. Quando percebi, estava pesquisando qual a porcentagem adequada de sono REM por noite porque achava que estava sonhando demais — em que mundo isso devia ser uma preocupação de uma pessoa normal? Não é como se eu não tivesse mais nada pra me preocupar, eu estava só aceitando mais um prato pra equilibrar nessa vida. No fim, o que me fez voltar a dormir bem foi identificar de onde vinha minha inquietação e fazer o possível para amenizá-la, com a ajuda de terapia e algumas mudanças — desafiadoras — de estilo de vida. Mudanças que tem a ver com saúde mental, atividade física, alimentação… fatores que, de forma absurda, não são acessíveis para todas as pessoas. Aliás, olha só: um suplemento de melatonina em gotas é mais barato do que uma mensalidade de academia. A diferença entre os dois é que só a atividade física tem eficácia comprovada para melhorar o sono, mas equipes inteiras de marketing vão tentar nos convencer de que duas gotinhas por noite são o que falta pra ser capaz de, ufa, descansar.

Olhando pra trás na minha própria jornada, agora me causa estranhamento ter monitorado meu sono com um relógio (que comprei inicialmente pra monitorar outros sinais vitais provavelmente desnecessários, mas isso não vem ao caso). Quer dizer, eu preciso mesmo que o Apple Watch me diga que meu sono não foi restaurador? Quem acorda descansado sabe disso, e quem acorda na merda também. Se basear só nesse tipo de coisa pode causar uma desconexão com as nossas sensações físicas; pode fazer a gente desaprender a ouvir o próprio corpo. Parece óbvio falando agora, mas eu não tinha pensado nisso até ouvir a Giu Tessitore comentando que ia parar de monitorar o próprio sono por conta disso.

Mas ei, nada de dormir demais também! Você precisa otimizar o sono pra ser mais produtivo de dia, entendeu? Dormir é só uma das etapas glamourizadas da rotina irreal que está em alta dessa vez (e sujeita a mudar a qualquer momento, assim que você conseguir chegar nela. Tic tac!).

Criar novos produtos, marcas e aplicativos não vai resolver a questão do sono, porque a solução real nunca vai ser individual ou baseada no consumo. Pra fechar a edição, esse trecho da matéria How ‘sleepmaxxing’ became a viral wellness trend, da Dazed, resume bem:

“Nossa nova obsessão com a “performance do sono” está hiperindividualizando um problema que é coletivo. Em uma época em que a pessoa média nos EUA dorme menos de sete horas por noite, celebridades estão por aí se gabando de dormir 14 horas. Isso evidencia a importância da equidade do sono, diz Troxel. Sua faixa de renda e o bairro onde você mora podem influenciar diretamente a sua saúde do sono (além, claro, de outros fatores, como ter filhos pequenos ou enfrentar questões de saúde mental). [Wendy] Troxel afirma que deveríamos direcionar recursos para tornar o sono de qualidade acessível a todos — e não tratar o sono como uma tendência de bem-estar individual. “Saúde do sono não é só para quem pode pagar por ela.”

obrigada por ler até aqui! você tem dormido bem? se não, o que será que pode ajudar? como sempre, fique a vontade pra comentar ou responder esse e-mail se tiver alguma dúvida ou sugestão. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

Share makers gonna make

oie! seja bem-vinde a mais uma edição da makers :) eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. essa edição é um pouquinho diferente: é um gift guide pra você aproveitar os descontos de novembro (hello, black friday) e encontrar os melhores presentes de natal pra você mesmo ou pra quem você gosta <3 dividi o post em três seções: livros & impressos, já que eu amo recomendar leituras e sempre cito livros aqui na makers; meu set up, pra equipamentos, periféricos e acessórios; e papelaria & materiais de arte, uma categoria que vocês 🫵 pediram! então role direto pra seção que te interessa e aproveite as recomendações, são de coração :)

Livros & Impressos

Nessa seção fiz um apanhado das leituras citadas na makers nos últimos 6 meses + código de desconto na minha lojinha! Você pode usar o código GIFTGUIDE pra ter 15% de desconto em compras acima de R$100 :)

LANÇAMENTO EM PRÉ VENDA:

1. Hands on: um livro de atividades criativas para acompanhar o seu 2026 com 52 exercícios diferentes, um por semana. Design e exercícios autorais, com lettering feito à mão, recortes de obras de arte a cada mês, miolo colorido de mais de 130 páginas em papel pólen bold, capa dura e espiral pra facilitar o uso.

Lojinha do hele studio - use o cupom GIFTGUIDE:

2. Glifo por glifo: Fruto da minha pesquisa do TCC sobre a relação entre escrever e projetar, esse workbook traz exercícios de escrita pensados para designers e artistas. Impresso em riso e montado artesanalmente :)

3. Armadilhas: Reflexões sobre Design e Automação: Coletânea de sete textos escritos por oito autoras, esse livro traz a tona a discussão sobre incorporação de IA no Design e no dia a dia. Cada autora escreve a partir de um background diferente e o resultado é um conjunto diverso que enriquece o debate sobre o tema.

4. Zine-Poster “Mulheres na Tipografia: Uma breve linha do tempo”: Feita a partir do ensaio homônimo na makers. Inclui ilustrações autorais e uma composição tipográfica digital que simula a técnica woodtype; utiliza apenas tipografias desenhadas por mulheres ou pessoas não-binárias. Impresso em papel A3 ColorPlus Neon, a zine se transforma em poster quando desdobrado.

5. Zine “A responsabilidade de um criador”: Feita a partir do ensaio homônimo, publicado originalmente na Revista Recorte, que discute a regulamentação e a responsabilização das Big Techs e outras empresas ligadas a ferramentas de IA. Impressa em papel Canson Iris Vivaldi amarelo e papel Pólen ou Diplomata. Costurado e montado à mão com ilustração de Clara Muanis​.

6. Prints diversos: Prints em tamanho A5 ou A5 em risografia, com artes autorais de lettering feito a mão :) Ótimos para presentear ou decorar a própria casa

Livros citados/indicados na makers nos últimos 6 meses:

É uma seleção dos melhores pra lista não ficar gigante, ok?

1. Inimigas naturais dos livros, citado na edição 102: uma resposta à publicação pioneira Bookmaking on the Distaff Side, lançada em 1937, que reúne mais de vinte contribuições de um grupo diverso de profissionais envolvidas com edição, tipografia e produção gráfica.

2. Falso Espelho: Reflexões sobre a autoilusão, citado na edição 96: Em nove ensaios, escritos numa rara combinação de agudeza e generosidade, Jia Tolentino explora questões de gênero na nossa relação com a tecnologia e investiga as forças transformadoras da visão que temos de nós mesmos e do mundo lá fora.

3. Terra arrasada: Além da era digital, rumo a um mundo pós-capitalista, citado na edição 105 e outras: Jonathan Crary apresenta a evidente conexão entre a era digital e o que ele chama de fase terminal do capitalismo de terra arrasada.⁠ ⁠O livro abre uma discussão sobre a necessidade de recuperar um senso comunidade, em que a interdependência entre pessoas possa construir novas formas de vida igualitária.⁠

4. Ensinando a Transgredir, citado na edição 91: Nessa coletânea de ensaios, bell hooks escreve sobre um novo tipo de educação, a educação como prática da liberdade. Para ela, ensinar os alunos a “transgredir” as fronteiras raciais, sexuais e de classe a fim de alcançar o dom da liberdade é o objetivo mais importante do professor.

5. Design para um mundo complexo, citado na edição 97 e em muitas outras: Um livro curto, mas que levanta pontos essenciais pra disciplina, como a aceleração do mundo e a infinita produção de lixo. Bonus points por situar as discussões na realidade brasileira.

[Extra] Ficção que ajuda a pensar design:

6. Frankenstein, especificamente a edição da Penguin Companhia: esse é meu livro preferido da adolescência e já me fez pensar tanto sobre tecnologia, nossa responsabilidade com o mundo e até sobre amor e compaixão. Me inspirou a escrever o ensaio A responsabilidade de um criador.

7. Piano Mecânico: uma distopia escrita em 1952 assustadoramente atual. Não apenas pela violência e pobreza relatada, mas pela perda de sentido da vida quando tudo o que todo mundo faz é orientado pelo lucro em detrimento do prazer. Me inspirou a escrever o ensaio Redescobrir a mão humana.

Meu set up: periféricos e acessórios

O principal objetivo do meu set up é a mobilidade. Tenho um notebook de 13” e completo com alguns acessórios que não vivo sem. Não sou uma resenhista de produtos tech, certo? Só estou compartilhando os produtos que uso para trabalhar no hele studio hoje. A maioria desses foi comprada entre 2020 e 2021, me atendem super bem e seguem ótimos até hoje.

1. Teclado sem fio Logitech Pebble Keys 2 K380s: Fácil de carregar por aí e durável (tenho há uns 4 anos e nunca deu problema nenhum). Dá pra conectar em mais de um dispositivo ao mesmo tempo e alternar entre eles, o que era super útil pra mim quando eu usava com o notebook e um tablet. O meu é o roxinho com verde <3

2. Mouse sem fio Logitech MX Anywhere 3: Literalmente só acabou a bateria uma vez sendo que eu comprei em 2021!! Já derrubei no chão algumas vezes e não deu nada, acho bem resistente. Muito confortável e achei um grande upgrade em relação ao Pebble que eu tinha antes. O meu é o rosa.

3. Masss, apesar de amar o MX Anywhere, ele é meio salgado, e o Mouse sem fio Logitech Pebble 2 M350s custa ⅕ do valor e me atendeu bem por um ano -- até o meu pai ficar sem mouse e pegar pra ele. Ele usa até hoje, mesmo sendo rosa, então acho que ele curtiu. No início a pegada é esquisita, mas depois que acostuma acho bem confortável.

4. Suporte para Notebook Dobrável: pra ajustar a altura da tela em relação aos olhos (e evitar dores!!), gosto desse porque é dobrável e cabe em qualquer bolsa. Não é mega resistente, mas é tão baratinho que não me incomoda.

5. Luminária de LED portátil recarregável: Uso na minha mesa, que tem pouco espaço, e a possibilidade de usar ela suspensa logo acima da mesa me salva muito! Além de usar pra trabalho, como ela tem diferentes configurações de temperatura e intensidade da luz, também uso pra ambientar o quarto de noite.. Aquela luzinha quente baixa perfeita pra acompanhar leituras. Um contra é que a bateria dura pouco. Mas também gente, custa 30 reais kkk

6. Para desenhar, uso a Mesa digitalizadora Huion HS611, mas hoje em dia compraria uma Huion Inspiroy H950P. O preço é bem mais em conta e, apesar de ela ser mais compacta, tem as mesmas especificações técnicas de sensibilidade e pressão da caneta.

7. [Extra] Capa para laptop acolchoada com zíper UGREEN: Como estou sempre pra lá e pra cá, essa capa meio que mudou minha vida. Além de ser super gentil com o meu notebook, ela é espaçosa e acomoda bem o carregador e outros acessórios que preciso carregar junto. Resistente a água e macia por dentro <3

Papelaria & materiais de arte

1. Meu caderno atual para anotações, desenhos e qualquer outra coisa é um da Schizzibooks. Uma marca brasileira de cadernos artesanais de ótima qualidade e capas lindas!! Ganhei de aniversário de amigas designers hehe.

2. E a caneta babadeira do momento é a Uniball Zento Lavender. 0.7mm, tinta gel resistente a água e uma escrita super macia. Se você for meio doido, vale a pena investir no kit.

3. Mini paleta de aquarela para carregar por aí: Super fácil de usar, é só encher com alguma aquarela em bisnaga. O fecho de imã é ótimo. Eu preencho a minha com

4. Aquarela Pentel 24 cores: Pigmentação ótima, cores lindas (incluindo um rosa e um laranja bem brilhantes, quase neon) e durabilidade insana. Ganhei quando era adolescente e só agora algumas cores estão acabando. A bisnaga ajuda demais a colocar a tinta na mini paleta.

5. Pra fechar o kit de aquarela pra viagem, uso o Pincel Aquash Brush com reservatório de água da Pentel.

6. Na edição 101 falei da minha obsessão por uma técnica nova pra mim, a gravura. Comecei com um kit de gravura da Speedball que ganhei de presente e acho meio caro; mas encontrei a versão mais simples dele, sem o rolinho e a tinta. A Speedball é uma marca muito forte na área e eu amo minhas ferramentas. Já usei outras goivas em cursos, mas prefiro as da Speedball mesmo.

ei, espero que a lista tenha sido útil! obrigada por ler até aqui, e sugestões de outros itens são bem vindas nos comentários <3 na próxima edição voltamos ao formato normal da makers, viu? essa edição contém links de afiliado, o que significa que eu ganho uma pequena comissão caso você compre alguma coisa, sem que você pague nada a mais por isso. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa lista também :)

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oie! seja bem-vinde a mais uma edição da makers :) eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. se você me segue no instagram ou no titkok deve saber que meu novo livro-agenda, o hands on, está em pré-venda. é um caderninho com 52 atividades criativas para fazer em 2026, uma por semana. vocês sempre pedem para ver mais bastidores e, como eu fiz com o Glifo, nessa edição venho compartilhar o processo criativo e produtivo desse lançamento, da ideia até a produção. vamos?

a ideia

O hands on só surgiu porque eu desisti de outro projeto. Em janeiro desse ano, me propus a criar uma letra por semana em um projeto pessoal que chamei de heleletters. Meu objetivo principal era me divertir e me manter criativa ao longo do ano, mas a vida aconteceu, eu assumi novas responsabilidades e acabei pausando o projeto. Quero retomá-lo, mas não ainda.

Eu trabalho com criatividade, tanto no hele studio criando marcas e seus desdobramentos quanto na hele press, onde atendo livros e impressos próprios ou de clientes. Apesar de amar isso, sinto falta de criar sem o compromisso e a pressão da performance comercial. Mesmo quando estou criando um print autoral, se pretendo ganhar dinheiro com ele, preciso pensar no que agrada o público. “Público” não é uma massa uniforme, e acredito que meu público e eu temos muito em comum; ainda sim, há uma certa pressão, já que envolve investimento de tempo e de dinheiro.

Voltando a janeiro, foi com isso em mente que idealizei o heleletters. Eu sabia que gostaria de criar algo novo a cada semana, peças independentes entre si, e que precisava saber o que ia criar de antemão. Decidir na hora é espontâneo e pode ser legal, mas se você já toma 28729 decisões por semana, não quer decidir como relaxar. E mesmo assim… não consegui concluir o projeto. Mesmo com técnicas diferentes, só o fato de ser o mesmo projeto foi o suficiente pra me desempolgar conforme o tempo passava. Não vou minimizar o que consegui fazer: por 16 semanas, cumpri meu combinado comigo mesma, e isso já é muita coisa! Só que uma vez que desisti do heleletters, fiquei batendo cabeça sobre o que fazer quando queria ser criativa só por ser.

Assim surgiu a ideia — ainda só uma ideia — para o hands on: uma lista de muitas atividades criativas, um banco tal qual o catálogo da Netflix, disponível para que eu apenas escolha entre as opções.

criando (e incorporando) os exercícios

Comecei com um brainstorm de todas as coisas que pareciam divertidas de fazer: desenhar um desenho gigante, modelar meu gato em cerâmica fria, criar uma bandeira para o meu quarto, registrar conversas de estranhos em locais públicos… Fui anotando tudo.

Depois, como não sei fazer nada sem dar uma olhada na minha biblioteca, reli alguns livros de exercícios criativos que eu gosto: Aprender de Coração, da Corita Kent; Exercícios de Observação, de Nicolas Nova; Como escrever histórias, da Ursula Le Guin; e até o Caminho do Artista, da Julia Cameron (que por mais que seja muito tilelê, tem lá seus bons exercícios).

Também fiz uma pesquisa nas redes sociais pra encontrar exercícios que eu não pensaria de cara em fazer. Técnicas nas quais não costumo me aventurar, como o bordado, o stencil e até alguns tipos de colagem.

a escolha do formato

Com uma grande lista em mãos, eu queria um sistema; porque todo mundo sabe que escolher o que assistir na Netflix é a parte mais difícil. Além de uma lista, eu precisava de algum indicador de quando fazer o quê.

A primeira forma de sistematização que pensei foi por nível de desafio e dedicação necessária. Criar uma coisa mirabolante por semana é impensável, então fui relendo os exercícios e separando em três categorias: pá pum, pros mais fáceis e que levariam menos de 2h; dia dedicado, para aqueles que merecem ser feitos num dia de folga; e take your time, para exercícios mais demorados ou que demandam algum tipo de planejamento, como sair de casa.

Percebi que algumas atividades combinavam mais com certas épocas do ano, e foi aí que tive a ideia do formato: uma agenda semanal para 2026. A partir dessa decisão, fui distribuindo os exercícios mês a mês, alternando os níveis de dedicação e mesclando técnicas diferentes.

Quanto ao formato físico, me ative aos aspectos práticos: teria que ser fácil de manter aberto, então escolhi a encadernação espiral; relativamente pequeno, para caber em bolsas e me acompanhar por aí, então optei pelo formato A6; e resistente, já que o livrinho vai ser muito transportado e manuseado, e isso me fez escolher a encadernação em capa dura.

decisões de design

O visual do hands on foi surgindo conforme eu expandia a ideia do projeto, de forma muito espontânea; mas mesmo assim vou destacar duas decisões que eu gosto bastante. A primeira foi sobre a tipografia e lettering: não dava pra escrever cada instrução a mão, mas desenhei as letras pros textos de destaque ou que se repetiam; o título do livro, o nome de cada mês, as técnicas empregadas nas atividades… adoro incorporar elementos manuais e analógicos quando a proposta permite.

A segunda foi incluir recortes de obras de arte em domínio público nas divisórias de cada mês. Assim como nos exercícios, quis que essas imagens representassem diferentes técnicas criativas e pudessem inspirar o leitor/criador.

colocar um projeto no mundo

Hoje em dia, com máquinas de impressão digital e gráficas rápidas, é perfeitamente possível pensar num projeto como o hands on e imprimir uma unidade pra uso pessoal. Na verdade, eu fiz isso pra ter o protótipo; ele custou cerca de 150 reais, o que não é barato e nem >comercialmente< viável, mas é um preço ok pra pagar em algo tão personalizado.

Mas uma parte da satisfação pessoal que vem de criar só existe porque é possível compartilhar o que criamos. Compartilhar não significa mostrar ou exibir; também é dividir algo, trocar ideia, comparar experiências, e eu amo fazer isso. Conforme eu contava sobre o hands on para amigas, elas expressavam o quanto também gostariam de ter uma agenda criativa, e fui me animando com a ideia de produzir mais unidades. Graças aos que compraram o hands on até agora, o projeto é oficialmente financeiramente viável e ainda há algumas unidades disponíveis pra quem quiser acompanhar a gente nessa trilha criativa em 2026. Fica o convite ;)

ufa, obrigada por ler até aqui! amanhã vou enviar uma edição extra da newsletter, um gift guide. espero que vocês gostem! ela seria o envio de hoje, mas recebi algumas mensagens perguntando se ia falar do hands on, então decidi abrir o jogo logo, hehe. como sempre, fique a vontade pra comentar ou responder esse e-mail se tiver alguma dúvida ou sugestão. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

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oie! seja bem-vinde a mais uma edição da makers :) eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia; mas nem sempre eu me apresentei dessa forma. a primeira edição da makers em que me autodenominei “artista” foi a edição 86, sobre junk journals, que saiu em abril desse ano. é outubro, mês das crianças e também do meu aniversário, e me peguei pensando sobre os caminhos que escolhemos e os caminhos que nos escolhem com o passar dos anos. assim nasceu essa edição. vamos? :)

No mês de outubro é comum que pessoas troquem suas fotos de perfil em redes sociais por fotos de quando eram crianças, ou postem fotos antigas no dia 12. Convivo com uma quantidade considerável de profissionais criativos: designers, publicitários, redatores, videomakers... Mas são poucos os que se autodenominam artistas. E no dia 12 o meu feed do instagram estava repleto de fotos escaneadas de crianças brincando e fazendo arte: pintando, rabiscando paredes, com as mãos cheias de tinta, você consegue imaginar as cenas. And it led me to wonder [favor ler na voz da Carrie]: quantas dessas crianças artísticas se mantiveram artistas na vida adulta?

Alguns autores dizem que toda criança é artista e, de forma análoga, artistas são sempre meio criança; no Caminho do Artista, de Julia Cameron, a palavra “criança” aparece 105 vezes; isso é meio que uma vez a cada três páginas. Ela escreve que “nosso artista criativo é uma criança interior, propensa a um pensamento infantil”, e cita Pablo Picasso, que teria dito que “toda criança é um artista. O problema é o como manter-se artista depois de crescido”.

Eu não sei se toda criança é artista, mas talvez porque a alfabetização demora um pouquinho a chegar nós acabamos usando os desenhos como forma de autoexpressão (não sei as crianças de hoje, mas quando eu era pequena era assim). Justamente porque o desenho é uma representação, é comum que as pessoas passem a desenhar menos figuras depois de aprender a desenhar letras e palavras. Eu também senti uma mudança institucional através da escola: nos primeiros anos sabendo escrever, nas aulas de português as instruções eram pra criar narrativas; já nos últimos anos da escola, a ficção só aparecia nos clássicos analisados pro vestibular. Não se produz mais narrativas, só, hã, textos dissertativos-argumentativos-

Assim como eu não consigo dizer exatamente o momento em que cresci, eu não consigo identificar, nas minhas memórias, o momento em que deixei de ser essa artista que eu era quando criança. Ao terminar a escola e me ver diante da tarefa de “escolher uma carreira”, artista não era nem uma opção na lista. Considerei áreas adjacentes: jornalismo, design, mas não arte, arte não era um trabalho, era uma diversão, uma brincadeira. E aqui estou eu, aos 26 anos, completando no meu primeiro ano como artista de profissão, uma pessoa que paga as próprias contas com o dinheiro que recebe por sua arte. Eu poderia ter cortado caminho e começado muitos anos antes se não tivesse parecido … bom, impossível.

Neguei a possibilidade da arte como um trabalho por muito tempo por alguns motivos. Primeiro, o mito do artista morto de fome. “Ah, porque o Van Gogh morreu pobre”, ou pior, a ideia de que se você faz algo que ama ou algo considerado nobre (e aqui, ensinar anda perto de criar) a satisfação pessoal deve ser pagamento suficiente pelo trabalho.

Segundo porque eu achava que não conhecia nenhum artista em quem eu pudesse me inspirar. Na verdade, eu estava cercada de mulheres artistas-artesãs, mas estava contaminada pela figura do artista como um gênio solitário, provavelmente um homem branco muito rico; e não pintoras, costureiras, crocheteiras. Aliás, esse modelo de sucesso artístico masculino, branco e que ganha muito dinheiro contaminou minha percepção do que é arte por algum tempo. As mulheres artesãs que eu conhecia, que vendiam sua produção ou davam aulas de artesanato, não se encaixavam nesse ideal de sucesso; minha medida era a régua do artista-gênio, então viver de sua produção ou complementar a renda de casa não era o suficiente. Só adulta eu descobri que ser independente financeiramente está cada vez mais desafiador para todas as profissões por conta da precarização geral do trabalho, e viver da própria arte, mesmo sem luxos, é sim muito impressionante. Mas eu achava isso pouco, e não estava ciente de que a baixa remuneração estava atrelada a outros fatores maiores do que o próprio fazer artístico, como a marginalização e a desvalorização estrutural das práticas manuais desenvolvidas por mulheres.

Por fim, eu acho que só não me parecia trabalho de verdade se era algo que eu fazia desde criança. Tentei o jornalismo, não quis seguir na área e migrei pro design. Mas enquanto colegas queriam fazer coisas baseadas em pesquisa com usuários, mega tecnológicas e com potencial de enriquecer ainda mais as big techs, eu me interessava mais pelas obras experimentais, pela impressão, pela incorporação de práticas manuais… Eu sentia falta de fazer arte; acho que até de brincar.

Foi em outubro do ano passado que eu decidi, pela primeira vez, incorporar técnicas de arte analógicas no meu processo de design. Eu estava trabalhando no Glifo por Glifo e decidi usar colagem, pintura, carimbos e outras técnicas mistas para criar a matriz do livro. Esse projeto me reconectou com o prazer na criação artística e pasme — foi financeiramente viável. Eu estava explorando, estava fazendo coisas que gostava e entendi que isso podia ser meu trabalho em algum nível.

Em 2025 me propus a explorar esse lado mais artístico e, desde que decidi abrir meu estúdio de design, é a minha produção autoral que tem completado os meses em que entram poucos trabalhos como freela. Eu já produzia zines autorais desde 2022, e as pessoas se interessavam por elas; então nesse ano decidi participar de feiras de arte impressa como expositora. Foi um ótimo desafio, porque me obrigou a diversificar um pouco minha produção: criar postcards, posters, orquestrar um mix de coisas bonitas e coisas profundas. Assim eu não só redescobri minha paixão pela arte como descobri uma nova gama de desafios que envolve vender a própria arte mas, apesar de difícil, é algo fazível.

Tem sido um caminho novo pra mim. Como eu disse, só me assumi artista remunerada esse ano. Mas tenho descoberto muito sobre mim mesma e sobre o mercado criativo, que não é esse dos gênios-torturados-solitários. Descobri que trabalhar com arte não tem nada de “independente”, como disse o Daniel Bicho na mesa redonda em que participamos no SAID no início do mês. É uma intrincada rede de pessoas: artistas, gráficas, feiras, fornecedores, clientes, parceiros, todos dependendo ao menos um pouco um do outro. Se você for legal, a maioria está aberta a trocar ideia, inclusive sobre dinheiro e valores cobrados por trabalho (o que eu já percebi que é uma das maiores dificuldades de quem está começando).

É claro que cada pessoa vai enfrentar desafios diferentes, desde o acesso a materiais e eventos até uma possível resistência familiar (meus pais, felizmente, se importam muito pouco com o que eu faço desde que não seja crime). Sei que existem milhões de motivos para escolher profissões mais “sérias”, inclusive a afinidade. Mas eu demorei tanto pra escolher trabalhar com arte porque simplesmente não sabia que podia, e isso é covardia. Se eu pudesse contar algo pra hele criança eu contaria esse grande segredo que esconderam dela: arte é um trabalho possível.

ufa, obrigada por ler até aqui, você sobreviveu ao texto mais tilelê que já escrevi. como todo texto dessa newsletter, essa edição não tem a intenção de dar conta da totalidade dessa questão. ainda mais se tratando de mercado de trabalho, que é algo que muda muito rápido às vezes. mas acho que quem ler com atenção vai entender meu ponto: eu gostaria que ser artista fosse um sonho tão válido quanto ser médico ou advogado, sem que a gente precise entrar pras estatísticas de artistas-gênio, um em um milhão e tudo o mais. como sempre, fique a vontade para responder esse e-mail ou deixar um comentário me contando. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

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oie! seja bem-vinde a mais uma edição da makers :) eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. no finalzinho de setembro recebi o pacote de fotos que contratei pro meu portfólio no hele studio. no mesmo dia, abri o linkedin (eu sei, eu estou no erro) e vi uma pessoa ensinando a “criar uma foto de perfil profissional e que parece muiiitooo real” usando algumas ferramentas de IAgen. diante de uma dualidade — entre minha felicidade com fotos de verdade e pessoas criando fotos de si mesmas de mentira — nasceu a edição de hoje. vamos?

Podemos discutir por quanto tempo for, a conclusão sempre será a mesma — a realidade é imperfeita. Me refiro à realidade material mesmo: o dinheiro, o corpo, os espaços, as inviabilidades e as ausências. Talvez meu salário não seja ruim e eu não passe três horas por dia no transporte público, mas salários e transporte público ruins são parte da realidade material em que eu vivo, tornando-a imperfeita, ainda que minha vida, individualmente, esteja confortável. A vida material, refletindo (e sendo refletida por) todo tipo de estrutura sociocultural, é um constante lembrete de tudo o que está errado. Estamos presos no mundo sensível de Platão1, composto de objetos que são apenas simulacros imperfeitos e transitórios de ideias perfeitas.

Designer e criativos amam a ficção. Projetar, por si só, exige a ficção: precisamos imaginar um mundo diferente do que é, um mundo em que uma nova obra existe; isso tudo antes que ela exista, é claro. Sendo a realidade tão falha, e sendo eu alguém cujo trabalho e sobrevivência dependem da imaginação, é de se imaginar que eu prefira a ficção à realidade. Mas não é isso. Não, eu tenho um grande apreço pelo real. Eu preciso da realidade para amar a ficção. Eu preciso de tudo aquilo que não é para imaginar o que pode um dia ser.

O que me leva a um problema pequeno, mas concreto: pessoas representando a si mesmas com ferramentas generativas de inteligência artificial. Eu achava que era uma prática restrita ao umbral, digo, ao LinkedIn — mas também vi acontecer no Instagram e principalmente no TikTok. São pessoas “arrumando” fotografias de seus casamentos, viagens, e principalmente gerando retratos de si mesmas em roupas e ambientes chiques ou profissionais, de escritório. Tenho muitas perguntas: mesmo se as fotos do seu casamento não saíram como você gostaria, está tudo em pra você abrir mão das lembranças desse dia em troca de uma imagem artificial? Sobre as fotos profissionais, se você não tem essas roupas, se não está nesse ambiente, qual é o objetivo de se representar dessa forma? Que crenças sobre sucesso essa prática reforça? Dentre esses exemplos, a maioria de quem faz isso são pessoas jovens, talvez com menos acesso a recursos — mas quais são as consequências de mascarar essa falta?

Esse ano eu contratei a Sara Monteiro, que já tinha feito fotos dos meus trabalhos impressos, para fazer um ensaio profissional. Eu estava abrindo o hele studio e queria ter imagens que representassem o meu trabalho. Pra mim, as fotos que tiramos só tem valor (na função de representar o meu trabalho e minha identidade profissional) porque elas me mostram trabalhando. Eu realmente montei e costurei livros e zines enquanto ela fotografava, e depois esse material foi adicionado ao meu estoque de produtos como qualquer outro. Ela me fotografou no lugar em que trabalho todos os dias, usando as ferramentas e roupas que uso todos os dias.

Qualquer um pode argumentar que fotografias são tão passíveis de adulteração quanto uma imagem gerada artificialmente. Afinal, qualquer um pode alugar um espaço, roupas e objetos de luxo, “fabricar” uma realidade; é uma prática comum entre coachs na internet. Além disso, toda foto já é mediada por ângulo, luz, edição, enquadramento, etc. Mas eu consigo reclamar sobre várias coisas ao mesmo tempo. Também me incomodo com essa prática de fotografia de uma realidade inventada — a questão é que com IA isso está ainda mais acessível e, portanto, mais frequente. Pode levar a distorções de imagem seríssimas, se ver representado de maneira perfeita e saber que não é verdade. Ou pior: e se deixarmos de querer um ambiente de trabalho agradável, roupas que nos fazem sentir bem, etc — só porque não “precisamos” mais delas pra fotografar e mostrar na internet? Essa prática reforça uma padronização da imagem do que é sucesso ao invés de resistir a ela frente a sua inacessibilidade.

A discussão que estou propondo não é sobre fotografia, ensaios, sobre “se montar” — essas coisas não são problema. A questão é: se você tem o objetivo de representar a si mesmo, se quer encontrar pessoas alinhadas com as suas ideias, por que negar a realidade? Que expectativas de performance estamos colocando sobre nós mesmos?

Por mais que algumas pessoas sejam mais ligadas à própria aparência do que outras, há coisas materiais que escolhemos para nos representar: nosso corte de cabelo, as roupas que usamos, o que mantemos sobre nossa mesa de trabalho, os livros nas estantes, a arte nas paredes. Essa realidade material já existe. Pode haver uma dissonância, sim, entre como gostaríamos de ser e como somos — sempre há, voltamos ao mundo das ideias perfeito e o mundo sensível imperfeito. Mas algo há de ser verdadeiro, e eu quero amar o mundo e as pessoas pelo que elas são e por seus desejos de ser.

O mesmo que escrevo agora sobre retratos feitos por IA é como me sinto há muitos anos sobre mockups no design. Mockups são peças digitais que nos ajudam a visualizar um projeto em sua materialidade. Quando começamos a projetar um livro ou revista, por exemplo, pode ser bom fazer mockups digitais, mas nada deveria ofuscar o produto pronto; e se seu mockup é mais bonito do que o seu produto final, ou você tem ajustes a fazer no seu projeto ou você está se preocupando com as coisas erradas. Um mockup é só uma ideia; o produto material é a sua verdadeira responsabilidade. Ele não precisa ser perfeito, mas precisa ser satisfatório. Se seu trabalho exige uma dimensão física e só funciona no digital, então é preciso se dedicar a melhorar o aspecto material, e isso só se faz… bem, conhecendo a realidade material, os substratos, as tintas, os revestimentos, etc. E aí vem outra questão: tantos designers são desconectados do mundo material. Acostumados com tudo na tela, não sabem a diferença entre os papeis, não sabem que certas cores simplesmente não existem em materiais impressos. Mas esse tema daria uma outra edição.

Como afirmei no início, eu sou uma pessoa que ama a ficção. Posso passar semanas idealizando um novo impresso, mas ele só tem valor quando eu o materializo; não porque é físico em si, mas porque para chegar ao físico precisei fazer escolhas: de papel, de indústria, eu precisei testar acabamentos, calcular custos e no fim eu consegui: algo viável e que existe. Nunca é igual a primeira versão idealizada, a ideia. É imperfeito e mesmo assim é melhor porque existe. Um objeto material existe porque há mais de uma forma de fazer as coisas e assim, se a primeira não funciona, eu tento uma outra; e tento até materializar o objeto final, porque sua versão final imperfeita vale muito mais do que sua versão digital-imaginada que não existe, não pode ser tocada, não pode ser enviada pelos correios, não pode ser amassada. Eu preciso desse objeto, eu preciso amá-lo como é pra pensar em melhorá-lo também.

Eu nunca fui uma fã de fotografia, não é uma mídia que acompanho com frequência. Conheço poucos fotógrafos, e nunca me arrisquei muito em fotografar nada, nem como hobby. Mas essas reflexões me fazem apreciar cada vez mais o trabalho de fotógrafos, e me dá mais vontade de apoiá-los e contratá-los. Considero os gastos com fotografia como um gasto recorrente do hele studio porque quero que as pessoas conheçam o meu trabalho de uma forma que esteja alinhada ao meu jeito de ser, de ver o mundo e de criar. E nesse ponto recorro ao registro fotográfico, uma forma de representação que considero capaz de captar meu apreço pela realidade.

obrigada por ler até aqui. o que você acha sobre esse tema? muito espinhoso? fique a vontade para responder esse e-mail ou deixar um comentário me contando. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

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oie! seja bem-vinde a mais uma edição da makers :) eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. estou de volta depois de um pequeno hiato por conta das minhas férias e decidi escrever sobre algo levemente pessoal, mas que sei que incomoda muita gente: nossa relação com as redes sociais. eu fiz um detox por duas semanas, o mais longo que já consegui, e depois dele me peguei pensando de forma mais complexa sobre o assunto. vamos?

Fiz um detox de redes sociais por 15 dias e agora não sei como voltar pra elas

Fiz uma trilha de uns 315 km. A ideia dessa empreitada é sair de uma cidade até a outra, passando por vários lugares, a maior parte deles bem deserto. Acordar cedo, caminhar algo entre 25 e 35 quilômetros, parar em alguma pousada e descansar pra continuar no dia seguinte. Durante esse período escolhi ficar longe das redes sociais (inclusive o Substack), e no tempo que não estava caminhando no meio do mato ou subindo mil metros de altitude eu ficava conversando com animaizinhos, conhecendo pessoas novas e lendo. É tão gostoso quanto parece.

Tão gostoso que, quando voltei das minhas férias e as obrigações profissionais exigiram que eu checasse e-mails, respondesse mensagens e compartilhasse posts, eu me senti derrotada. Não só porque eu não estava mais vendo graça naquilo, mas porque eu sabia que, assim que eu voltasse pra esses aplicativos, cairia outra vez no uso excessivo. É um pouco culpa minha, por ser meio desmiolada, mas não só: redes sociais são projetadas para serem viciantes.

Uma amiga uma vez disse que “algumas multiplicações nunca devem ser feitas” — eu definitivamente não quero estimar quantas horas (ou meses, será que chega a um ano?) eu gastei no finado tumblr, no twitter, no instagram… Lido com o uso excessivo de redes sociais desde a adolescência.

No ano passado, justamente pensando na minha relação com o meu celular, eu li Nação Dopamina, da psiquiatra Dra. Anna Lembke. O livro discorre sobre o prazer e o sofrimento causados por estímulos de “alta recompensa”, desde os mais estigmatizados, como drogas e álcool, até os mais cotidianos, como compras ou redes sociais. É uma leitura de aeroporto, que simplifica conceitos de neurociência com metáforas e anedotas sobre pacientes viciados; mas pra mim, que não entendo tanto de hormônios e reações químicas cerebrais, foi uma boa introdução aos processos fisiológicos envolvidos na nossa relação com celulares e a internet. O que mais me chamou a atenção foi o ponto que Anna levanta no capítulo Jejum de Dopamina:

“Uma conversa constante no campo da medicina de dependência é se as pessoas que usaram droga de maneira adictiva podem se acostumar a um uso moderado e sem risco. (…) Mesmo quando a moderação é possível, muitos dos meus pacientes relatam que é exaustivo demais continuar e acabam optando pela abstinência por um longo tempo.

Mas e os pacientes dependentes de comida? Ou de smartphones? Drogas que não podem ser totalmente largadas? A questão de como moderar está se tornando cada vez mais importante na vida de hoje, por causa da absoluta onipresença de bens de alta dopamina, tornando-nos todos mais vulneráveis a um hiperconsumo compulsivo, mesmo quando não correspondemos aos critérios clínicos para dependência.”

Bom, aí está o meu problema: eu consigo ficar longe das redes sociais por algum tempo, desde que eu pare completamente. Mas assim que o meu detox oficial acaba e eu volto a usar as redes, é difícil fazer isso com moderação. Me pego escolhendo um tiktok longo para assistir enquanto escovo os dentes. Será que o problema sou eu?

Eu preciso estar aqui?

Em Terra arrasada: Além da era digital, rumo a um mundo pós-capitalista, Johnatan Crary vai contra a ideia de que as redes sociais (e smart-coisas, e tecnologias adjacentes) são imprescindíveis. Elas estão por toda parte: WhatsApp pra marcar uma consulta médica, Instagram pra consultar o cardápio de um restaurante, iPads em salas de aula… Para o autor, isso não acontece por acaso. Ele escreve que

“Desde o começo, o acesso de um público global à internet sempre esteve ligado à captura do tempo, ao desempoderamento e à conectividade despersonalizada. (…) Para as corporações transnacionais, o acesso universal à internet permitia remodelar tanto o trabalho como o consumo, convertidos agora em ocupações 24/7 liberadas das restrições de tempo ou de lugar. Isso também criou possibilidades amplas e inter-relacionadas de monitoramento e de interpelação de qualquer pessoa que esteja conectada, além da simultânea intensificação da privatização social.”

Por isso, os mais convictos de que essas tecnologias são “impossíveis de evitar” são aqueles que se beneficiam de manter o mundo como está (oh boy) e, portanto, “formas de recusa radical, e não de adaptação e resignação, são não apenas possíveis como necessárias”.

Nação Dopamina deixa bem claro que a abstinência completa — uma recusa radical — pode ser o melhor caminho para alguém lidando com excessos. É certamente o melhor caminho pra mim, mas alguns dias isso não parece sequer uma possibilidade. Eu vejo o ponto de Crary sobre a recusa radical e na verdade eu concordo. Concordo que essas corporações me querem navegando por seus domínios pra que eu veja mais anúncios, pra que eu acredite que ao repostar algo eu estou me expressando politicamente e portanto não preciso fazer mais nada, e pra que eu me importe cada vez menos não só com a sociedade num geral mas com meus amigos e família e colegas de trabalho. Racionalmente eu sei. E ao mesmo tempo eu sou uma designer e artista freelancer, com projetos editoriais independentes pra produzir e financiar, e eu ainda não encontrei uma forma de viabilizar meu trabalho que não passe pelas redes sociais. Me esforço para ir a lojas e livrarias, participar de feiras de arte impressa, de eventos universitários sobre design, mas eles não acontecem com a frequência necessária.

Enquanto lia Terra arrasada, pensei bastante sobre isso. Se vou usar a internet para trabalho, ok: então vou acessar só pelo meu notebook, em horário comercial. Certo? Não, porque é terrível usar 90% das redes sociais pelo notebook. Eles fazem de propósito pra você baixar e manter os aplicativos no seu celular, que é móvel e está com você mesmo quando você sai de casa. Então, apenas dois minutos depois de postar o link para a pré-venda do meu novo livro ou compartilhar nos stories do Instagram que vou participar do Said da Ufrj no início de outubro… lá estou eu vendo publicações de pessoas que não me lembro de seguir. Porque eu não sigo. O Instagram deliberadamente mostra posts de perfis que eu nem sigo— o cenário está claro, eu acho.

Uma outra armadilha de design é que as redes te trancam pra fora se você não tiver uma conta ou não baixar o aplicativo deles. Durante várias das minhas tentativas de ficar sóbria, em que desloguei das contas ou apaguei os apps, não conseguia ver nada que era compartilhado comigo. A frustração que isso causa é, mais uma vez, proposital.

Sinto que estou divagando, mas o que quero dizer é que se afastar das redes é uma briga difícil, não importa quantos argumentos racionais sejam colocados na mesa.

Existe um brainrot melhor que o outro?

Por muito tempo eu achei que podia “curar” ou “resolver” meu problema com as redes sociais, mas estou começando a aceitar que talvez não. Porque apesar de tudo isso, eu retomei o uso depois das férias. Faz sentido para o meu trabalho que eu fale sobre minha produção e os eventos de que participo. Tenho me vigiado com as boas práticas que todo texto sobre vício em redes sociais recomenda: não abrir os aplicativos procurando o que fazer, e sim quando souber o que precisa fazer, como mandar uma mensagem pra alguém ou postar/compartilhar uma informação específica; não usar as redes sociais como “descanso”; não usá-las enquanto faço outra atividade (cof cof escovar os dent—

Estou conseguindo manter meu tempo de tela tão baixo quanto estava na viagem: na média de 2 horas diárias. Se parece muito pra você, saiba que a média brasileira é de 5,4 horas/dia. Admito que isso só está acontecendo por conta dos livros que ando lendo; quando tenho 20 minutos entre uma tarefa e outra, ao invés de pegar o celular, pego meu kindle. O que eu acho muito bom, apesar de que em Nação Dopamina Anna Lembke fala repetidamente sobre sua compulsão por “romances baratos” (meu lance são suspenses baratos), e não consigo deixar de pensar: meu deus, então não posso fazer nada? Ela escreve:

“Tomei uma decisão consciente de voltar a mergulhar nos cuidados com os pacientes, focando nos aspectos do meu trabalho que sempre foram gratificantes. Fazendo isto, consegui largar a leitura compulsiva de romances baratos, para me voltar para uma carreira mais gratificante e significativa.”

Uma coisa meio desconfortável desse livro é que ele parece colocar no mesmo nível vício em drogas, em dispositivos eletrônicos e em… livros ruins. Me incomoda que ela associa essa gratificação a “ser útil” e melhor no trabalho, mas enfim, isso já seria uma outra edição de newsletter. Se ela fosse viciada em redes sociais, acharia os romances ótimos. Como eu disse, não é uma briga fácil, e eu não vou arrumar problema com tudo o que me diverte no dia a dia.

Brainrot é a palavra para conteúdos na internet considerados de baixa qualidade e seus efeitos psicológicos e cognitivos negativos nas pessoas. Talvez a literatura ruim1 se inclua nisso em algum nível. Mas sinto que estamos tão, tão fundo nessa deterioração que mesmo um pequeno passo é um passo. No momento eu sinto que qualquer coisa é melhor do que voltar a ter cinco horas de tela por dia.

Apesar de estar politicamente mais alinhada com as ideias de Crary, não consigo buscar uma pureza total. Trabalhar com criatividade de forma independente tem seus ônus. Na semana passada fechei um projeto de identidade visual com clientes que me encontraram através do TikTok, fazer o quê? Sigo tentando encontrar uma relação que me permita trabalhar, me divertir e ainda ter espaço para o silêncio e o ócio, mesmo que isso envolva aceitar uma forma de brainrot menos nociva na minha rotina pra equilibrar as coisas. Chego ao fim do meu detox (e dessa edição) com uma ideia nova pra mim: acho que minha compulsão não tem uma solução definitiva, e meu trabalho é seguir nesse rearranjo contínuo enquanto uma vida completamente alternativa não for possível.

ufa, obrigada por chegar até aqui. eu divaguei muito? acabei relendo bastante dos dois livros e ficava concordando e discordando de mim mesma. enfim, como é sua relação com as redes? já fez algum detox também? como foi voltar dele? fique a vontade para responder esse e-mail ou deixar um comentário me contando. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

Share makers gonna make

oie! seja bem-vinde a mais uma edição da makers :) eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. em setembro de 2023 eu fiz uma trilha de 100km e me propus a representar essa experiência em um conjunto de infográficos. na semana que vem vou começar uma trilha ainda maior, de 310km e com duração de duas semanas (inclusive, estarei offline durante esse tempo, então teremos uma breve pausa na makers). enquanto decido se vou refazer, além da trilha, o processo de coleta e visualização dos dados da nova viagem, decidi compartilhar os livros que mais gosto sobre o assunto e um pouquinho sobre como tomei as decisões pro meu projeto. vamos?

mas antes: está rolando a pré-venda de Armadilhas: Reflexões sobre Design e Automação, a minha primeira publicação coletiva. O livro conta com cinco ensaios e um poema de sete autoras que pesquisam e trabalham com design ou criatividade e refletem sobre IA, cada uma a partir de perspectivas próprias. Além da organização, eu assino o prefácio, a produção gráfica e o projeto gráfico.

Mais da metade dos exemplares já foi vendido, e não há previsão para uma segunda tiragem e nem para uma versão digital — então o momento de garantir a sua cópia é agora. Você encontra mais informações sobre o livro na página do Catarse ou na última edição da newsletter.

Garanta seu exemplar na pré-venda

📖 Uma história pra contar

“Storytelling” é a palavra da moda há algum tempo na internet; como se contar histórias não fosse a coisa mais primitiva da face da terra. Mas é difícil não concordar com a máxima do livro Storytelling com dados (2015), de Cole Nussbaumer Knaflic: se você quer ou precisa apresentar uma série de dados ou estatísticas para alguém, uma forma de tornar o processo menos entediante é entender a narrativa que esses dados criam, e apresentar uma história — e não apenas os dados em si.

Talvez você já tenha uma história, como era o meu caso: eu fiz a trilha. Podia só escrever sobre isso ou montar um álbum de fotos, mas eu já estava há um tempo esperando uma oportunidade legal, não-acadêmica e não-profissional para criar alguns gráficos. Mas talvez você esteja só olhando pra um monte de planilhas sem saber o que fazer. Nesse caso, vale a pena criar alguns gráficos para tentar justamente encontrar o que tem de curioso ali. Como a Cole diz no livro:

“(…) há uma distinção importante a fazer entre análise exploratória e explanatória. A análise exploratória é a que você faz para compreender os dados e descobrir o que pode ser digno de nota ou interessante a destacar para outras pessoas. Quando fazemos uma análise exploratória, é como procurar pérolas em ostras. Talvez precisemos abrir 100 ostras (testar 100 diferentes hipóteses ou examinar os dados de 100 diferentes maneiras) para encontrar, digamos, duas pérolas.

Quando estamos a ponto de comunicar nossa análise para nosso público, queremos estar no espaço explanatório, significando que você tem algo específico que deseja explicar, uma história específica que deseja contar — provavelmente sobre aquelas duas pérolas. Com muita frequência, as pessoas se enganam e pensam que podem mostrar uma análise exploratória (simplesmente apresentar os dados, todas as 100 ostras), quando deveriam mostrar a explanatória (dedicar tempo para transformar os dados em informações que possam ser consumidas por um público: as duas pérolas).”

Ok, mas e se não tiver um história? Honestamente, não tenho um conselho. Mas considere que se não há nada a dizer, talvez seja melhor não dizer nada mesmo — nem tudo precisa virar um gráfico.

📊 As boas práticas

Uma vez definida — ou encontrada — a sua história, podemos partir para a criação dos gráficos em si. Ainda no mesmo livro, Cole define algumas boas práticas gerais para a criação de gráficos que funcionam. E aqui “funcionar” quer dizer que eles transmitem informações claras e não confundem o público. Algumas delas são:

• Forneça contexto: use os títulos, legendas e pequenos textos de apoio para fornecer um contexto geral para o público.

• Foque no que importa: essa deveria ser mais óbvia, mas eu entendo porque não é. Na minha trilha eu coletei muiiitos dados, e isso deu trabalho. Aí dá vontade de expressar todos eles, mas a verdade é que alguns são mais e importantes para narrar a experiência do que outros. Destaque os elementos mais importantes com recursos visuais diversos (e às vezes combinados): cores, tamanhos, formatos.

• Elimine elementos desnecessários: esqueça grades e fios, ou torne-os os mais discretos possíveis. Não represente dados que não tem relevância para a história que o seu gráfico conta, mesmo que você os tenha coletado.

• Escolha um tipo de gráfico que valorize o que você está tentando dizer. Todo tipo de informação pode virar um gráfico de barras ou de pizza - mas será que essa é a melhor forma só porque é a mais simples de criar?

É no último ponto que nasce minha principal (e acho que única) ressalva com o livro. Storyelling com dados não é um livro escrito para designers e nem para profissionais criativos, e sim para profissionais de negócios que provavelmente falam com equipes e gestores de áreas predominantemente administrativas e burocráticas. Isso o torna uma ótima leitura para designers mesmo assim porque dá uma excelente perspectiva de como um público leigo em termos de design vai perceber suas visualizações; mas por outro lado, ele se apoia demais na simplicidade dos gráficos como um elemento chave — e coisas simples demais às vezes são só entediantes. Fica bem claro ao longo do livro a preferência de Cole por gráficos de linha: ela demonstra muito bem como há gráficos de linha brilhantes e outros muito ruins, porque no fim, qualquer tipo de gráfico pode ser melhorado (ou piorado, infelizmente). Mas eu me sentiria uma designer péssima se criasse oito gráficos de linha sobre minha trilha, mesmo que essa seja a visualização mais “amigável” para quem vai olhar pra eles.

Muitas vezes o discurso da facilitação subestima os espectadores; eu quero criar gráficos compreensíveis, mas eu quero acreditar na inteligência dos outros e criar coisas interessantes também. Em How charts lie (2019), Alberto Cairo, jornalista e designer de informação, escreve o seguinte:

“Muitos de nós aprendemos na escola que todos os gráficos devem ser dóceis, para que possam ser decodificados com um olhar rápido, mas isso não é realista. (…) Particularmente os que contém mensagens ricas e profundas podem demandar tempo e esforço, que vão compensar se o gráfico for bem projetado. Muitos gráficos não podem ser simples porque as histórias que eles contam não são simples.”

O desafio, então, é encontrar um equilíbrio entre histórias interessantes e a compreensão efetiva delas através da visualização de dados.

💡Buscando inspiração

Minha amiga Madu é apaixonada por visualização de dados e sempre fala disso (o que eu acho ótimo), daí um dia ela me contou sobre o trabalho da Giorgia Lupi, designer italiana que produz visualizações de dado incríveis. Ela e Stefanie Posavec, também designer de informação, se dedicaram por um ano ao projeto Dear Data.

Elas conduziram um experimento que consistia em observar as próprias ações e entornos, registrar o que acontecia e depois desenhar manualmente visualizações em cartões postais, enviados de uma para a outra ao fim da semana registrada.

Diferente de Cole Knaflic, elas guardaram a simplicidade no bolso para produzir visualizações experimentais, criativas e interessantes. Veja bem, não é uma questão de ser melhor ou pior: os objetivos são diferentes. Para Cole, o importante é passar uma mensagem para parceiros de negócio. Para Giorgia e Stefanie, o objetivo era testar, experimentar, inventar coisas novas. Eu fiquei fascinada e, quando tive a ideia de representar a trilha em gráficos, mostrei o livro com todos os cartões postais das duas pro meu pai e disse que certamente me inspiraria nelas. E ele me perguntou “mas você acha que é fácil pra uma pessoa entender esses gráficos?”

Alguns sim, outros não. Mas será que isso é a coisa mais importante? Eu não me interesso por nada só pela facilidade. Entendo que esse é um ponto controverso; mas como eu disse, eu não quero subestimar o meu público. Com as legendas, eu consegui entender cada gráfico do Dear Data; e o fato de eles não serem gráficos de linha ou barra em tons de cinza e azul certamente tornaram sua leitura muito mais divertida.

Mas eu também não sou nenhuma Giorgia Lupi ou Stefanie Posavec, e essa foi minha primeira vez criando gráficos mais complexos. Então tentei encontrar um meio termo entre as duas leituras, Storytelling com dados e Dear Data.

✍️ “Bastidores” do meu projeto

Durante meu processo criativo, segui alguns princípios do livro de Cole: tentei me livrar dos grids e desapegar da vontade absurda de usar todos dados coletados. Também me esforcei ao máximo para manter a consistência: eu não produzi um gráfico, mas oito. Como todos falavam de uma mesma experiência, alguns temas se repetiam ou se complementavam, e eu usei as cores para criar essa continuidade.

Ao mesmo tempo, me esforcei para pensar em um tipo de gráfico diferente para cada recorte representado. Alguns são mais conhecidos, um eu peguei emprestado do Dear Data e outros eu inventei da minha cabeça mesmo. Também fiz questão de usar várias cores onde fizesse sentido, e escolher cores coloridas — só porque eu gosto e o projeto é meu. Autoria é uma coisa incrível :)

Ao longo do processo, eu também me esforcei pra criar uma narrativa. Comecei com um gráfico sobre o que levamos nas mochilas — informações que tem um quê de preparação — depois o trajeto e o que (e quem) encontramos por lá.

Se você quiser conferir o resultado final dos oito gráficos, eu compartilhei eles no Behance. Depois de ter as visualizações prontas, eu as preparei para impressão, encadernei e montei um livrinho, porque é isso que eu amo fazer hehe.

Veja o projeto completo

obrigada por chegar até aqui! como esse foi um projeto que exigiu bastante bibliografia, achei que valia um edição. também achei que era uma boa oportunidade pra avisar que vou ficar off por duas semanas, então sem makers na caixa de entrada por um tempo. mas me conta, como é a sua relação com gráficos, lendo ou criando eles? fique a vontade para responder esse e-mail ou deixar um comentário me contando. se você gostou da edição, compartilhe com alguém que vai aproveitar essa leitura também :)

Share makers gonna make

oie! seja bem-vinde a mais uma edição da makers :) eu sou hele carmona, jornalista, designer e artista multimídia. nos últimos anos, publiquei alguns textos sobre IA: falei sobre a responsabilização das empresas envolvidas e das perdas para o trabalho criativo na Revista Recorte, além de sempre comentar sobre o tema aqui e ali. mas recentemente tenho visto os mesmos argumentos sendo repetidos exaustivamente, como se o debate estivesse desacelerando, quase parando. foi assim que surgiu essa edição. vamos?

“Usar ou não usar” IA não é a questão

Eu adoto uma posição crítica relacionada às Inteligências Artificiais Generativas, ou IAgen, e admito que isso é algo difícil de bancar na prática: já fui orientada expressamente por chefes e clientes a “testar” a “ajuda” das ferramentas e, sob a pressão dos prazos e a encheção de saco pra criar algo “inovador”, cedi algumas vezes. Nunca consegui um resultado satisfatório, nem pra mim e nem pra eles — porque a verdade é que clientes acham que o ChatGPT é muito mais capaz do que é. Só que mais importante do que a qualidade final dessa entrega é que, cada vez que cedo a essa pressão, participo de um modelo de produção “criativa” que transfere poder e recursos para empresas privadas, reforçando desigualdades e precarizando o trabalho.

Não é uma questão de culpa-artística-eu-sou-uma-impostora-se-fizer-isso, mas de coerência com o que venho estudando há alguns anos: a necessidade de ampliar e diversificar o debate sobre as IAgens para chegar em proposições realistas sobre a incorporação e regulamentação dessas ferramentas.

Quando leio textos publicados em redes sociais, do Instagram ao Substack, eles parecem girar em torno de dois argumentos principais — um a favor e outro contra o uso — e essa homogeneidade enfraquece o debate.

Argumentativamente falando, o principal ponto a favor é mais bem desenvolvido. Fabio Haag, tipógrafo bastante reconhecido, publicou um vídeo longuíssimo sobre como IAgens são uma ferramenta incompreendida no nosso tempo, tal qual o urinol de Duchamp. Independente do quão torto esse argumento seja, ele falou a palavra mágica que muitos querem ouvir: “democratização”. As pessoas querem ouvir que a barreira de entrada da criatividade está abaixando. O que é mais democrático do que pegar um lápis e desenhar, algo que até crianças que ainda não falam vêm fazendo desde sempre? Abrir um computador, gastar luz e internet e digitar um prompt numa plataforma privada e patenteada, aparentemente (de preferência em inglês ✨). Também me aventurei no tenebroso curso de IAgen para designers do Marcelo Kimura e do Ruan Braz, o Nexus. Ainda não consegui chegar ao fim, porque é meio torturante, mas eles falam demais sobre essa tal democratização. Claro, sem nunca mencionar que todas as “infinitas” possibilidades existem apenas dentro de fronteiras definidas por grandes empresas de tecnologia — que podem mudar ou desaparecer a qualquer momento, de acordo com interesses comerciais.

Já o principal argumento contra que eu vejo pode ser facilmente convertido em um argumento a favor, já que se baseia no fato de que o uso das IAgens isoladamente não sustenta um projeto ou profissional criativo, e que o fator humano sempre vai ser indispensável: seja para operar a IAgen, pra separar o joio do trigo nos resultados ou para ter alguma ideia brilhante ali no meio. Não está errado reconhecer isso, mas também não dá pra parar a discussão por aí. Com esse foco limitado, o discurso acaba caindo no limbo instrumentalista do “é só uma ferramenta e o que importa é como você usa, assim como o Photoshop, o computador pessoal e…”, ai, chega, por favor. Enquanto o fator humano é essencial ao ato criativo, esse discurso é um caminho fácil que protege emocionalmente a sociedade de encarar problemas muito mais objetivos e graves: precarização do trabalho, reforço de ideais imperialistas, racismo, roubo de propriedade intelectual e até pura e simples preguiça — esse último parece muito menos importante, mas nesse estágio do capitalismo, as pessoas vão longe pra provar que estão sim, se esforçando muito.

Pensar coletivamente é um caminho possível

O que percebi nos últimos meses é que a moralização e culpabilização individual do uso de IA não vai muito longe. Um dia alguém falou que não há consumo ético sob o capitalismo e aparentemente nós decidimos que isso queria dizer foda-se a ética como um todo, faça o que for preciso pra sobreviver e manter seu emprego. Não culpo ninguém por pensar assim, mesmo porque não existe uma solução individual. Se as mazelas intensificadas e perpetuadas pelo uso de ferramentas de IAgen são coletivas, a resistência a elas também deve ser.

Pensando em ampliar a circulação de pontos de vista mais diversos, em junho deste ano realizei uma chamada aberta para textos sobre a relação entre Design e IA. Recebi dezenas de textos e fiquei incumbida da desafiadora tarefa de escolher apenas seis para compor a primeira publicação coletiva da hele press.

O resultado dessa chamada é Armadilhas: Reflexões sobre Design & Automação, uma publicação que reúne textos de sete autoras que pesquisam e trabalham com design ou criatividade, cada uma a partir de perspectivas próprias. O livro é um convite para ler mais vozes e aprofundar o debate, e reúne:

• O valete, de Marte Sposito

• Receita da Conceição para criar monstros, de Ana Gretel Echazú Böschemeier e Raquel Assunção Oliveira

• Riscar um fósforo no espaço, de Gabriela Perigo

• Por que falar de Corita hoje?, de Camila Lustosa

• A Morte Algorítmica dos Imaginários Negros: IA, Design e Necropolítica, de Monique Lemos

• Burrice Artificial, de Paula Cruz

A tiragem prevista é de 200 exemplares, sem previsão de reimpressão ou versão digital. A campanha está no Catarse, no modelo “tudo ou nada”, ou seja, se o valor não for batido, infelizmente o projeto não vai rolar, então peço que além de apoiar a publicação vocês também compartilhem muito o projeto, hehe.

Garanta o seu exemplar :)

Pré-venda e recompensas

Assim como no lançamento do meu primeiro livro, o Glifo por Glifo, a campanha no Catarse vai funcionar como uma pré-venda, já que a recompensa principal é o próprio livro. Como essa é uma publicação que fala muito sobre processos, quis incorporar manualidade no projeto gráfico e o resultado disso é que uma das recompensas é uma linogravura artesanal, numerada e assinada. Sendo assim, as faixas de apoio são:

• Apoio simbólico – R$20: Para quem quer contribuir com o projeto sem receber recompensas físicas.

• 1 Livro – R$80: Um exemplar do livro com frete incluso pra todo o Brasil.

• 1 Livro + 1 Linogravura numerada e assinada – R$130: Um exemplar do livro acompanhado de uma linogravura exclusiva, numerada e assinada, feita especialmente para esta campanha (tiragem limitada). Frete incluso pra todo o Brasil.

• 2 Livros – R$150: Para presentear outro criativo :) Dois exemplares enviados juntos com frete incluso.

• 2 Livros + 2 Linogravuras – R$240: Pacote para colecionadores e apoiadores mais entusiasmados, com dois livros e duas linogravuras exclusivas. Frete incluso pra todo o Brasil.

Produzir um livro independente envolve diversos custos além da impressão. A meta final de R$ 8.970 orçamento considera a produção de 200 livros, custos com logística, remuneração simbólica da equipe envolvida, taxas da plataforma e ainda uma pequena reserva para imprevistos. Qualquer pessoa pode conferir mais detalhes sobre o orçamento na página do Catarse.

como sempre, obrigada por ler até aqui. essa é minha primeira experiência organizando uma publicação, e é extremamente refreshing me cercar de textos que não são meus, que saíram diretamente de outras cabeças e vivências diferentes. se você ficou interessado em adquirir um exemplar de Armadilha, você pode fazer isso agora mesmo na página de pré-venda. e se você conhece alguém que pode curtir esse texto, que tal compartilhar essa edição? :)

Share makers gonna make

Confira outros textos da makers sobre Design & IA:

e também o ensaio Redescobrir a mão humana, publicado na Revista Recorte em dez/2024.